Erinnerung an die abstrakten Textildesigns von Lucienne Day

Es ist eine seltene Leistung für einen Industriedesigner, den Geist der Zeit so erfolgreich einzufangen, dass seine Designs nicht nur in Konsumgütern, sondern auch in Kunstgalerien und Museen ausgestellt werden. An der Spitze dieser kurzen Liste steht der Name Lucienne Day. Fast drei Jahrzehnte lang in der Mitte des 20. Jahrhunderts dominierte Day den funktionalen Textilmarkt und übersetzte wunderschön modernistische abstrakte visuelle Sprachen in nützliche Produkte für das tägliche Leben. Sie hat nie am Bauhaus studiert, aber ihre Arbeit verkörperte das Ethos der Schule, die lehrte, dass Kunst, Architektur und Design bestreben sollten, auf eine Weise zusammenzuarbeiten, die für das tägliche Leben gewöhnlicher Menschen relevant ist. Day wird als die erste Designerin angesehen, deren Arbeiten mit dem Begriff „Zeitgenössisches Design“ gekennzeichnet wurden. Sie gewann 1954 den Grand Prix auf der Mailänder Triennale, und 1962 ehrte die Royal Academy of the Arts sie mit dem Titel Royal Designer for Industry (RDI). Doch dies war nur eine Phase ihrer angesehenen Karriere. Als sie 1975 aus der Designbranche ausschied, begann Day eine neue Karriere als abstrakte Künstlerin und schuf eine neue Kunstform, die sie „Seidenmosaik“ nannte. Heute werden ihre Designs von einer neuen Generation entdeckt. Ihre klassischen modernistischen Muster werden neu aufgelegt und neu interpretiert für die Verwendung auf zeitgenössischen Möbeln. In der Zwischenzeit tourt die Ausstellung Lucienne Day: Living Design durch das Vereinigte Königreich und feiert das Erbe dieser einzigartigen Künstlerin mit Archivfotografien, die ihr Leben und Werk dokumentieren.

Lucienne Day werden

Désirée Lucienne Lisbeth Dulcie Conradi wurde 1917 in Surrey, England, geboren. Sie sagte, dass sie schon in jungen Jahren ein Bewusstsein dafür hatte, dass sie Kunst studieren wollte, aber dass sie auch wusste, dass sie nicht das Leben einer Malerin führen wollte. Stattdessen wollte sie Dinge schaffen, die von alltäglichen Menschen genossen und genutzt werden konnten. Als sie im Alter von 17 Jahren an der Croydon School of Art eingeschrieben wurde, konzentrierte sie ihr Studium auf Textilkunst. Mit 20 Jahren, als sie an das Royal College of Art wechselte, begann sie, die Werke moderner abstrakter Künstler zu studieren, und begann sich vorzustellen, wie deren Theorien und visuelle Sprachen in Muster und Designs übersetzt werden könnten, die auf massenproduzierten Textilien wie Kleidung, Teppichen, Vorhängen und Handtüchern verwendet werden könnten.

Lucienne Day: Living Design Ausstellung. © 2018 Arts University Bournemouth

Doch Day war zu dieser Zeit nicht in guter Gesellschaft. Die meisten Designer ihrer Generation im Vereinigten Königreich waren auf traditionelle Designansätze fixiert und hatten kein Interesse daran, ihre Arbeiten mit der Welt der bildenden Kunst zu verbinden. Erst in ihrem letzten Jahr an der Universität traf sie einen Seelenverwandten, während sie einen Schulball besuchte. Ein aufstrebender Möbeldesigner namens Robin Day, der zwei Jahre zuvor an der RCA seinen Abschluss gemacht hatte, kam zurück, um mit Freunden den Ball zu besuchen. Dort traf er Lucienne, und die beiden erkannten sofort ihre gemeinsame Bewunderung für den Modernismus und die abstrakte Kunst. Sie heirateten zwei Jahre später und zogen in ein Zuhause, das sie mit Möbeln und Textilien ihrer eigenen Herstellung füllten. Doch ihre beruflichen Ambitionen mussten warten, denn Europa war im Krieg. Engpässe und andere kriegsbedingte Komplikationen machten es unmöglich, ein Geschäft zu gründen. Doch 1949 änderten sich ihre Geschicke. Lucienne erhielt einen Vertrag mit Heal Fabrics, der schließlich zur internationalen Veröffentlichung von mehr als 70 ihrer Designs führte, und Robin sicherte sich eine Partnerschaft, die ihn dazu brachte, preisgekrönte Designs für prestigeträchtige Kunden wie die Royal Festival Hall und die Olympischen Spiele 1968 in Mexiko zu schaffen.

Lucienne Day: Living Design Ausstellung. © 2018 Arts University Bournemouth

Die Ästhetik der Zeit definieren

Das bekannteste und beliebteste Design, das Lucienne Day geschaffen hat, war auch eines ihrer ersten. Mit dem Namen „Calyx“ erinnert das Design an die biomorphen Formen, die in Skulpturen von Alexander Calder verwendet werden, und an die verspielten, gewellten Linien, die in Gemälden von Paul Klee zu finden sind. Die Formen des Designs schweben in einem nahezu abgeflachten Nichts und rufen gleichzeitig traditionelle florale Designs und avantgardistische abstrakte Kunst hervor. „Calyx“ war das Design, das Day die Goldmedaille auf der Mailänder Triennale 1951 einbrachte. Es war beim Publikum so beliebt, dass es alle Erwartungen übertraf. Sein Erfolg festigte Day als führende Stimme der zeitgenössischen Designbewegung und ermöglichte es ihr, ihre Arbeit auf handbedruckte Tapeten, Servietten, Tischwäsche, modische Kleiderstoffe und praktisch jede erdenkliche Art von Heimtextilien auszudehnen. Während sich die Zeiten änderten und die ästhetischen Tendenzen der Kunstwelt verschoben, blieb Day im Trend und schuf malerische Designs, die an Abstrakten Expressionismus erinnern, sowie optisch lebendige geometrische Muster, die an die Arbeiten von Op-Künstlern wie Bridget Riley denken lassen.

Lucienne Day: Living Design Ausstellung. © 2018 Arts University Bournemouth

Nach ihrer Pensionierung vom Industriedesign verwandelte Day ihr kreatives Leben vollständig. Sie gab die Idee der Massenproduktion auf und begann stattdessen, handgestickte Seidenwandbehänge – ihre „Seidenmosaiken“ – zu schaffen. Manchmal figürlich und manchmal rein abstrakt, vermitteln diese Werke eine persönliche visuelle Sprache, die markanter ist als alles, was Day zuvor entworfen hatte. In ihrer Arbeit im Industriedesign war sie stets darauf bedacht, sich an den visuellen Sprachen zu orientieren, die bereits beim Publikum beliebt waren, und brachte die Kunst der Zeit in den alltäglichen Kontakt mit den Menschen in ihrem täglichen Leben. Mit ihren „Seidenmosaiken“ jedoch befreite sie sich, um etwas Persönlicheres auszudrücken. Diese Werke offenbaren ein tiefes und reifes Wissen darüber, wie man Formen, Farben, Muster und Strukturen zu kraftvollen abstrakten Kompositionen verbindet. Day entwarf sie mit architektonischen Rahmenbedingungen im Hinterkopf und zeigte damit, dass sie auch ein geschultes Auge dafür entwickelt hatte, wie visuelle Kunst mit gebauten Räumen zusammenarbeitet, um solche Umgebungen für die menschliche Nutzung zu aktivieren. Lucienne Day verstarb 2010, aber ihr Erbe, das die Idee verkörperte, den Modernismus mit dem Alltag zu verbinden, lebt weiter. Lucienne Day: Living Design ist vom 19. Juli bis 15. September in der Coach House Gallery des Dublin Castle, Irland, zu sehen.

Vorgestelltes Bild: Lucienne Day: Living Design Ausstellung. © 2018 Arts University Bournemouth

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio