Die wichtigsten abstrakten Künstler des 21. Jahrhunderts – bis jetzt

Wenn Sie mir ähnlich sind, könnte Sie der Titel dieses Artikels, obwohl ich das Stück geschrieben habe, ein wenig stören. Wie kann ich, nach nur zwei Jahrzehnten, wissen, wer die wichtigsten Künstler des 21. Jahrhunderts sein wird? Im Jahr 1920 waren viele der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts noch nicht einmal geboren. Und wie auch immer, was sind die Kriterien, um festzustellen, ob ein Künstler wichtig ist? Auch wenn ich diesen Punkten zustimme, finde ich es dennoch nützlich, hin und wieder zu bilanzieren, welche Künstler ich für wichtig halte und warum, und der Beginn eines neuen Jahrzehnts scheint eine perfekt gute Ausrede zu sein. Was einen wichtigen Künstler definiert, habe ich in meinen 11 Jahren als Kunstjournalist (ein Tropfen im Ozean im Vergleich zu vielen meiner Kollegen) Dutzende von Antworten auf diese Frage gehört. Die meisten Menschen stützen sich auf drei Kriterien: Ruhm, Auktionspreise und die Aufnahme in prestigeträchtige Ausstellungen und Sammlungen. Doch während das vielleicht das Trifecta der Bekanntheit ist, das einem Künstler eine Wikipedia-Seite garantieren kann, hat es meiner Meinung nach wenig damit zu tun, einen Künstler wichtig zu machen. Für mich ist das einzige zufriedenstellende Maß für die Bedeutung eines Künstlers der Einfluss, den er auf andere Menschen hat. Wichtige Künstler inspirieren Menschen, weiterhin an den Wert der Kunst zu glauben, und sie überzeugen andere Menschen, ihre eigene Kunst zu schaffen oder weiterhin ihre eigene Kunst zu machen. Was die Auswahl dieser Liste betrifft, so ist es unvermeidlich, dass sie unvollständig, ungenau und umstritten ist; alle Listen sind das. Dennoch haben sich jeder dieser zehn Künstler ihre Aufnahme hier verdient, aufgrund des Einflusses, den sie bereits auf andere Künstler und auf Menschen außerhalb des Kunstfeldes hatten. Sie sind Bestäuber, die die notwendigen Zutaten von Inspiration, Experimentation und Aktion verbreiten, damit wir die Abstraktion in die Zukunft gedeihen lassen können.

Leere Abts

Fast zwei Jahrzehnte lang hat die deutsche Malerin Tomma Abts (geb. 1967) immer wieder dasselbe Format gemalt – 48 x 38 cm. Sie arbeitet intuitiv, um abstrakte, geometrische Kompositionen zu schaffen, die ihrer eigenen Logik folgen, und malt häufig mehrere Schichten über Kompositionen, bis sie zufrieden ist, während sie die Impasto-Rippen der vorherigen Schichten durchscheinen lässt. Ungebunden an einen visuellen Stil, der nur ihrer Methode gewidmet ist, arbeitet Abts bekanntlich langsam. Trotz ihrer geringen Produktivität und der Ignorierung der Forderung, ihren visuellen Stil zu definieren, wurde Abts die erste weibliche Malerin, die den Turner Prize gewann – lebender Beweis für den Wert, seinen eigenen Weg zu finden.

Tomma Abts - Feke, 2013. Acryl und Öl auf Leinwand. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Mit freundlicher Genehmigung der Privatsammlung, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (geb. 1961) kombiniert die Methoden der Malerei, Collage und Décollage, um abstrahierte Bilder zu schaffen, die seine Beziehung zwischen den physischen und kulturellen Realitäten der Gegenwart und der Vergangenheit kartieren. Seine Materialien und Prozesse haben eine Generation von Künstlern inspiriert, taktile Werke zu schaffen, die den Austausch zwischen Wachstum und Verfall ansprechen. Über seine künstlerische Karriere hinaus ist Bradford ein einflussreicher Gemeinschaftsorganisator, der mit der Philanthropin Eileen Harris Norton und dem Aktivisten Allan Dicastro zusammenarbeitet, um Art + Practice zu schaffen, einen Ort, an dem gefährdete Nachbarn, wie Kinder, die aus der Pflegefamilie entlassen werden, an den Künsten teilnehmen können.

Mark Bradford - Monster, 2009. Gedruckte Materialien, Acryl, Kohlenpapier, Schnur, Papier und Mischtechnik auf Leinwand. 102 x 144 Zoll (259,08 x 365,76 cm). Sammlung SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Die deutsche abstrakte Malerin Charline von Heyl (geb. 1960) lehnt den Zynismus des Postmodernismus zugunsten des Glaubens ab, dass aus seinem Trümmerfeld etwas Neues entstehen kann. Von Heyl nimmt die gesamte visuelle Geschichte als ihr Ausgangsmaterial und kombiniert unzählige Referenzen auf individualistische Weise, die andeuten, dass wir die Erben eines viel reicheren und vielfältigeren ästhetischen Erbes sind, als es unsere Kunstgeschichtslehrer zugeben.

Charline von Heyl - Untitled, 2007. Eines aus einer Serie von zehn Monotypien mit Lithografie, Holzschnitt,
Siebdruck und Digitaldruck mit Tinte, Acryl und Collage-Zusätzen. Fonds für das einundzwanzigste Jahrhundert. MoMA Sammlung. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Der multidisziplinäre südafrikanische Künstler Nicholas Hlobo (geb. 1975) repräsentiert die Avantgarde einer hoffnungsvollen Zeit, in der Daten und Analysen weniger wichtig werden als Gefühl und Kreativität. Sein Werk ist von seiner Identität geprägt, doch er überschreitet furchtlos die Fakten seiner kulturellen Einflüsse – Fakten, die ihn sonst dazu zwingen könnten, nur über das zu arbeiten, was ist – um semi-magische abstrakte Werke zu beschwören, die nach einem Gefühl dessen greifen, was sein könnte.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Kupfer. 51,18 x 112,99 x 72,83 Zoll (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Der schottische Künstler Jim Lambie (geb. 1964) überbrückt das zentrale Konzept der Pop Art – dass die Menschen "es verstehen" – mit den weniger greifbaren Aspekten der Abstraktion. Die massiven Bodeninstallationen, für die Lambie am bekanntesten ist, finden einen gemeinsamen Nenner zwischen diesen Positionen, indem sie den Formalismus von den Wänden nehmen und den greifbaren Raum mit Farbe, Linie, Oberfläche und Glanz füllen. Seine Installationen provozieren drucklose, alltägliche Interaktionen mit den Zuschauern, die sich nun buchstäblich in das Werk hineinsehen können.

Jim Lambie - Soundsystem, 2015. Buntmetallisches Vinyl. Roslyn Oxley9 Galerie. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Eine Begegnung mit einem Gemälde der in Äthiopien geborenen, amerikanischen Malerin Julie Mehretu (geb. 1970) ist eine Einladung in eine völlig neuartige visuelle Zivilisation. Jede ihrer abstrakten Kompositionen entsteht wie ein komplexes, lebendes Organismus, der sich ausbreitet, vermehrt und zunehmend komplizierte Strukturen und Abhängigkeiten entwickelt. Mehretu drückt perfekt die vielfältigen Ängste und Chancen des vernetzten Zeitalters aus, zu dem wir gehören.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Tinte und Acryl auf Leinwand. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 Zoll (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Geschenk von Jeanne Greenberg Rohatyn und Nicolas Rohatyn sowie dem A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Der Donald

Odita, der in Nigeria geborene amerikanische abstrakte Maler Odili Donald Odita (geb. 1966), ist Teil einer Welle internationaler Künstler, die globale Aufmerksamkeit auf die Verbindungen zwischen den Erbschaften der indigenen Kunst und dem westlichen Modernismus lenken. Odita verbindet die Muster, Farben und Formen seines Heimatlandes Nigeria mit den ästhetischen Strategien der modernistischen Abstraktion und setzt oft seine großflächigen Werke an öffentlichen Orten ein, wo sie zur Materialisierung von Energie und Universalität im architektonischen Maßstab werden.

Odili Donald Oditaa - Desert Sun, 2014. Acryl auf Leinwand. 72 x 90 Zoll. Jack Shainman Gallery, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Die irische abstrakte Bildhauerin Eva Rothschild (geb. 1971) erklärt kühn, dass Aktivismus in der Entscheidung, abstrakte Kunst zu schaffen, verankert ist. In einer Ära, in der narrative Inhalte scheinbar König sind, zeigt Rothschild, wie die zeitlosen visuellen Sprachen, die im Suprematismus, Konstruktivismus und Minimalismus evident sind, mutige, neue abstrakte Formen schaffen können, die von Freiheit, Unabhängigkeit, Vielfalt und Frieden sprechen.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium und Farbe. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, Courtesy Stuart Shave/Modern Art, London und Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Der deutsche Künstler Thomas Scheibitz (geb. 1968) beantwortet die Frage, wie Laune und Spiel im Bereich der abstrakten Kunst ernst genommen werden können, selbst in einer von Angst geprägten Ära. Indem er die Erbsprache von Bewegungen wie Rayonismus, Futurismus und Kubismus mit Echos architektonischer Darstellungen und Designs der Mitte des Jahrhunderts kombiniert, schafft Scheibitz unheimlich vertraute Werke, die zu stammen scheinen aus einem parallelen ästhetischen Universum.

Pae Weiß

Die amerikanische Künstlerin Pae White (geb. 1963) verwendet Abstraktion, um uns erkennbare Bilder unserer Zeit zu zeigen. Ihre fantastischen Werke kombinieren Darstellungen der Kräfte der Natur mit Bruchstücken, die aus unserer hyper-digitalisierten, hyper-materialisierten Gegenwart verworfen wurden, und zeigen uns manchmal erschreckende Szenen aus der Ehe von Struktur und Verwirrung.

Vorschaubild: Charline von Heyl - Die Sprache der Unterwelt, 2017. Acryl und Kohle auf Leinen. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio