Über abstrakten Illusionismus - Die Realität aus der Illusion nehmen

Dank der Verbreitung von COVID-19 ist das Kunstfeld in eine seltsame Zeit extremer Flachheit eingetreten, da jede Ausstellung der Welt in digitaler Form neu interpretiert wird. Das macht dies zur perfekten Zeit, um auf die unterbewertete und missverstandene Bewegung namens Abstract Illusionism zurückzublicken, deren ganzes Ziel es war, das Element der Tiefe zurückzuerobern. Die Chancen stehen gut, dass Sie noch nie von dieser Bewegung gehört haben, da sie heute fast nie in Kunstgeschichte-Kursen gelehrt wird. Warum nicht? Ich vermute, weil sie zu erfolgreich für ihr eigenes Wohl war. Sie war so populär, dass sie über die Kunstwelt hinaus in jeden Aspekt der visuellen Kultur verbreitet wurde, wo sie somit auf ein Gimmick reduziert wurde. Abstract Illusionism ist im Grunde eine Mischung aus trompe l’oeil (ein französischer Begriff, der "das Auge täuschen" bedeutet) mit abstrakten Kunsttendenzen des mittleren 20. Jahrhunderts wie Abstract Expressionism und Geometric Abstraction. Trompe l’oeil-Maler täuschen die Betrachter, indem sie denken, sie würden tatsächlich die Realität betrachten, und täuschen das Auge durch hyperrealistische Texturen, Töne und Farben, die die Betrachter einladen, in den illusionistischen Rahmen einzutreten und in die gemalte Welt zu verschwinden. Die meisten Künstler betrachten Abstraktion als das Gegenteil von trompe l’oeil. Die Abstract Illusionists hingegen fanden Inspiration in der trompe l’oeil-Idee, dass ein Gemälde ein Stellvertreter für die Realität werden könnte. Anstatt diese Idee zu nutzen, um die Realität zu replizieren, verwendeten sie sie, um formale abstrakte Elemente wie Linien, Pinselstriche und Formen – die keine Bedeutung oder Beziehung zur repräsentationalen Realität haben – so erscheinen zu lassen, als ob sie existieren, indem sie sie nach außen zu uns protrudieren, scheinbar als Teil unserer tatsächlichen Umgebung. Die mit dieser Bewegung verbundenen Künstler waren so gut in dem, was sie taten, dass in den 1980er Jahren, als die Bewegung ihren Höhepunkt erreichte, ihre Techniken von jedem Grafikdesigner auf dem Planeten eingesetzt wurden. Wenn Sie heute auf die visuelle Sprache dieses Jahrzehnts zurückblicken, leiht sich alles, von Videospielgrafiken bis hin zu Albumcovern, die Lehren des Abstract Illusionism – ein enttäuschendes Erbe für eine Bewegung, die so erfolgreich war, dass sie von der Öffentlichkeit, die sie verehrte, in den Boden gestampft wurde.

Unmögliche Perspektiven

Trotz des schrecklichen Schicksals, das sie letztendlich erlitten, sind die Abstract Illusionists zumindest in guter Gesellschaft. Sie werden von einer langen Liste anderer Künstler begleitet, die für die Kunstwelt zu populär wurden, um geliebt zu werden. Ein Künstler, der mir besonders in den Sinn kommt, ist Maurits Cornelis (M. C.) Escher, ein niederländischer Künstler, der sich auf die Erstellung komplexer Holzschnitte von Szenen spezialisiert hat, die scheinbar unmögliche räumliche Realitäten zeigen. Seine bekanntesten Bilder sind die Treppen, die gleichzeitig nach oben, unten und zur Seite zu führen scheinen, und sein Bild von zwei Händen, die sich gegenseitig ins Dasein zeichnen. Trotz der Tatsache, dass er einer der erfolgreichsten und gerissensten Zeichner in der Menschheitsgeschichte war, wurde er von den Insidern der Kunstwelt nahezu ignoriert, die seine Arbeiten als Kitsch betrachteten. Escher war 70 Jahre alt, bevor seine Werke eine angemessene Retrospektive erhielten. Dennoch basieren die Arbeiten von Pionieren (und viel berühmteren und respektierteren) Op-Künstlern wie Victor Vasarely und Bridget Riley absolut auf den Techniken, die Escher perfektioniert hat.

Ron Davis - Ring, 1968. Polyesterharz und Fiberglas. 56 1/2" x 11' 4" (143,4 x 345,6 cm). MoMA Sammlung. Mr. und Mrs. Samuel C. Dretzin Fonds. © 2020 Ron Davis

Der abstrakte Illusionismus erlitt nicht nur dasselbe Schicksal, sondern die Künstler, die ihn prägten, schöpften auch direkt aus den Techniken und Theorien, die Escher entwickelte. Die Dinge in ihren Gemälden sind nicht real; sie können nicht real sein; und doch, wenn wir sie betrachten, überzeugt sich unser Verstand von ihrer Realität. Wenn wir ein Gemälde von Jackson Pollock betrachten, haben wir die Wahl, uns in seinen Feinheiten zu verlieren oder die taktilen Qualitäten seiner Impasto-Schichten zu bewundern. Aber wenn ein abstrakter Illusionist ein Spritzgemälde schafft, wird unser Verstand endlos von der Illusion gequält, dass die Pinselstriche und Spritzer im Raum schweben. Transzendenz wird unmöglich, während unsere Augen und unser Gehirn darum kämpfen, die Illusion zu versöhnen. Wenn wir wissen, dass das, was wir sehen, nur Muster, Pinselstriche und Farben sind, können wir das Werk auf dieser formalen Ebene betrachten. Indem diese Elemente so erscheinen, als würden sie im realen Raum unabhängig von Absicht, Bedeutung oder Thema existieren, zwingen uns die abstrakten Illusionisten, sie als tatsächliche Objekte zu betrachten, Dinge mit einem Recht zu existieren in der gleichen Welt wie Steine, Staubmäuse und Bananen, Dinge mit einer Rolle in unserem erfahrungsbasierten Ökosystem.

Paul Sarkisian - #6,1981. Acryl, Glitzer und Siebdruck auf Leinwand. 43 x 45 Zoll (109,2 x 114,3 cm). © Paul Sarkisian

Die Realität der Illusion

Wenn Trompe-l'œil die Illusion der Realität ist und Abstraktion die Erweiterung der Realität, könnte man den Abstract Illusionism als die Erweiterung der Realität der Illusion betrachten. 1979 festigte das Denver Art Museum das Erbe der Bewegung mit einer Ausstellung, die genau so betitelt war: Realität der Illusion. Die Ausstellung kanonisierte eine kleine Gruppe von Künstlern, die heute als Pioniere des Abstract Illusionism gelten, darunter Joe Doyle, James Havard und Jack Reilly. Doyle kombinierte Geometrie und Expressionismus und schuf skurrile, farbenfrohe Gemälde, die den Anschein erwecken, als würden Kreise, Dreiecke und Zickzacklinien in illusionistischem Raum über flachen Oberflächen, die mit Spritzern, Tropfen und Pinselstrichen bemalt sind, schweben.

James Havard - Airkara Bear's Belly, 1976. Acryl, Pastell und Graphit auf Papier auf Holz montiert. 40 x 31 7/8 Zoll (101,6 x 80,9 cm). Marian Locks Gallery, Philadelphia. Vom oben genannten Eigentümer 1976 erworben. © James Havard

Reilly umarmte ebenfalls eine Art verspielte visuelle Sprache in seiner Arbeit und schuf skulpturale Gemälde, die wie Energieschübe in einem Comicbuch in den Raum zu fliegen scheinen oder explodierende Teile einer imaginären Maschine, die von Francis Picabia erträumt wurde. Von diesen drei abstrakten Illusionisten war Havard der zurückhaltendste. Er schuf düstere Kompositionen, die, während sie weiterhin den Einsatz von Schatten und Perspektive umarmten, um den Eindruck zu erwecken, dass Elemente im Raum schwebten, auch historische ästhetische Positionen wie den Kubismus und Art Brut auf nachdenkliche Weise aktualisierten. Wenn man heute auf die Arbeiten dieser und der anderen Protagonisten dieser missverstandenen Bewegung zurückblickt, ist es leicht, ihre Bemühungen abzutun, da die Überreste des abstrakten Illusionismus großzügig in der häufig hässlichen Popkultur einer Generation zuvor verstreut sind. Nennen Sie ihre Arbeiten gimmicky, cheesy, trippy oder pedestrian. Nennen Sie es, wie Sie wollen, aber es bleibt legitim. Sie versuchten, Tiefe als formales Element in der Malerei zurückzuerobern: ein ernsthaftes Unterfangen, das besonders im Zeitalter von COVID-19 und einer Überflutung digitaler Ausstellungen für uns heute noch viel Bedeutung hat.

Vorgestelltes Bild: James Havard - Flat Head River, 1976, Acryl auf Leinwand, 72 x 96 Zoll. Louis K. Meisel Galerie.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio