Über abstrakten Illusionismus - Die Realität aus der Illusion nehmen
Dank der Ausbreitung von COVID-19 ist das Kunstfeld in eine seltsame Zeit extremer Flachheit eingetreten, da jede Ausstellung weltweit in digitaler Form neu gedacht wird. Das macht dies zum perfekten Zeitpunkt, um auf die wenig geschätzte und missverstandene Bewegung namens Abstrakter Illusionismus zurückzublicken, deren ganzes Ziel es war, das Element der Tiefe zurückzuerobern. Wahrscheinlich haben Sie noch nie von dieser Bewegung gehört, denn sie wird heute fast nie im Kunstgeschichtsunterricht behandelt. Warum nicht? Meine Vermutung ist, dass sie zu erfolgreich für ihr eigenes Wohl war. Sie war so populär, dass sie sich über die Kunstwelt hinaus ausbreitete und in jeden Bereich der Bildkultur eindrang, wo sie dadurch zu einem Gag reduziert wurde. Abstrakter Illusionismus ist im Grunde eine Verschmelzung von Trompe-l’œil (ein französischer Begriff, der „das Auge täuschen“ bedeutet) mit abstrakten Kunsttendenzen der Mitte des 20. Jahrhunderts wie dem Abstrakten Expressionismus und der Geometrischen Abstraktion. Trompe-l’œil-Maler täuschen die Betrachter, indem sie sie glauben lassen, sie sähen tatsächlich die Wirklichkeit, und täuschen das Auge durch hyperrealistische Texturen, Töne und Farben, wodurch die Betrachter eingeladen werden, in den illusionistischen Rahmen einzutreten und in der gemalten Welt zu verschwinden. Die meisten Künstler betrachten Abstraktion als das Gegenteil von Trompe-l’œil. Die abstrakten Illusionisten hingegen fanden Inspiration in der Idee des Trompe-l’œil, dass ein Gemälde ein Ersatz für die Wirklichkeit sein könnte. Anstatt diese Idee zu nutzen, um die Wirklichkeit zu kopieren, verwendeten sie sie, um formale abstrakte Elemente wie Linien, Pinselstriche und Formen – die keine Bedeutung oder Beziehung zur gegenständlichen Wirklichkeit haben – so erscheinen zu lassen, als würden sie nach außen zu uns hervorstehen, scheinbar als Teil unserer tatsächlichen Umgebung. Die mit dieser Bewegung verbundenen Künstler waren so gut in dem, was sie taten, dass in den 1980er Jahren, als die Bewegung ihren Höhepunkt erreichte, ihre Techniken von jedem Grafikdesigner auf der Welt eingesetzt wurden. Wenn man heute auf die Bildsprache dieses Jahrzehnts zurückblickt, entlehnt alles von Videospielgrafiken bis zu Albumcovern die Lehren des abstrakten Illusionismus – ein enttäuschendes Erbe für eine Bewegung, die so erfolgreich war, dass sie von der Öffentlichkeit, die sie liebte, zu Tode geritten wurde.
Unmögliche Perspektiven
Trotz des schrecklichen Schicksals, das sie letztlich erlitten, sind die abstrakten Illusionisten zumindest in guter Gesellschaft. Sie werden begleitet von einer langen Liste anderer Künstler, die für die Kunstwelt zu populär wurden, um geliebt zu werden. Einer, der einem besonders einfällt, ist Maurits Cornelis (M. C.) Escher, ein niederländischer Künstler, der sich darauf spezialisierte, komplexe Holzschnitte von Szenen zu schaffen, die scheinbar unmögliche räumliche Realitäten zeigten. Seine berühmtesten Bilder sind die Treppen, die gleichzeitig nach oben, unten und seitwärts zu führen scheinen, und sein Bild von zwei Händen, die sich gegenseitig ins Dasein zeichnen. Obwohl er einer der versiertesten und listigsten Zeichner der Menschheitsgeschichte war, wurde er von Insidern der Kunstwelt weitgehend ignoriert, die seine Arbeit als Kitsch betrachteten. Escher war 70 Jahre alt, bevor seine Werke eine angemessene Retrospektive erhielten. Doch die Werke der bahnbrechenden (und viel berühmteren und respektierteren) Op-Künstler wie Victor Vasarely und Bridget Riley basieren absolut auf den von Escher perfektionierten Techniken.
Ron Davis - Ring, 1968. Polyesterharz und Glasfaser. 143,4 x 345,6 cm (56 1/2" x 11' 4"). MoMA-Sammlung. Mr. und Mrs. Samuel C. Dretzin Fund. © 2020 Ron Davis
Der abstrakte Illusionismus erlitt nicht nur dasselbe Schicksal, sondern die Künstler, die ihn begründeten, griffen auch direkt auf die Techniken und Theorien zurück, die Escher entwickelt hatte. Die Dinge in ihren Gemälden sind nicht real; sie können nicht real sein; und doch werden wir beim Betrachten von ihrer Wirklichkeit überzeugt. Wenn wir ein Gemälde von Jackson Pollock betrachten, haben wir die Wahl, uns in seinen Feinheiten zu verlieren oder die taktilen Qualitäten seiner Impasto-Schichten zu bewundern. Wenn jedoch ein abstrakter Illusionist ein Spritzbild schafft, wird unser Geist unaufhörlich von der Illusion geplagt, dass die Pinselstriche und Spritzer im Raum schweben. Transzendenz wird unmöglich, während unsere Augen und unser Gehirn darum kämpfen, die Illusion in Einklang zu bringen. Wenn wir wissen, dass wir nur Muster, Pinselspuren und Farben sehen, können wir das Werk auf dieser formalen Ebene betrachten. Indem sie diese Elemente so erscheinen lassen, als existierten sie im realen Raum unabhängig von Absicht, Bedeutung oder Gegenstand, zwingen uns die abstrakten Illusionisten, sie als tatsächliche Gegenstände zu betrachten, Dinge, die ein Recht haben, in derselben Welt wie Steine, Staubhasen und Bananen zu existieren, Dinge, die eine Rolle in unserem erfahrbaren Ökosystem spielen.
Paul Sarkisian - #6, 1981. Acryl, Glitzer und Siebdruck auf Leinwand. 109,2 x 114,3 cm (43 x 45 Zoll). © Paul Sarkisian
Die Wirklichkeit der Illusion
Wenn Trompe-l’œil die Illusion der Wirklichkeit ist und Abstraktion die Erweiterung der Wirklichkeit, könnte man den abstrakten Illusionismus als die Erweiterung der Wirklichkeit der Illusion betrachten. 1979 festigte das Denver Art Museum das Erbe der Bewegung mit einer Ausstellung mit genau diesem Titel: Wirklichkeit der Illusion. Die Ausstellung kanonisierte eine kleine Gruppe von Künstlern, die heute als Pioniere des abstrakten Illusionismus gelten, darunter Joe Doyle, James Havard und Jack Reilly. Doyle verband Geometrie und Expressionismus und schuf verspielte, farbenfrohe Gemälde, die es so erscheinen lassen, als würden Kreise, Dreiecke und Kringel im illusionistischen Raum über flachen Flächen schweben, die mit Spritzern, Tropfen und Pinselstrichen bemalt sind.
James Havard - Airkara Bear's Belly, 1976. Acryl, Pastell und Graphit auf Papier, auf Holzplatte montiert. 101,6 x 80,9 cm (40 x 31 7/8 Zoll). Marian Locks Galerie, Philadelphia. Vom oben genannten Besitzer 1976 erworben. © James Havard
Auch Reilly griff in seinen Werken eine spielerische Bildsprache auf und schuf skulpturale Gemälde, die wie Energieschübe in einem Comic ins All zu fliegen scheinen oder wie explodierende Teile einer imaginären Maschine, die Francis Picabia erdacht hat. Von diesen drei abstrakten Illusionisten war Havard der zurückhaltendste. Er schuf düstere Kompositionen, die zwar weiterhin Schatten und Perspektive nutzten, um es so erscheinen zu lassen, als würden Elemente im Raum schweben, aber auch historische ästhetische Positionen wie Kubismus und Art Brut auf nachdenkliche Weise aktualisierten. Wenn man heute auf die Werke dieser und anderer Protagonisten dieser missverstandenen Bewegung zurückblickt, ist es leicht, ihre Bemühungen abzutun, da die Überreste des abstrakten Illusionismus großzügig in der oft hässlichen Popkultur einer Generation zuvor verstreut sind. Nennen Sie ihre Arbeit gimmickhaft, kitschig, psychedelisch oder gewöhnlich. Nennen Sie sie, wie Sie wollen, aber sie bleibt legitim. Sie versuchten, die Tiefe als formales Element in der Malerei zurückzuerobern: ein ernsthaftes Anliegen, das besonders im Zeitalter von COVID-19 und einer Überflutung digitaler Ausstellungen auch heute noch viel Bedeutung für uns hat.
Titelbild: James Havard - Flat Head River, 1976, Acryl auf Leinwand, 183 x 244 cm (72 x 96 Zoll). Louis K. Meisel Galerie.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
