"Die Leinwand entblößen - Abschied von Ron Gorchov"

Während eines Interviews im Jahr 2017 mit dem Schweizer Kurator Hans Ulrich Obrist gab der amerikanische Maler Ron Gorchov (1930 - 2020) jungen Künstlern folgenden Rat: „Seid verzweifelt und geduldig.“ Die scheinbar widersprüchliche Aussage fasst die Haltung perfekt zusammen, mit der Gorchov, der Anfang dieses Monats verstarb, seine Arbeit anging. Geboren 1930 in Chicago, zog seine Familie während der Großen Depression mehr als ein Dutzend Mal von Stadt zu Stadt, da sein unternehmerisch denkender Vater Arbeit suchte. Die Umstände mögen sie verzweifelt nach Geld gemacht haben, doch sein Vater lehrte Gorchov, Geld als etwas vom Zweck Getrenntes zu sehen. Seine Familie war pleite, sagt Gorchov, aber niemals arm. Gorchov arbeitete als Rettungsschwimmer, als er in den 1950er Jahren nach New York zog, und unterrichtete später Kunst: Tätigkeiten, die ihm die Zeit gaben, seine Kunst mit der nötigen Geduld anzugehen. Sein leitendes Prinzip war, dass Künstler immer für das nächste Jahrhundert arbeiten sollten, nicht für das Jahrhundert, in dem sie leben. Seine Idee, die Malerei ins 21. Jahrhundert zu führen, war, sie in genau den richtigen Maßen mit Bildhauerei und Baukunst zu verbinden. „Für mich“, sagte Gorchov, „ist das Wesen der Bildhauerei Masse. In der Baukunst spürt man Volumen. Und die Malerei betont die Oberfläche.“ Die „sattelförmigen“ Gemälde, für die er berühmt wurde, waren seine Lösung für dieses Problem. Bereits 1949 hatte Gorchov die Vorstellung, dass die Malerei-Welt zu sehr an der Idee des Rechtecks festhalte, eine Bindung, die durch Piet Mondrian beschleunigt wurde, von dem Gorchov annahm, dass er die Form erschöpft habe. Gorchov erwog verschiedene Möglichkeiten, die Flachheit einer typischen rechteckigen Leinwand zu verändern, etwa einen Tennisball dahinter zu platzieren, um eine Wölbung zu erzeugen. Es dauerte 19 Jahre, bis er die „Sattelspannrahmen“ entwickelte, mit denen er seine heute ikonischen konvexen, gebogenen Maloberflächen schuf. Sein erstes sattelförmiges Gemälde, das er 1968 anfertigte, trägt den Titel „Mine“ – ein Wortspiel, das darauf verweist, dass er das Werk als einzigartig sein Eigen sah und zugleich als potenzielle Goldgrube voller unentdeckter kreativer Möglichkeiten.

Abstrakt oder Gegenständlich

Die meisten Betrachter halten Gorchovs Werk für abstrakt. Sein Händler John Cheim, Hauptverantwortlicher und Ausstellungsleiter der Galerie Cheim & Read – die einen ausgezeichneten Ruf für die Zusammenarbeit mit Größen der Abstraktion wie Joan Mitchell, Milton Resnick und Louis Fishman hat – behauptet jedoch, dass Gorchov nicht als völlig abstrakt angesehen werden sollte. „Die Formen stehen in enger Beziehung zu den Werken von Giorgio Morandi. Gorchov ist nicht rein abstrakt, genauso wenig wie Morandi rein gegenständlich ist“, sagt Cheim. Galerieleiter Stephen Truax ergänzt: „Ron nutzte Dinge, die er im wirklichen Leben sah und erlebte, als Inspiration für die Formen, die er in seinen Abstraktionen verwendete.“

Ron Gorchov – BROTHER II, 2017, Öl auf Leinen, 85 x 75 x 13 Zoll, 215,9 x 190,5 x 33 Zentimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle Kunstwerke mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und von Cheim & Read, New York.

Ein Hinweis auf den emotionalen Gehalt seiner Gemälde findet sich in den Titeln, die Gorchov ihnen gab, die häufig auf klassische Mythen oder Geschichten aus theologischen Texten wie der Bibel verweisen. Gorchov begann jedoch nicht damit, eine bestimmte Figur oder Szene aus einem Mythos zu malen. Vielmehr malte er intuitiv, unterbewusst, oft malte er die rechte Seite der Leinwand mit der rechten Hand und die linke Seite mit der linken Hand. Über den Inhalt dachte er erst im Nachhinein nach. „Wenn ich ein Gemälde mache und es betrachte“, erklärte Gorchov einmal, „muss ich mich fragen, wie ich mich dabei gefühlt habe. Weil ich in den Schaffensprozess eingebunden war, weiß ich nicht, wie ich mich fühlte. Also studiere ich das Gemälde, um es herauszufinden … und versuche, eine Geschichte zu finden, die sich so anfühlt, wie ich mich fühlte.“ Dieses Geben und Nehmen zwischen dem, was man im Leben sieht, dem unterbewussten Akt des Malens und der späteren Analyse der Gefühle erscheint mir sowohl abstrakt als auch gegenständlich zu sein. Es erinnert mich daran, wie Jean Arp über die wahre Bedeutung des Dadaismus sprach: als die Unvorhersehbarkeit, Sinnlosigkeit und perfekte Logik der Natur, ausgedrückt durch Kunst.

Ron Gorchov – Prometheus, 2016. Öl auf Leinen. 49 x 65 x 10 1/2 Zoll / 124,5 x 165,1 x 26,7 Zentimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle Kunstwerke mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und von Cheim & Read, New York.

Der revolutionäre Reformator

Für mich hat das Werk, das Gorchov schuf, etwas zutiefst Amerikanisches. Amerika ist sowohl eine greifbare Sache als auch ein abstraktes Konzept, das ständig zwischen Revolution und Reform hin- und hergerissen ist. Als er seine Sattelspannrahmen entwickelte, war Gorchov ein revolutionärer Künstler, der fest entschlossen war, das jahrhundertealte Grundprinzip der Malerei zu untergraben: dass sie auf rechteckigen, flachen Flächen ausgeführt werden sollte. Selbst als er seine erste gebogene Leinwand entwickelte, wurde die Vorstellung von Flachheit erneut von führenden Kunstkritikern wie Clement Greenberg als Ziel der Post Painterly Abstraction gefeiert, dem neuesten Trend in der Malerei laut Greenberg. Doch nachdem er mutig die strukturellen Systeme von Rechtecken und Flachheit untergraben hatte, verpflichtete sich Gorchov vollständig seinem neuen System und wiederholte es für den Rest seiner Laufbahn, ersetzte die alte Norm durch die neue Norm. Was könnte amerikanischer sein, als revolutionäre Impulse der Neigung zu endlosen Reformen zu überlassen und innerhalb neu etablierter Systeme unendlich faszinierende Variationen zu schaffen?

PORTRÄT MIT OSTZARGE Ron Gorchov in seinem Atelier in Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov OSTZARGE 1971 Öl auf Leinen 77 x 77 x 12 1/2 Zoll 195,6 x 195,6 x 31,8 Zentimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Wirklich, wenn man ein Gemälde von Gorchov gesehen hat, sind alle weiteren Gemälde von Gorchov sofort als seine erkennbar. Aber das ist keine Beleidigung. Es ist dieselbe Kritik, die man der Natur geben könnte, die ebenfalls innerhalb ihrer eigenen besonderen Systeme arbeitet, um unendliche und schöne Variationen zu schaffen. Tatsächlich, im Zusammenhang mit seiner Beziehung zu den Wegen der Natur, fühle ich, dass Gorchov am besten in die Linie von Hans Arp gehört – einem weiteren biomorphen Künstler, der teils Dadaist, teils Surrealist und teils Abstrakter war, der seine Kunst jedoch stets als gegenständlich bezeichnete. Gorchov schuf ein Werk, das sowohl geistreich als auch launisch ist – völlig eigenwillig und doch sofort erkennbar – und so, wie Arp, glaube ich, gehört Gorchov in seine eigene besondere Kategorie.
Ich bin beeindruckt, wie Gorchov es schaffte, sein ursprüngliches Leitprinzip zu verwirklichen und uns durch sein Beispiel daran erinnert, wie wichtig sowohl Denken als auch Fühlen für Künstler sind, die nicht nur in ihrem Jahrhundert, sondern auch im nächsten relevant sein wollen.

Titelbild: PORTRÄT VON AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Mit Genehmigung wiedergegeben.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio