6 Skulpturen, die von der Natur inspiriert sind, die Sie diesen Sommer sehen können
Eine bevorstehende Ausstellung in London diesen Sommer verspricht den Besuchern eine einzigartige Gelegenheit, die Schnittstelle von Figuration und Abstraktion in zeitgenössischer Skulptur zu untersuchen, anhand einer Auswahl von von der Natur inspirierten Skulpturen. Mit dem Titel Renaturing Nature und organisiert von der Hignell Gallery wird die Ausstellung in zwei deutlich unterschiedlichen Räumen stattfinden – im Inneren der Hignell Gallery in der Shepherd Street in Mayfair und in der üppigen Umgebung des Saint James’s Square Gartens, eineinhalb Kilometer entfernt. Die sechs Skulpturen wurden genau wegen ihrer Fähigkeit ausgewählt, entweder einen Innen- oder Außenraum zu nutzen, obwohl einige sicherlich in beiden Umgebungen platziert werden könnten und ganz unterschiedliche Reaktionen hervorrufen würden. Zum Beispiel wird ein Paar massiver Zangenfliegen der deutsch-kanadischen Künstlerin Vanessa Paschakarnis das Innere der Galerie bevölkern und die Besucher in ein Gefühl drängen, dass sie schrecklich drinnen mit etwas gefangen sind, das eindeutig in die Wildnis gehört. Wenn diese Zangenfliegen jedoch draußen wären, würden wir ganz anders auf sie reagieren. Ihre Präsenz drinnen objektiviert sie und verstärkt die unnatürlichen Aspekte ihrer Anwesenheit. Draußen wären sie Konkretionen; Denkmäler der Natur. Drinnen werden sie zu Abstraktionen; Denkmäler der Fetischisierung der Natur. Jedes der anderen Werke, die in dieser Ausstellung zu sehen sein werden, funktioniert tatsächlich mit dieser gleichen Art von konzeptioneller Dichotomie. Sie setzen jeweils narrative Bilder oder Inhalte ein, die uns in eine unmittelbare Reaktion wiegen, dass wir nur eine einfache, konkrete Darstellung von etwas betrachten, das wir erkennen – eine Art Denkmal für dies oder das. Je mehr wir jedoch über diese Werke nachdenken und je näher wir sie betrachten, desto mehr werden wir uns einer Welt verborgener Informationen und unsichtbarer Bedeutungen bewusst, die direkt vor unseren Augen lauern.
Im Quadrat zu sehen
Vielleicht ist das täuschend figurative Werk, das in der St. James’s Square zu sehen sein wird, „Te Danzante“ (2018) der portugiesischen Künstlerin Joana Vasconcelos. Die großflächige, aus Schmiedeeisen Skulptur scheint nicht viel mehr als eine ornamentale Nachbildung einer Teekanne zu sein. Die Werke werden jedoch von Jasminpflanzen umgeben, die häufig verwendet werden, um grünem Tee Aroma zu verleihen. In diesem Detail, sowie im Namen, lauern Geheimnisse. Die spanische Übersetzung des Titels ist tanzender Tee. Die portugiesische Übersetzung ist eher etwas wie du tanzt. Das Werk ist eine Anspielung auf die Geschichte des Tehandels, die eng mit der kolonialen Geschichte Portugals und Europas verbunden ist. Dieser Metallkäfig enthält nicht so sehr die Natur, sondern manipuliert sie und verziert sie, profitiert von ihr mit oder ohne ihr Einverständnis.
Joana Vasconcelos - Te Danzante, 2018. Foto © Unidade Infinita Projectos
In der Nähe lauert eine weitere täuschend narrative Skulptur der britischen Künstlerin Sophie Ryder mit dem Titel „Aussie Earl“ (1996). Auf den ersten Blick sieht dieses Werk aus wie ein Denkmal für einen Hasen. Komisch auf seinen rauen Hinterbeinen stehend, starrt das Tier mit seinen kleinen Augen und dem winzigen Kopf geradeaus und betrachtet leer sein grasbewachsenes Reich. Bei näherer Betrachtung sehen wir jedoch, dass das Fleisch des Hasen aus einer Collage kleinerer Objekte besteht – Maschinenteilen, Spielzeugen und unzähligen anderen Erinnerungsstücken, die die zeitgenössische Kultur widerspiegeln. Wenn sich die wahre Natur dieses Objekts offenbart, können wir nicht anders, als über die Beziehung zwischen Tieren, Natur und der modernen Welt auf eine viel düsterere und abstraktere Weise nachzudenken. Für diejenigen, die mit den Gewohnheiten von Hasen vertraut sind, bietet sich eine weitere Lesart an, die Lust und Fortpflanzung betrifft – eine symbolische Anspielung auf die Verbindung, die solche Emotionen mit der Ausbreitung der Menschen und ihrer künstlichen Welt haben.
Sophie Ryder - Aussie Earl, 1996.
Auch im Freien auf dem Platz wird „Capricorno 1 & 2“ (2017), ein weiteres Werk von Vanessa Paschakarnis, zu sehen sein. Dieses Werk besteht aus zwei abgetrennten, gehörnten Ziegenschädeln und nutzt Maßstab und Material, um unser Verständnis der Verbindung zwischen menschlicher und tierischer Natur in Frage zu stellen. Unsere Umarmung dieses Wesens – des Steinbocks – als mystische, himmlische Entität wird durch seine offensichtliche Sterblichkeit in Frage gestellt. Was monumentalisiert die Form tatsächlich? Ruft sie den Tod hervor, oder ruft sie die Verherrlichung der Natur für menschliche Zwecke hervor? In einem formalen, abstrakten Sinne gibt es hier viel zu bewundern in Bezug auf Linie, Form, Farbe und Gestalt. Aber objektivieren wir die Natur nicht nur mehr, wenn wir in diesen Begriffen denken?
Vanessa Paschakarnis - Capricorno 1 & 2, 2017. Foto © James Brittain
In der Galerie zu sehen
Wie bereits erwähnt, werden zwei massive Cranflies von Paschakarnis innerhalb der Wände der Hignell Gallery zu sehen sein. Neben ihnen werden zwei weitere Skulpturen auf jeweils eigene Weise zur unheimlichen Atmosphäre des Innenraums beitragen. Am hauntingsten wird vielleicht eine fließende, biomorphe Masse mit dem Titel „Slick“ (2010) von der britischen Bildhauerin Kate MccGwire sein. Hergestellt aus den schillernden Federn von Elsternflügeln, scheint die oozende Form aus der Architektur selbst herauszufließen. Körperteile toter Kreaturen haben sich zu einer neuen, scheinbar lebenden Kraft vereint, die irgendwo zwischen dem Reich der Lebenden und dem Reich der Toten gefangen ist. Dieses Werk bringt die natürliche Welt nach drinnen, tut dies jedoch auf eine äußerst beunruhigende Weise. Ästhetisch ist es ein abstraktes Wunder, anzusehen. Wenn der Inhalt jedoch auftaucht, entstehen auch Ebenen des Unbehagens auf eine sich verändernde, beunruhigende Weise.
Peter Randall-Page RA - Regenwolkenbild I & II, 2015. Foto © Aislinn McNamara
Auch in der Galerie wird eine Installation mit dem Titel „Rain Cloud Screen I & II“ (2015) des britischen Bildhauers Peter Randall-Page RA zu sehen sein, eines Künstlers, dessen Werk von der Geometrie der Natur inspiriert ist. An einen Paravent erinnernd, besteht das Werk aus vier verbundenen großformatigen Zeichnungen. Bei näherer Betrachtung ist jede Zeichnung eine Abstraktion – eine Ansammlung von dunklen Linien auf einem hellen Hintergrund. Wenn sie zusammengefügt und aus der Ferne betrachtet werden, arbeiten die positiven und negativen Räume zusammen, um die Form einer Wolke zu bilden. Der Effekt ist subtil und verspielt und bietet einen nachdenklichen Kommentar zur inhärenten Abstraktion, die in unserer Interaktion mit der natürlichen Welt lauert, und zu den Geschichten, die in unseren subjektiven Reaktionen auf selbst die abstraktesten menschlichen Schöpfungen verborgen sind. Renaturing Nature wird vom 21. Juni bis 21. Juli 2019 in der Hignell Gallery und im Garten des St James’s Square in London zu sehen sein.
Vorschaubild: Kate MccGwire-Slick, 2010. Foto © Tessa Angus
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
