Die wichtigsten abstrakten Künstler des 21. Jahrhunderts – bis jetzt

Wenn Sie so sind wie ich, obwohl ich den Text geschrieben habe, könnte Sie der Titel dieses Artikels ein wenig stören. Wie kann ich nach nur zwei Jahrzehnten schon wissen, wer die wichtigsten Künstler des 21. Jahrhunderts sein werden? Im Jahr 1920 waren viele der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts noch nicht einmal geboren. Und überhaupt, welches Kriterium legt fest, ob ein Künstler wichtig ist? Obwohl ich diesen Punkten zustimme, finde ich es dennoch nützlich, hin und wieder Bilanz zu ziehen, welche Künstler ich für wichtig halte und warum, und der Beginn eines neuen Jahrzehnts scheint mir ein guter Anlass dafür zu sein. Was die Definition eines wichtigen Künstlers angeht, so habe ich in meinen 11 Jahren als Kunstjournalist (ein Tropfen auf den heißen Stein im Vergleich zu vielen meiner Kollegen) Dutzende Antworten auf diese Frage gehört. Die meisten Menschen greifen auf drei Maßstäbe zurück: Ruhm, Auktionspreise und Aufnahme in angesehene Ausstellungen und Sammlungen. Doch während dies vielleicht das Dreigestirn des Bekanntheitsgrades ist, das einem Künstler eine Wikipedia-Seite sichern kann, hat es meiner Meinung nach wenig damit zu tun, einen Künstler wichtig zu machen. Für mich ist das einzige zufriedenstellende Maß für die Bedeutung eines Künstlers der Einfluss, den er auf andere Menschen hat. Wichtige Künstler inspirieren Menschen dazu, weiterhin an den Wert der Kunst zu glauben, und sie überzeugen andere, selbst Kunst zu schaffen oder weiter Kunst zu machen. Was die Aufnahme in diese Liste betrifft, so ist es unvermeidlich, dass sie unvollständig, ungenau und umstritten ist; alle Listen sind das. Dennoch hat jeder dieser zehn Künstler seine Aufnahme hier aufgrund des Einflusses verdient, den er bereits sowohl auf andere Künstler als auch auf Menschen außerhalb des Kunstbereichs ausgeübt hat. Sie sind Bestäuber, die die notwendigen Zutaten von Inspiration, Experimentierfreude und Tatkraft verbreiten, damit die Abstraktion auch in Zukunft gedeihen kann.

Tomma Abts

Fast zwei Jahrzehnte lang malt die deutsche Malerin Tomma Abts (Jg. 1967) immer wieder dasselbe Format – 48 x 38 cm. Sie arbeitet intuitiv, um abstrakte, geometrische Kompositionen zu schaffen, die ihrer eigenen Logik folgen, wobei sie häufig mehrere Schichten über die Kompositionen malt, bis sie zufrieden ist, und dabei die Impasto-Rillen vergangener Schichten durchscheinen lässt. Ungebunden an einen bestimmten Bildstil, einzig ihrer Methode verpflichtet, ist Abts für ihre langsame Arbeitsweise bekannt. Trotz ihrer geringen Produktivität und trotz der Weigerung, ihren Bildstil zu definieren, wurde Abts die erste Malerin, die den Turner-Preis gewann – ein lebender Beweis für den Wert, seinen eigenen Weg zu finden.

Tomma Abts - Feke, 2013. Acryl und Öl auf Leinwand. 48 x 38 cm, 18 7/8'' x 15''. Privatsammlung, New York. Serpentine Galleries.

Mark Bradford

Mark Bradford (Jg. 1961) verbindet Malerei, Collage und Décollage, um abstrahierte Bilder zu schaffen, die seine Beziehung zwischen den physischen und kulturellen Realitäten der Gegenwart und der Vergangenheit abbilden. Seine Materialien und Verfahren haben eine Künstlergeneration inspiriert, taktile Werke zu schaffen, die den Austausch zwischen Wachstum und Verfall thematisieren. Über seine künstlerische Laufbahn hinaus ist Bradford ein einflussreicher Gemeinschaftsorganisator, der mit der Philanthropin Eileen Harris Norton und dem Aktivisten Allan Dicastro zusammenarbeitet, um Art + Practice zu schaffen, einen Ort, an dem gefährdete Nachbarn, wie Kinder, die aus der Pflegefamilie entlassen werden, an der Kunst teilhaben können.

Mark Bradford - Monster, 2009. Gedruckte Materialien, Acryl, Kohlepapier, Schnur, Papier und Mischtechnik auf Leinwand. 102 x 144 Zoll (259,08 x 365,76 cm). Sammlung SFMOMA. © Mark Bradford

Charline von Heyl

Die deutsche abstrakte Malerin Charline von Heyl (Jg. 1960) lehnt den Zynismus des Postmodernismus zugunsten des Glaubens ab, dass aus dessen Trümmern etwas Neues entstehen kann. Von Heyl nimmt die gesamte Bildgeschichte als ihr Ausgangsmaterial und kombiniert unzählige Bezüge auf individuelle Weise, die nahelegen, dass wir Erben eines weitaus reicheren und vielfältigeren ästhetischen Erbes sind, als es unsere Kunstgeschichtslehrer vermuten ließen.

Charline von Heyl - Ohne Titel, 2007. Eines von zehn Monotypien mit Lithografie, Holzschnitt,
Siebdruck und Digitaldruck, mit Tinten-, Acryl- und Collage-Zusätzen. Fund for the Twenty-First Century. MoMA Sammlung. © Charline von Heyl

Nicholas Hlobo

Der multidisziplinäre südafrikanische Künstler Nicholas Hlobo (Jg. 1975) steht an der Spitze einer hoffnungsvollen Zeit, in der Daten und Analyse weniger wichtig sein werden als Gefühl und Kreativität. Seine Arbeit ist von seiner Identität geprägt, doch er geht furchtlos über die Fakten seiner kulturellen Einflüsse hinaus – Fakten, die ihn sonst dazu zwingen könnten, nur über das zu arbeiten, was ist – und erschafft halb-magische abstrakte Werke, die nach einem Gefühl dessen greifen, was sein könnte.

Nicholas Hlobo - Amasuntswana, 2018. Kupfer. 51,18 x 112,99 x 72,83 Zoll (130 x 287 x 185 cm). Lehmann Maupin. © Nicholas Hlobo

Jim Lambie

Der schottische Künstler Jim Lambie (Jg. 1964) verbindet das zentrale Konzept der Pop Art – dass die Menschen „es verstehen“ – mit den schwer fassbaren Aspekten der Abstraktion. Die riesigen Bodeninstallationen, für die Lambie am bekanntesten ist, finden einen gemeinsamen Nenner zwischen diesen Positionen, indem sie den Formalismus von den Wänden nehmen und greifbaren Raum mit Farbe, Linie, Oberfläche und Glanz füllen. Seine Installationen regen zu zwanglosen, alltäglichen Begegnungen mit den Betrachtern an, die sich nun buchstäblich selbst im Werk sehen können.

Jim Lambie - Sound System, 2015. Farbiger Metallvinyl. Roslyn Oxley9 Galerie. © Jim Lambie

Julie Mehretu

Ein Gemälde der in Äthiopien geborenen amerikanischen Malerin Julie Mehretu (Jg. 1970) zu begegnen, heißt, in eine völlig neue visuelle Zivilisation eingeladen zu werden. Jede ihrer abstrakten Kompositionen entsteht wie ein komplexer, lebender Organismus, der sich ausbreitet, vermehrt und zunehmend komplizierte Strukturen und Abhängigkeiten entwickelt. Mehretu bringt die vielfältigen Ängste und Chancen des vernetzten Zeitalters, dem wir angehören, perfekt zum Ausdruck.

Julie Mehretu - Stadia II, 2004. Tinte und Acryl auf Leinwand. 107 2/5 × 140 1/10 × 2 1/5 Zoll (272,73 × 355,92 × 5,71 cm). Performa, New York. Geschenk von Jeanne Greenberg Rohatyn und Nicolas Rohatyn sowie A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund. © Julie Mehretu

Odili Donald

Der in Nigeria geborene amerikanische abstrakte Maler Odili Donald Odita (Jg. 1966) gehört zu einer Welle internationaler Künstler, die die weltweite Aufmerksamkeit auf die Verbindungen zwischen den Erbschaften indigener Kunst und des westlichen Modernismus lenken. Odita verbindet die Muster, Farben und Formen seines Heimatlandes Nigeria mit den ästhetischen Strategien der modernistischen Abstraktion und zeigt seine großformatigen Werke oft an öffentlichen Orten, wo sie zur Verkörperung von Energie und Universalität im architektonischen Maßstab werden.

Odili Donald Odita - Desert Sun, 2014. Acryl auf Leinwand. 72 x 90 Zoll. Jack Shainman Galerie, New York. © Odili Donald Odita

Eva Rothschild

Die irische abstrakte Bildhauerin Eva Rothschild (Jg. 1971) erklärt mutig, dass Aktivismus in der Entscheidung, abstrakte Kunst zu schaffen, verankert ist. In einer Zeit, in der erzählerische Inhalte scheinbar König sind, zeigt Rothschild, wie die zeitlosen Bildsprachen des Suprematismus, Konstruktivismus und Minimalismus kühne, neue abstrakte Formen schaffen können, die für Freiheit, Unabhängigkeit, Vielfalt und Frieden sprechen.

Eva Rothschild - xxx, 2013. Aluminium und Farbe. 280 x 560,5 x 279,5 cm. Foto: © Eva Rothschild, mit freundlicher Genehmigung von Stuart Shave/Modern Art, London und Galerie Eva Presenhuber, Zürich

Thomas Scheibitz

Der deutsche Künstler Thomas Scheibitz (Jg. 1968) beantwortet die Frage, wie Laune und Spiel im Bereich der abstrakten Kunst ernst genommen werden können, selbst in einer von Angst geprägten Zeit. Er verbindet die Erbschaftssprachen von Bewegungen wie Rayonismus, Futurismus und Kubismus mit Anklängen an architektonische Entwürfe und Design der Mitte des Jahrhunderts und schafft unheimlich vertraute Werke, die aus einem parallelen ästhetischen Universum zu stammen scheinen.

Pae White

Die amerikanische Künstlerin Pae White (Jg. 1963) nutzt Abstraktion, um uns erkennbare Bilder unserer Zeit zu zeigen. Ihre fantastischen Werke verbinden Darstellungen der Naturkräfte mit Schnipseln aus unserer hyperdigitalisierten, hypermaterialisierten Gegenwart und zeigen uns manchmal beängstigende Szenen aus der Verbindung von Struktur und Verwirrung.

Titelbild: Charline von Heyl - The Language of the Underworld, 2017. Acryl und Kohle auf Leinen. 90 × 108". © Charline von Heyl
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio