Lee Krasner im Barbican - Ein Blick auf eine Künstlerin für sich selbst

In diesem Sommer wird die Barbican Art Gallery in London die Ausstellung Lee Krasner: Living Colour präsentieren, die erste europäische Retrospektive der Werke von Lee Krasner seit mehr als einem halben Jahrhundert. Die Ausstellung wird nahezu 100 Werke aus fünf Jahrzehnten zeigen und verfolgt Krasners Entwicklung von einer figurativen Malerin in den 1930er Jahren über ihren wachsenden Einfluss als führende Malerin der ersten Generation des Abstract Expressionism bis hin zu ihrem endgültigen Aufstieg als eine der erfolgreichsten und beliebtesten Stimmen der amerikanischen abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts. Im Laufe ihrer Karriere schuf Krasner mehr als 600 Kunstwerke und wurde zu einer der wenigen Künstlerinnen ihrer Generation, für die ein Katalog raisonné erstellt wurde. Trotz ihrer Erfolge wird Krasner jedoch oft nur im Zusammenhang mit ihrer Beziehung zu ihrem Ehemann, der beeindruckenden Legende Jackson Pollock, diskutiert. Einige Historiker haben sogar anmaßend vorgeschlagen, dass Krasner erst nach dem Tod von Pollock im Jahr 1956 vollständig zu einer reifen Künstlerin erblühte. Wie aus den verschiedenen Werkgruppen, die in dieser Retrospektive ausgestellt sind, deutlich hervorgeht, war Krasner jedoch immer eine innovative und experimentelle Malerin mit einer eigenen Vision. Vielleicht ist der einzige ernsthafte Unterschied, den der Tod von Pollock auf ihr Werk hatte, die Frage der Größe. Das Paar teilte sich ein Bauernhaus auf einem Grundstück in East Hampton, das The Springs genannt wird. Krasner war gezwungen, zwei kleine Innenräume des Hauses als ihr Atelier zu nutzen – zuerst ein dunkles Wohnzimmer und dann ein Schlafzimmer im Obergeschoss, nachdem Pollock sein Atelier dorthin verlegt hatte und in die unvollendete Scheune auf dem Grundstück zog. Als Pollock starb, zog Krasner in die Scheune und erlaubte sich endlich, an monumentalen Leinwänden zu arbeiten, von denen einige in dieser Retrospektive zu sehen sein werden. Doch wie jeder, der das Vergnügen hat, diese Ausstellung zu sehen, ohne Zweifel selbst feststellen wird, ist die Größe nur ein Aspekt ihres Werkes – und sie hatte wenig mit der Einsicht zu tun, die Krasner von Anfang an zu einer Pionierin und bis zum Ende zu einer Meisterin machte.

Ihren Weg finden

Lena Krasner wurde am 27. Oktober 1908 geboren. Ihre erste Neigung zu einer Karriere in der Kunst kam auf mysteriöse Weise im Alter von 13 Jahren, als sie bei der Bewerbung für die weiterführende Schule das Wort „Kunst“ aufschrieb, als sie nach ihrem bevorzugten Studienfeld gefragt wurde. Obwohl sie sich später daran erinnerte, keine Ahnung gehabt zu haben, was sie dachte, als sie diese Richtung wählte, katapultierte es sie dennoch in ein äußerst erfüllendes Schicksal – eines, für das sie perfekt geeignet war. Eine Sache, für die sie jedoch nicht geeignet war, war es, das zu befolgen, was sie als sinnlose Befehle wahrnahm. Während ihres Studiums an der weiterführenden Schule, am Cooper Union, an der National Academy of Design, an der Art Students League und sogar während des Studiums bei Hans Hofmann wurde sie wiederholt gerügt und einmal sogar ausgeschlossen, weil sie von einem Lehrer als „immer eine Plage“ beschrieben wurde, jemand, der „darauf besteht, ihren eigenen Willen trotz der Schulregeln durchzusetzen.“

Lee Krasner - Imperativ, 1976. National Gallery of Art, Washington D.C. © Die Pollock-Krasner-Stiftung. Mit freundlicher Genehmigung der National Gallery of Art, Washington D.C.

Ihre Hartnäckigkeit mag ihre Lehrer verärgert haben, aber sie trieb sie furchtlos zur Entdeckung ihrer eigenen, einzigartigen Stimme. Als das Museum of Modern Art 1929 eröffnet wurde, beschrieb sie es als „eine Umwälzung für mich“. Zum ersten Mal wurde sie sich der Trends in der europäischen Kunst in Richtung Abstraktion und Formalismus bewusst und wusste sofort, dass der Regionalismus Amerikas nicht für sie war. Sie umarmte Kubismus und die Lehren der Bauhaus-Lehrer und zog jede avantgardistische Position an, die sie aufnehmen konnte, immer jedoch auf der Suche nach ihrer eigenen Stimme. Als sie Pollock traf, versuchte sie, seine Theorien intensiv zu verinnerlichen und sie dem wirbelnden Mix von Ideen in ihrem eigenen Kopf hinzuzufügen. Doch wie ein Gemälde mit dem Titel „Igor“ aus dem Jahr 1943 zeigt, kam Krasner, während Pollock für seine bahnbrechende Arbeit an Bedeutung gewann, heftig zu sich selbst. Die wirbelnden biomorphen Formen und gestischen Linien in „Igor“ kombinieren sich zu einer Komposition, die von der Natur inspiriert, aber energetisch abstrakt ist. Anders als alles, was andere Künstler ihrer Generation zu dieser Zeit taten, ahnt es die brillante, reife Arbeit voraus, die Krasner Jahrzehnte später schaffen würde.

Lee Krasner - Palingenesis, 1971. Sammlung Pollock-Krasner Stiftung. © Die Pollock-Krasner Stiftung. Mit freundlicher Genehmigung der Kasmin Gallery, New York.

Sich Selbst Wiederfinden

In mancher Hinsicht könnte man argumentieren, dass Krasner während ihrer Ehe mit Pollock ihre am wenigsten interessanten Werke geschaffen hat. Indem sie seinen All-Over-Stil imitierte, entfernte sie sich von den Instinkten, die sie in sich selbst mit Gemälden wie „Igor“ zu entdecken begann. In ihren finanziell angespanntesten Jahren kratzte Krasner sogar die Farbe von ihren Leinwänden, damit Pollock mehr Flächen zum Malen hatte – eine Tatsache, die ihre Freunde empörte, Krasner jedoch überhaupt nicht störte. Was sie nicht abkratzte, zerriss sie später selbst und verwendete es als Rohmaterial für neue Collagen. Nach dem Tod von Pollock kehrte Krasner zu ihrer eigenen früheren Vision zurück. Das treffend betitelte „Re-echo“ (1957), das im Jahr nach Pollocks Tod gemalt wurde, verweist direkt auf die ästhetische Sprache von „Igor“. Weitere Kompositionen aus diesem Jahr wie „Listen“ und das monumentale „The Seasons“ erwecken diese einzigartige, idiosynkratische Vision voll zum Leben.

Lee Krasner - Ikarus, 1964. Thomson Family Collection, New York. © Die Pollock-Krasner-Stiftung. Mit freundlicher Genehmigung der Kasmin Gallery, New York. Foto von Diego Flores.

In den nächsten 30 Jahren erkundete Krasner akribisch und leidenschaftlich jeden Aspekt ihres persönlichen Stils. Sie vereinfachte ihn in einer atemberaubenden Serie von Serigraphien in den 1970er Jahren; sie kombinierte ihn mit frühen modernistischen Positionen wie dem Futurismus in Werken wie „Imperative“ (1976); sie öffnete ihn für die Wirkung neuer Medien in ihrer „Wasser“-Serie (1969); und schließlich brachte sie ihn spät im Leben mit einem unbetitelten neo-kubistischen Meisterwerk, das 1984 entstand, voll zur Geltung, das Malerei, Kohlezeichnung und Collage in eine Komposition synthetisiert, die nahezu jede stilistische Entwicklung ihres Lebens in eine einzige, tiefgründige, elegante Aussage ausdrückt. Ein Foto von Krasner vor diesem Werk – dem letzten bekannten Werk, das sie geschaffen hat – zeigt sie stolz lächelnd, die fröhlichen Linien ihres wunderschön gereiften Gesichts spiegeln die dynamischen Linien des Gemäldes hinter ihr wider. Dieses Bild einer wahren Pionierin und lächelnden Meisterin, die mit ihren einzigartigen Errungenschaften zufrieden ist, ist es, was Lee Krasner: Living Colour hoffentlich endlich zum Leben erwecken wird. Lee Krasner: Living Colour wird vom 30. Mai bis 1. September 2019 in der Barbican Art Gallery, London, UK, zu sehen sein.

Vorschaubild: Lee Krasner - Another Storm, 1963. Privatbesitz. © Die Pollock-Krasner-Stiftung. Mit freundlicher Genehmigung der Kasmin Gallery, New York.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio