Joan Mitchells Polyptychon-Gemälde landen bei David Zwirner

Besucher der Ausstellung The Long Run im Museum of Modern Art (MoMA) in New York (die am 5. Mai 2019 schließt) waren zweifellos gebannt, als sie zum ersten Mal die Auswahl großformatiger Diptychen der abstrakten Expressionistin Joan Mitchell sahen, die in dieser Schau gezeigt wurden. Die zwei nebeneinanderhängenden Tafeln von „No Rain“ (1976) bieten zwei unterschiedliche Interpretationen von Gestik und Komposition, während sie durch eine gemeinsame, grün getönte Farbpalette eine Verbindung ausdrücken. Ebenso umarmen die Zwillingspaneele von „Taillade“ (1990) eine gemeinsame Sprache aus Blau-, Rot-, Ocker- und Weißtönen, während sie subtile Unterschiede in Balance und Perspektive zeigen. Unterdessen überschwemmen die nebeneinanderstehenden Tafeln von „Wood, Wind, No Tuba“ (1980) die Sinne mit leuchtendem Gelb und Blau und bieten dabei zwei unterschiedliche Strukturen – eine beruhigend und offen, die andere eng gewunden, fast zerzaust. Diese Werke zeigen das brillante Talent Mitchells, sowohl Gemeinsamkeiten als auch Unterschiede durch das Mittel des Polyptychons darzustellen – ein einzelnes Gemälde, das aus mehreren nebeneinanderliegenden Tafeln besteht. Nun haben wir zum ersten Mal die Gelegenheit, eine Ausstellung zu genießen, die sich ganz ihren Polyptychen widmet. Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me wird diesen Sommer in der Galerie David Zwirner in der 537 West 20th Street in New York eröffnet. Gezeigt werden Polyptychen aus vier Jahrzehnten, einige aus der Joan Mitchell Foundation und von anderen bedeutenden Stiftern, andere aus privaten Sammlungen. Dies ist eine einzigartige Gelegenheit, zu bewundern, was Mitchell mit diesem ungewöhnlichen Format erreichen konnte – eines, das nur wenige Maler ihrer Generation annahmen, das sie jedoch meisterhaft beherrschte.

Die Kraft und das Problem der Größe

Wie die meisten anderen abstrakten Expressionisten war Mitchell sich der Bedeutung bewusst, die ihre Generation der Größe beim Maßstab beimaß. 1943, als Jackson Pollock sein berühmtes Gemälde „Mural“ fertigstellte – das beeindruckende 2,43 mal 6,04 Meter maß – stellte er endgültig den Effekt unter Beweis, der erzielt werden kann, wenn der Betrachter buchstäblich in die visuelle Welt eines Gemäldes eingehüllt wird. Maler wie Adolph Gottlieb, Franz Kline, Helen Frankenthaler und Robert Motherwell folgten seinem Beispiel und schufen eindrucksvolle großformatige abstrakte Gemälde, die oft direkt auf dem Boden auf riesigen, nicht bespannten Leinwänden gemalt wurden. Sie bauten ihre Karrieren teilweise auf der Idee auf, dass größer immer besser sein kann. Doch es gibt bestimmte Herausforderungen, die immer auftreten, wenn ein Maler großformatig arbeiten möchte. Ein Problem ist, einen Ort zu finden, an dem großformatige Gemälde gezeigt werden können – normalerweise haben nur Museen so viel Wandfläche zur Verfügung. Ein weiteres ist die einfache praktische Frage, genügend Platz zum Malen zu finden.

Joan Mitchell – No Rain, 1976. Öl auf Leinwand, zwei Tafeln. 2,79 x 4,00 m. Geschenk des Nachlasses von Joan Mitchell. MoMA Sammlung. © Nachlass Joan Mitchell.

Dieses zweite Problem beeinflusste Mitchell auf interessante Weise, als sie von einem Atelier zum nächsten zog. In ihrem Pariser Atelier in der Rue Frémicourt 10, in das sie 1959 einzog, stand sie vor dem Problem, ihre großformatigen Leinwände beim Herausbringen aufrollen zu müssen, was bedeutete, dass sie sie nicht mit dicken Farbschichten überladen konnte. Das Konzept des Polyptychons bot eine mögliche Lösung für dieses Problem, indem es ihr erlaubte, auf mehreren kleinen Leinwänden dick zu malen. Diese Strategie zeigt sich in einem großformatigen Vierteiler, der in der kommenden Zwirner-Ausstellung mit dem Titel „Seine“ (1967) zu sehen sein wird. Die farbenfrohe, energiegeladene Komposition ist gefüllt mit biomorphen Feldern in Blau und kalligraphischen Pinselstrichen, die eine Welt voller Emotionen und Erinnerungen heraufbeschwören, wie das Betrachten der glitzernden Lichter von Paris vom Flussufer durch tränenfeuchte Augen. Insgesamt misst der Vierteiler fast 2 x 4 Meter. Jede der vier Leinwände misst jedoch einzeln ein viel handlicheres Maß von 2 x 1 m.

Joan Mitchell – Wood, Wind, No Tuba, 1980. Öl auf Leinwand, zwei Tafeln. 2,80 x 4,00 m. Geschenk des Nachlasses von Joan Mitchell. MoMA Sammlung. © Nachlass Joan Mitchell

Das Gefühl der Erinnerung

Als Mitchell später in ein größeres Atelier auf dem Land in Vétheuil zog, hatte sie nicht mehr das Problem, ihre bemalten Leinwände aufrollen zu müssen, um sie zu transportieren. Sie konnte großformatige Leinwände schaffen, die sie so dick bemalte, wie sie wollte. Dennoch blieb sie dem Polyptychon-Format mehr denn je verpflichtet. Die Kombination aus großem Maßstab und der Schaffung von Bildern, die sich über mehrere Leinwände erstreckten, ermöglichte ihr etwas Einzigartiges: Sie konnte monumentale Kompositionen schaffen und gleichzeitig dem Betrachter erlauben, verschiedene Aspekte des Werks zu gliedern. Diese Strategie schuf Möglichkeiten für immer subjektivere Erfahrungen, die aus ihren mehrteiligen Gemälden hervorgehen konnten. Betrachten Sie zum Beispiel den Vierteiler „Minnesota“ (1980), der über seine vier Tafeln 2,6 x 6,1 Meter misst und in der Zwirner-Ausstellung zu sehen sein wird. Aus der Ferne wirkt die Gesamtkomposition wie eine recht geradlinige, lichtdurchflutete Landschaft. Aus der Nähe jedoch kann das Auge nicht anders, als die einzelnen Tafeln zu trennen und in ihnen eine Reihe unterschiedlicher Stimmungen wahrzunehmen – vom Dschungel wilder, energiegeladener Pinselstriche an den beiden äußeren Seiten bis zur Ruhe, die vom weiten, offenen, leuchtend gelben Kosmos der dritten Tafel von links ausgeht.

Joan Mitchell – Edrita Fried, 1981. Öl auf Leinwand, vier Tafeln. 295,3 x 761,1 cm. Sammlung der Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass Joan Mitchell.

Die Vorstellung, dass Betrachter eine Vielzahl unterschiedlicher emotionaler Reaktionen aus ihren Polyptychen ziehen könnten, war für Mitchell wesentlich bei dem, was sie mit diesen Werken erreichen wollte. Sie sagte einmal: „Ich male aus erinnernden Landschaften, die ich mit mir trage – und aus den erinnernden Gefühlen daran, die sich natürlich verwandeln. Ich könnte die Natur niemals spiegeln. Ich möchte eher malen, was sie mir hinterlässt.“ Einer der größten Polyptychen, der in der Zwirner-Ausstellung zu sehen sein wird, bietet eine besonders eindringliche Gelegenheit, über diese Aussage nachzudenken. Mit dem Titel „Edrita Fried“ (1981) misst er 3 x 7,5 m. Er ist nach ihrer lieben Freundin und ehemaligen Psychoanalytikerin Edrita Fried benannt, die im Jahr der Fertigstellung des Gemäldes verstarb. Die Komposition spricht vom Schmerz des Verlusts und dem Versprechen der Hoffnung, während sie elegant von Dickichten tiefblauer Pinselstriche zu einer aufsteigenden Welle leuchtenden Ockers übergeht – die sanfte, fließende Energie der malerischen Gesten zieht das Auge über die vier Tafeln auf seiner visuellen und emotionalen Reise von Dunkelheit zu Licht. Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me ist vom 3. Mai bis 22. Juni in der Galerie David Zwirner in New York zu sehen.

Titelbild: Joan Mitchell – Taillade, 1990. Öl auf Leinwand, zwei Tafeln. 2,60 x 4,00 m. Geschenk der Galerie Jean Fournier, Enid A. Haupt Fund und Helen Acheson Nachlass (durch Tausch). MoMA Sammlung. © Nachlass Joan Mitchell
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio