Orla Kielys Leben im Muster

Wenn Sie London in den letzten ein oder zwei Monaten besucht haben, ist Ihnen vielleicht aufgefallen, dass die ikonische Fassade des Fashion and Textile Museum (FTM) ein Make-over erhalten hat. Das Redesign stammt von der in Irland geborenen Mode- und Textildesignerin Orla Kiely. Das FTM wurde von dem renommierten mexikanischen Architekten Ricardo Legorreta Vilchis entworfen – es war der einzige europäische Auftrag, den er abgeschlossen hat. Sein markantes Erscheinungsbild verkörpert sein Talent, brutalen Modernismus mit dem Pueblo-Architekturstil zu mischen. Das Gebäude sticht besonders durch sein lebhaftes Farbschema in Pink, Gelb, Blau und verbranntem Orange hervor. Anlässlich ihrer Retrospektive zur Mitte ihrer Karriere, Orla Kiely: A Life in Pattern, hat Kiely einen Teil dieser berühmten Außenfassade mit ihrem bekanntesten Muster „Stem“ bedeckt, das einem Dschungel aus straffen Bohnensprossen ähnelt, die nach oben in den Himmel ragen und knollige, regenbogenfarbene Blätter tragen. „Stem“ verleiht der Struktur einen zusätzlichen Funken Aufregung. Doch die wahre Energie liegt im Inneren des Museums. Die Ausstellung erkundet die breite Palette an Arbeiten, die Kiely in den letzten 20 Jahren gemacht hat. Die Art und Weise, wie die Objekte präsentiert werden, liest sich jedoch nicht nur wie eine Designausstellung. Es fühlt sich manchmal eher wie eine abstrakte Kunstinstallation an. Die Art und Weise, wie die Muster und Objekte mit dem Raum und dem Licht interagieren, schafft ein unheimliches und manchmal respektloses Gefühl. Dieses Gefühl bietet einen perfekten Ausgangspunkt für eine größere Frage: „Was sind die Barrieren zwischen zeitgenössischer Kunst und Design, und ist es an der Zeit, diese Barrieren zu vergessen?“

Die Gründe, warum wir tun, was wir tun

Wenn man darüber debattiert, ob man jemanden als Künstler oder Designer bezeichnen soll, kommt unweigerlich ein Konzept auf: die Absicht: Warum macht diese Person, was sie tut? Nach traditionellen Denkweisen sollen Künstler edlere Gründe haben als Designer, um Dinge zu tun. Die Überzeugung besagt im Grunde: „Designer stellen Produkte her, die einen Zweck haben, aber Kunst hat keinen Zweck, oder wenn sie einen hat, ist es ein hochtrabender Zweck, den nur die Eingeweihten und Sophistizierten verstehen können.“ Orla Kiely ist ein Beispiel dafür, warum diese Annahme falsch ist. Betrachten wir zum Beispiel die Arbeiten von jemand anderem, dessen Name ihrem sehr ähnlich ist: der abstrakten Künstlerin Ellsworth Kelly. Während seiner Karriere ließ sich Kelly von Pflanzenformen inspirieren. Viele seiner denkwürdigsten Werke sind nichts anderes als reduzierte Ableitungen von Blättern und Blütenblättern. Obwohl sie als Designerin und nicht als Künstlerin betrachtet wird, lässt sich auch Kiely von der Natur inspirieren und verweist auf die biomorphen Formen von Blättern, Blütenblättern und Stängeln. Ellsworth Kelly war nicht an Mustern interessiert – er war mehr an individuellen Formen und Gestalten interessiert. Kiely hingegen verwendet häufig Muster als visuelles Werkzeug. Dennoch sind die Werke von Kelly und Kiely in der Lage, die Stimmung und Einstellung der Betrachter zu beeinflussen.

Orla Kiely - Tassenarchiv 2007-2018. © Orla Kiely

Warum werden Kiely und Kelly, obwohl sie für die Schaffung visueller Phänomene bekannt sind, die ähnlich aussehen und die gleiche emotionale Kraft besitzen, als grundlegend unterschiedlich angesehen? Liegt es daran, dass Designer Arbeiten für den Massenmarkt schaffen? Liegt es daran, dass Designs eher als Dekoration oder Ornamentation oder als nützliche Dinge angesehen werden? Kann Kunst nicht auch für den Massenmarkt geschaffen werden? Kann Kunst nicht als Ornamentation oder Dekor funktionieren? Sogar die prominentesten bildenden Künstler stellen Konsumgüter her – sie sind vielleicht nur für wohlhabende Sammler oder Institutionen erschwinglich, nicht für die Massen, aber sie sind dennoch Waren. Was diese Ausstellung zeigt, ist, dass die Absicht hinter einer visuellen Erfahrung nichts mit ihrer Fähigkeit zu tun hat, die menschliche Wahrnehmung zu beeinflussen. Farbe ist Farbe, Form ist Form, Textur ist Textur und Linie ist Linie – unser Gehirn kann ästhetische Elemente unabhängig von den Methoden, aus denen solche Elemente entstanden sind, oder den Gründen, aus denen sie geschaffen wurden, wahrnehmen und darauf reagieren.

Orla Kiely - Herbst/Winter 2017 Kampagne. © Orla Kiely

Unsere sich entwickelnde zeitgenössische Umgebung

Die Kuratoren der Ausstellung Orla Kiely: A Life in Pattern nennen die Ausstellung „ein Muss für alle, die sich für das sich verändernde Erscheinungsbild der Umwelt des 21. Jahrhunderts interessieren.“ In dieser Aussage steckt ein wenig Übertreibung, aber es gibt auch etwas Tiefgründiges daran. Das Erscheinungsbild unserer Welt verändert sich, und zwar auf dramatisch unterschiedliche Weise, je nachdem, wo wir leben, wie unsere wirtschaftliche Situation ist und ob unsere Kultur gerade im Krieg oder im Frieden ist. Von Schönheit und Ordnung umgeben zu sein, wird zunehmend mehr zu einem Privileg als zu einem Recht. Die Rolle von Designern und Künstlern in dieser Transformation entwickelt sich weiter. Kiely ist eine Designerin, deren Arbeiten von Prominenten angenommen wurden, aber ihr Sortiment umfasst auch äußerst erschwingliche Stücke und erstreckt sich über eine Vielzahl alltäglicher Gegenstände. Wenn sie und ihre Kollegen mehr Wege finden können, über soziale und kulturelle Gräben hinweg zu kommunizieren, kann Schönheit und Ordnung allgegenwärtiger werden.

Orla Kiely - Frühling/Sommer 2016 Stoff. © Orla Kiely

Für viele von uns ist das „veränderte Erscheinungsbild der Umwelt des 21. Jahrhunderts“ nicht das, was wir uns wünschen würden. Eine subtile Sache, die in unserer Macht steht zu ändern, ist die Vorstellung, dass Kunst irgendwie nicht Teil des Alltags sein kann. Wenn ein Gemälde ein transformierendes emotionales Erlebnis im Geist eines Betrachters schaffen kann, warum sollte dann das visuelle Erlebnis eines Vorhangs, einer Bettdecke oder einer Kaffeetasse nicht ähnliche Wahrnehmungstüren öffnen können? Durch den einfachen Akt, Ornamentik, Dekoration und Design nicht als getrennt von der Kunst, sondern als integralen Bestandteil der Kunst zu betrachten, können wir Schönheit und Ordnung jedem zugänglich machen, unabhängig von ihrem Hintergrund oder ihrem Grad an Raffinesse. Das mag für die Kunstschulen, Akademiker, Kritiker und Institutionen, die ihren Wert durch künstliche kulturelle Trennungen definieren, nicht positiv sein, aber es wäre eine positive Sache für die menschliche Kultur im Allgemeinen. Diese eine Ausstellung ist nicht zwingend erforderlich, um diese Idee zu verstehen, aber sie ist eine eloquente Ergänzung zur Diskussion. Orla Kiely: A Life in Pattern ist bis zum 23. September 2018 im Fashion and Textile Museum in London zu sehen.

Vorgestelltes Bild: Orla Kiely - Frühling/Sommer 2017, New Yorker Modewoche. © Orla Kiely

Von Phillip Barcio