Joan Mitchells Polyptychon-Gemälde landen bei David Zwirner

Besucher der Ausstellung The Long Run im Museum of Modern Art (MoMA) in New York (die am 5. Mai 2019 schließt) waren zweifellos fasziniert, als sie zum ersten Mal die Auswahl an großformatigen Diptychen der abstrakten Expressionistin Joan Mitchell sahen, die in dieser Ausstellung enthalten waren. Die beiden benachbarten Tafeln von „No Rain“ (1976) bieten zwei unterschiedliche Ansichten zu Gestik und Komposition und verkörpern gleichzeitig ein Gefühl der Verbindung durch eine gemeinsame, grünliche Farbpalette. Ähnlich umarmen die Zwillingspaneele von „Taillade“ (1990) eine gemeinsame Sprache aus Blau-, Rot-, Ocker- und Weißtönen und drücken subtile Unterschiede in Balance und Perspektive aus. In der Zwischenzeit fluten die nebeneinander stehenden Tafeln von „Wood, Wind, No Tuba“ (1980) die Sinne mit strahlenden Gelb- und Blautönen und bieten zwei unterschiedliche Strukturen – eine beruhigend und offen, die andere eng gewickelt, fast zerzaust. Diese Werke zeigen das brillante Talent von Mitchell, sowohl Gemeinsamkeiten als auch Unterschiede durch das als Polyptychon bekannte Mittel darzustellen – ein einzelnes Gemälde, das aus mehreren benachbarten Tafeln besteht. Nun haben wir zum ersten Mal die Gelegenheit, eine Ausstellung zu genießen, die sich ganz auf ihre Polyptychon-Gemälde konzentriert. Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me wird diesen Sommer in der David Zwirner Galerie in der 537 West 20th Street in New York eröffnet. Sie wird Polyptychon-Werke aus vier Jahrzehnten präsentieren, einige aus der Joan Mitchell Foundation und anderen großen Spendern, und andere, die von privaten Sammlern zusammengestellt wurden. Dies ist eine einzigartige Gelegenheit, zu bewundern, was Mitchell mit diesem ungewöhnlichen Format erreichen konnte – eines, das nur wenige Maler ihrer Generation annahmen, das sie jedoch wirklich meisterte.

Die Macht und das Problem der Skalierung

Wie die meisten anderen abstrakten Expressionisten war Mitchel sich der Bedeutung bewusst, die ihre Generation der Größe beimisst. 1943, als Jackson Pollock sein berühmtes "Mural"-Gemälde vollendete – das beeindruckende 2,43 mal 6,04 Meter maß – stellte er endgültig den Effekt fest, der erreicht werden konnte, indem man den Betrachter buchstäblich in die visuelle Welt eines Gemäldes einhüllte. Maler wie Adolph Gottlieb, Franz Kline, Helen Frankenthaler und Robert Motherwell folgten in seinen Fußstapfen und schufen eindrucksvolle großformatige abstrakte Gemälde, die oft direkt auf dem Boden auf riesigen Bahnen von unbespanntem Leinwand gemalt wurden, und bauten ihre Karrieren teilweise auf der Idee auf, dass größer immer besser sein kann. Aber es gibt bestimmte Herausforderungen, die immer auftreten, wenn ein Maler versucht, groß zu arbeiten. Ein Problem ist, einen Ort zu finden, um großformatige Gemälde auszustellen – normalerweise haben nur Museen so viel Wandfläche übrig. Und ein weiteres ist die einfache Praktikabilität, Platz zu finden, um sie zu malen.

Joan Mitchell - Kein Regen, 1976. Öl auf Leinwand, zwei Tafeln. 9' 2" x 13' 1 /58" (279,5 x 400,4 cm). Geschenk des Nachlasses von Joan Mitchell. MoMA Sammlung. © Nachlass von Joan Mitchell.

Dieses zweite Problem beeinflusste Mitchell auf interessante Weise, während sie von einem Atelier zum nächsten zog. In ihrem Pariser Atelier in der 10 rue Frémicourt, in das sie 1959 zog, sah sie sich dem Problem gegenüber, ihre großformatigen Leinwände beim Verlassen des Ateliers aufrollen zu müssen, was bedeutete, dass sie sie nicht mit dicken Farbschichten überladen konnte. Das Konzept eines Polyptychons bot eine mögliche Lösung für dieses Problem, da es ihr ermöglichte, dick auf mehreren kleinen Leinwänden zu malen. Diese Strategie zeigt sich in einem großformatigen Quadryptychon, das in der bevorstehenden Zwirner-Ausstellung mit dem Titel „Seine“ (1967) zu sehen sein wird. Die farbenfrohe, energetische Komposition ist gefüllt mit biomorphen Feldern aus Blau und kalligraphischen Pinselstrichen, die eine Welt von Emotionen und Erinnerungen hervorrufen, als würde man die glitzernden Lichter von Paris vom Ufer aus durch tränenüberströmte Augen vorbeiziehen sehen. Insgesamt misst das Quadryptychon fast 2 x 4 Meter. Jede der vier Leinwände misst jedoch einzeln viel handlicher 2 x 1 m.

Joan Mitchell - Wood, Wind, No Tuba, 1980. Öl auf Leinwand, zwei Tafeln. 9' 2 1/4" x 13 1 1/8" (280 x 399,8 cm). Geschenk des Nachlasses von Joan Mitchell. MoMA Sammlung. © Nachlass von Joan Mitchell

Das Gefühl der Erinnerung

Als Mitchell später in ein größeres Atelier auf dem Land in Vétheuil zog, hatte sie nicht mehr das Problem, ihre bemalten Leinwände zum Transport aufrollen zu müssen. Sie konnte großformatige Leinwände schaffen, die so dick bemalt waren, wie sie wollte. Dennoch blieb sie mehr denn je dem Polyptychon-Format verpflichtet. Die Kombination aus der Arbeit im großen Maßstab und der Schaffung von Bildern, die sich über mehrere Leinwände erstreckten, ermöglichte es ihr, etwas Einzigartiges zu erreichen: Sie konnte monumentale Kompositionen konstruieren und gleichzeitig dem Betrachter erlauben, verschiedene Aspekte des Werkes zu compartmentalize. Diese Strategie schuf Gelegenheiten für immer subjektivere Erfahrungen, die aus ihren mehrteiligen Gemälden hervorgingen. Betrachten Sie zum Beispiel das Quadryptychon „Minnesota“ (1980), das über seine vier Tafeln 2,6 x 6,1 Meter misst und das in Zwirner zu sehen sein wird. Aus der Ferne ruft die Gesamtkomposition eine ziemlich geradlinige, lichtdurchflutete Landschaft auf dem Land hervor. Aus der Nähe jedoch kann das Auge nicht anders, als die einzelnen Tafeln zu trennen und in ihnen eine Vielzahl von unterschiedlichen Haltungen wahrzunehmen – von dem Dschungel wilder, energetischer Pinselstriche an den beiden äußeren Seiten bis zur Ruhe, die aus dem weiten, offenen, leuchtend gelben Kosmos der dritten Tafel von links strömt.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Öl auf Leinwand, vier Tafeln. 116 1/4 x 299 5/8 Zoll (295,3 x 761,1 cm). Sammlung der Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell.

Die Vorstellung, dass die Betrachter eine Vielzahl unterschiedlicher emotionaler Reaktionen aus ihren Polyptychen ziehen könnten, war entscheidend für das, was Mitchell mit diesen Werken erreichen wollte. Sie sagte einmal: „Ich male aus erinnerte Landschaften, die ich mit mir trage – und aus den erinnerte Gefühlen davon, die sich natürlich verwandeln. Ich könnte die Natur sicherlich niemals spiegeln. Ich möchte vielmehr malen, was sie mir hinterlässt.“ Einer der größten Polyptychen, die in der Zwirner-Ausstellung zu sehen sein werden, bietet eine sehr berührende Gelegenheit, über diese Aussage nachzudenken. Mit dem Titel „Edrita Fried“ (1981) misst er 3 x 7,5 m. Er ist nach ihrer lieben Freundin und ehemaligen Psychoanalytikerin Edrita Fried benannt, die im Jahr des Abschlusses des Gemäldes starb. Die Komposition spricht von dem Schmerz des Verlustes und dem Versprechen der Hoffnung, während sie elegant von Dickichten tiefblauer Pinselstriche zu einer aufsteigenden Welle leuchtenden Ocker übergeht – die sanfte, fließende Energie der malerischen Gesten zieht das Auge über die vier Tafeln auf seiner visuellen und emotionalen Reise von der Dunkelheit zum Licht. Joan Mitchell: Ich trage meine Landschaften mit mir ist vom 3. Mai bis 22. Juni 22 in der David Zwirner Galerie in New York zu sehen.

Vorschaubild: Joan Mitchell - Taillade, 1990. Öl auf Leinwand, zwei Tafeln. 8' 6 1/4" x 13' 1 1/2" (259,8 x 400 cm). Geschenk von Galerie Jean Fournier, Enid A. Haupt Fund und Helen Acheson Nachlass (im Austausch). MoMA Sammlung. © Nachlass von Joan Mitchell
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio