"Die Leinwand entblößen - Abschied von Ron Gorchov"

Während eines Interviews im Jahr 2017 mit dem Schweizer Kurator Hans Ulrich Obrist gab der amerikanische Maler Ron Gorchov (1930 - 2020) den folgenden Rat an junge Künstler: „Seid verzweifelt und geduldig.“ Die scheinbar widersprüchliche Aussage fasst die Haltung perfekt zusammen, mit der Gorchov, der Anfang dieses Monats starb, seine Praxis angegangen ist. 1930 in Chicago geboren, zog seine Familie während der Großen Depression mehr als ein Dutzend Mal von Stadt zu Stadt, während sein unternehmerisch denkender Vater Arbeit suchte. Die Umstände mochten sie verzweifelt nach Geld machen, aber sein Vater lehrte Gorchov, Geld als getrennt von Zweck zu sehen. Seine Familie war pleite, sagt Gorchov, aber niemals arm. Gorchov arbeitete als Rettungsschwimmer, als er in den 1950er Jahren nach New York zog, und unterrichtete später Kunst: Jobs, die ihm die Zeit gaben, die er brauchte, um sich seiner Kunst mit der Geduld zu nähern, die sie verdiente. Sein leitendes Prinzip war, dass Künstler immer Werke für das nächste Jahrhundert schaffen sollten, nicht für das Jahrhundert, in dem sie leben. Seine Idee, die Malerei ins 21. Jahrhundert voranzubringen, bestand darin, sie in genau den richtigen Mengen mit Skulptur und Architektur zu kombinieren. „Für mich“, sagte Gorchov, „ist das Wesen der Skulptur Masse. In der Architektur spürt man Volumen. Und die Malerei betont die Oberfläche.“ Die „sattelförmigen“ Gemälde, für die er bekannt wurde, waren seine Lösung für das Problem. Bereits 1949 hatte Gorchov die Vorstellung, dass die Malerei-Welt zu sehr an der Idee des Rechtecks festhielt, eine Bindung, die durch Piet Mondrian beschleunigt wurde, von dem Gorchov annahm, dass er die Form erschöpft hatte. Gorchov erwog verschiedene Optionen, um die Flachheit einer typischen rechteckigen Leinwand zu verändern, wie zum Beispiel einen Tennisball dahinter zu platzieren, um eine Wölbung zu erzeugen. Es dauerte 19 Jahre, um die „Satteldecken“ zu entwickeln, die er verwendete, um seine jetzt ikonischen konvexen, gewölbten Maloberflächen zu schaffen. Sein erstes sattelförmiges Gemälde, das er 1968 schuf, trägt den Titel „Mine“ – ein Wortspiel, das darauf anspielt, dass er das Werk als einzigartig sein sah und es auch als potenzielle Goldmine voller unentdeckter kreativer Möglichkeiten betrachtete.

Abstrakt oder Konkret

Die meisten Betrachter betrachten die Arbeit von Gorchov als abstrakt. Sein Händler John Cheim, Principal und Direktor der Ausstellung in der Cheim & Read Galerie – die einen ausgezeichneten Ruf für die Zusammenarbeit mit Größen der Abstraktion wie Joan Mitchell, Milton Resnick und Louis Fishman" – behauptet, dass Gorchov nicht als völlig abstrakt angesehen werden sollte. "Die Formen haben eine starke Beziehung zur Arbeit von Giorgio Morandi. Gorchov ist nicht rein abstrakt, ebenso wenig wie Morandi rein figurativ ist", sagt Cheim. Der Galeriedirektor Stephen Truax fügt hinzu: "Ron verwendete Dinge, die er in der realen Welt sah und erlebte, als Inspiration für die Formen, die er in seinen Abstraktionen verwendete."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Öl auf Leinen, 85 x 75 x 13 Zoll, 215,9 x 190,5 x 33 Zentimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alle Kunstwerkbilder mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Cheim & Read, New York.

Ein Hinweis auf den emotionalen Gehalt in seinen Gemälden findet sich in den Titeln, die Gorchov ihnen gab, die häufig auf klassische Mythen oder Geschichten aus theologischen Texten wie der Bibel verweisen. Gorchov begann jedoch nicht damit, eine bestimmte Figur oder Szene aus einem Mythos zu malen. Vielmehr malte er auf intuitive, unterbewusste Weise, indem er oft die rechte Seite der Leinwand mit seiner rechten Hand und die linke Seite mit seiner linken Hand malte. Über den Inhalt dachte er nachträglich nach. „Wenn ich ein Gemälde mache und es mir anschaue“, erklärte Gorchov einmal, „muss ich mich fragen, wie habe ich mich gefühlt, als ich das gemacht habe? Weil ich mit der Herstellung beschäftigt war, weiß ich nicht, wie ich mich gefühlt habe. Also studiere ich das Gemälde, um es herauszufinden... und ich versuche, eine Geschichte zu finden, die sich so anfühlt, wie ich mich gefühlt habe.“ Dieses Geben und Nehmen zwischen den Dingen, die im Leben gesehen werden, dem unterbewussten Akt des Malens und der späteren Analyse der Gefühle scheint mir sowohl abstrakt als auch konkret zu sein. Es erinnert mich daran, wie Jean Arp über die wahre Bedeutung von Dada sprach: als die Unvorhersehbarkeit, Sinnlosigkeit und perfekte Logik der Natur, die durch Kunst ausgedrückt wird.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Öl auf Leinen. 49 x 65 x 10 1/2 Zoll / 124,5 x 165,1 x 26,7 Zentimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle Kunstwerkbilder mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Cheim & Read, New York.

Der revolutionäre Reformer

Für mich gibt es etwas zutiefst Amerikanisches an dem Werk, das Gorchov geschaffen hat. Amerika ist sowohl eine konkrete Sache als auch ein abstraktes Konzept, das ständig zwischen Revolution und Reform hin- und hergerissen ist. Als er seine Sattelstrecker entwickelte, war Gorchov ein revolutionärer Künstler, der entschlossen war, das jahrhundertealte zentrale Konzept der Malerei zu untergraben: dass sie auf rechteckigen, flachen Oberflächen erfolgen sollte. Tatsächlich wurde, während er seine erste gebogene Leinwand entwickelte, das Konzept der Flachheit erneut von führenden Kunstkritikern wie Clement Greenberg als das Ziel der Post Painterly Abstraction gefeiert, dem neuesten Trend in der Malerei laut Greenberg. Doch nachdem er mutig die strukturellen Systeme von Rechtecken und Flachheit untergraben hatte, verpflichtete sich Gorchov vollständig seinem neuen System und wiederholte es für den Rest seiner Karriere, indem er das alte Normal durch das neue Normal ersetzte. Was könnte amerikanischer sein, als revolutionäre Impulse der Zwanghaftigkeit endloser Reformen zu überlassen, innerhalb neu etablierter Systeme zu arbeiten, um endlos faszinierende Variationen zu schaffen?

PORTRAIT MIT EAST JAMB Ron Gorchov in seinem Studio in Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Öl auf Leinen 77 x 77 x 12 1/2 Zoll 195,6 x 195,6 x 31,8 Zentimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Wahrlich, sobald man ein Gorchov-Gemälde sieht, sind alle zukünftigen Gorchov-Gemälde, die man begegnet, sofort als seine erkennbar. Aber das ist keine Beleidigung. Es ist die gleiche Kritik, die man der Natur entgegenbringen könnte, die ebenfalls innerhalb ihrer eigenen speziellen Systeme arbeitet, um unendliche und schöne Variationen zu schaffen. Tatsächlich fühle ich im Kontext seiner Beziehung zu den Wegen der Natur, dass Gorchov am besten in die Linie von Hans Arp gehört – einem weiteren biomorphen Künstler, der teilweise Dadaist, teilweise Surrealist und teilweise Abstraktionist war, aber der seine Kunst immer als konkret bezeichnete. Gorchov schuf ein Werk, das sowohl intellektuell als auch verspielt ist – völlig idiosynkratisch und doch sofort erkennbar – und so glaube ich, dass Gorchov, ähnlich wie Arp, in seine eigene spezielle Kategorie gehört.
Ich bin beeindruckt, wie Gorchov es geschafft hat, sein ursprüngliches Leitprinzip zu verwirklichen, und uns durch sein Beispiel daran erinnert, wie wichtig sowohl Denken als auch Fühlen für Künstler sind, die nicht nur in ihrem Jahrhundert, sondern auch im nächsten relevant sein wollen.

Vorgestelltes Bild: PORTRÄT VON AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Mit Genehmigung reproduziert.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio