Abstrakte Fotografie-Drucke zum Verkauf, die Sie nicht verpassen sollten!
Indem sie Grenzen überschritt, ging die abstrakte Fotografie über einfache Definitionen und Charakterisierungen hinaus. Obwohl sie ursprünglich im Realismus verwurzelt war, nahm das fotografische Medium im Laufe der Jahrhunderte das Nicht-Darstellende an, mit Werken legendärer Künstler wie Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto und später Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff und Jessica Eaton. Ein Teil dieses vielfältigen Werkes wird in unserer eigenen herausragenden Auswahl hochwertiger abstrakter Fotografie-Drucke zum Verkauf präsentiert. Wir sind stolz, Ihre Aufmerksamkeit auf sechs der bemerkenswertesten Künstler zu lenken, deren Werk sowohl das Medium Fotografie als auch die abstrakte Kunst selbst tiefgreifend verändert. Unten finden Sie neun abstrakte Fotografie-Drucke von höchster Qualität zum Verkauf, die Sie nicht verpassen sollten!
Richard Caldicott - Untitled 153
Richard Caldicott erlangte weltweite Anerkennung mit seiner abstrakten Komposition aus Farben und geometrischen Formen, die aus (neu)arrangiertem und objektiviertem Tupperware hervorgehen und in der reinen Abstraktion seiner Fotografien aufgelöst sind. Seine fortwährenden und mutigen Bemühungen, den fotografischen Kanon herauszufordern, haben im Laufe der Jahre nicht nachgelassen, da sich sein Werk auch auf Zeichnung und Skulptur erstreckte und dieselbe Raffinesse und Gelassenheit betonte. Caldicotts jüngstes Werk zeigt den allmählichen Abschied von der modernistischen Ruhe hin zu Kompositionen, die Störungen und Brüche nachahmen.
In Untitled 153 verfolgt Caldicott seinen traditionellen analogen fotografischen Ansatz, um seinem minimalistischen Satz von Elementen Großzügigkeit in Farbe und Lebendigkeit zu verleihen. Diese Formen, Oberflächen und Farben entstehen aus seiner persönlichsten Erfahrung und locken den Betrachter in sein intimstes Universum. Untitled 153 folgt einer erkennbaren linearen Kompositionslogik und entwickelt sich zu einem wunderbaren abstrakten Werk, das sowohl selbsterklärend als auch Teil eines größeren Dialogs ist. Durch die Betonung von Duplizierung, Replikation und subtilen Farbänderungen kündigt Caldicott unaufdringlich seine neuen ästhetischen und symbolischen Absichten an, die auf ikonischem Minimalismus, Color Field-Gemälden und Pop-Neuverwendung beruhen.
Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. C-Druck. 61 x 50,8 cm.
Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010
Caldicotts jüngeres Werk markiert den endgültigen Abschied von der modernistischen Gelassenheit hin zur Annahme von Dynamik und Kraft. Chance/Fall (4), 2010 zeigt sich überlappende und driftende Schichten schimmernder Farben, die Lebendigkeit und Intensität leuchtender, anziehender Energie ausstrahlen. Seine durchscheinende Strahlkraft zieht den Betrachter an, da er fest auf Transparenz und Sättigung setzt. Die Wiederholung, die der Natur der Serie eingeschrieben ist, macht Caldicott zu einem Anhänger einer „seriellen Haltung“ (Derek Horton) und sie hallt den Minimalismus wider, der den Betrachter in das nachdenkliche Labyrinth der abstrakten Fotografie versetzt.
Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. C-Druck. 127 x 101,6 cm.
Luuk De Haan - Color Field 12
Indem er historische fotografische Techniken mit moderner Technologie digitaler Grafiksoftware verbindet, entwickelte Luuk de Haan, ein niederländischer bildender Künstler, seinen eigenen unverwechselbaren Ausdruck. De Haan schafft eine geometrische Komposition, indem er digitale Grafiksoftware verwendet, die er direkt vom Bildschirm fotografiert. Er verändert die physischen Bedingungen, unter denen das Foto aufgenommen wird, und betont die Unsicherheit und das unregelmäßige Überraschungsmoment, das durch die Interaktion mit dem digitalen Bild offenbart wird. Die neu entstandenen Bilder fesseln die natürliche und organische visuelle Ausdruckskraft sowie eine strenge grafische Erforschung von Form, Farbe, Geometrie und Linie.
Color Field 12 ist ein erstaunliches Beispiel für eine sorgfältige Erforschung der Farbe, inspiriert von abstrakten Expressionisten wie Ellsworth Kelly, Barnett Newman und Kenneth Noland. Dieses Kunstwerk scheint im Fluss zu sein, doch ein Fluss, der sich einer genaueren Interpretation und erklärenden Strenge entzieht. De Haan offenbart treffend seine minimalistische Ästhetik und Kompositionen, die von selbstbewussten, geometrischen Formen, klaren Linien und glatten Oberflächen geprägt sind, die lebhaft mit seinem visuellen Vokabular mitschwingen. Sein Werk strahlt freie Bewegung und stürzende Tiefen aus und ruft ein Gefühl von schwer fassbarer Ruhe hervor, die in der utopischen Stille von Farben und Formen verdunstet.
Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. UltraChrome HD Tinte auf Hahnemühle-Papier. 100 x 72,5 cm.
Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11
De Haan zeigt sein einzigartiges Talent in dem Versuch, zweidimensionale Formen in dreidimensionale Bilder zu übersetzen, während er die Verformung und Veränderung untersucht, die durch die Kamera erzeugt wird. Er wählt eine Diashow aus zwei oder mehr Bildern, die er in einer einzigen Aufnahme fotografiert, indem er das Objektiv bewegt und hinein- und herauszoomt und so ein dreidimensionales Bild erzeugt. Diese Bilder schaffen es, Bewegung, Geometrie und dynamische Farbbeziehungen ihrer Entstehung einzufangen. Nicht in die Laufende Trommel Greifen, ein Warnschild, das auf einer rotierenden Maschine angebracht ist, diente De Haan als Inspiration.
Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11, 2015. UltraChrome HD Tinte auf Hahnemühle-Papier. 59,4 x 42 cm.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium)
Versiert in einer großen Vielfalt von Kunstformen und -mitteln, bewegt sich Seb Janiak sicher zwischen Fotografie und Videoproduktion. Seine fotografischen Unternehmungen reichen von frühen matten Arbeiten bis zu seinen neuesten Laserstrahlfotografien, die durch ein Prisma aufgenommen wurden. Er zeigt keine Loyalität gegenüber einer Schule oder einem Dogma, während er die Komplexität der ihn umgebenden Welt erforscht. Seine Fotografien sind bekannt für ihre außergewöhnliche Verkörperung von Spannung, die aus Gegensätzen und Widersprüchen unserer Welt entsteht. Sein Werk wandert durch rasende Fantasie und Science-Fiction, um schließlich an den Ufern gequälter Natur und utopischer Menschlichkeit anzukommen. Janiak ist ein französischer Video- und Musikproduzent, der weltweit für seinen Beitrag zur zeitgenössischen analogen Fotografie gefeiert wird.
Gravity liquid 04 (Medium) verankert Janiaks eigene metaphysische Behauptung tief, dass eine Form ohne eine Umgebung nicht existieren kann und dass sichtbare Formen von den Bedingungen abhängen, die ihr Dasein ermöglichen. Um seine metaphysische Behauptung visuell zu belegen, konzentrierte Janiak seinen Fokus auf die Schwerkraft als verborgene Kraft, die unser Universum formt. In dieser Fotoserie erforscht er die transformative Kraft, die die Gravitation auf Flüssigkeiten und Gase ausübt. Er wandte den fotografischen Prozess an, um die Form einzufrieren, doch da sich die Umgebung ständig wandelt, ist auch dieser Prozess im Wandel.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Chromogener Druck. 110 x 86 cm.
Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language
Gianfranco Pezzot ist ein italienischer abstrakter Künstler, der tief von den Wegen inspiriert ist, wie wir die Umwelt um uns herum erleben und beeinflussen. Seine Interessen dringen tief in die komplexen Modalitäten unserer Interaktionen mit der Welt ein, während sein Werk sich zunehmend mit den Bereichen Geschichte, Politik und Wirtschaft verwebt. Dabei erfindet Pezzot eine neue zeitgenössische fotografische Sprache, die verschiedene Bilder und Medien kombiniert und ein komplexes, geschichtetes Bild schafft, das in seiner endgültigen Form als digitaler C-Druck präsentiert wird. III.
Deceit of Language ist Teil seiner Serie Dichotomy of a Human Brain, in der Pezzot tief in die Erzählungen eintaucht, die das Gehirn beim Wahrnehmen verschiedener Bilder konstruiert. Pezzot sucht einen interpretativen Rahmen für Erzählungen zu bieten, die verzerrt werden, wenn Bilder verändert, umstrukturiert oder mit anderen Bildern kombiniert werden. In III. Deceit of Language verbindet er Fragmente von Blumen, Strandlandschaften und zerknüllten Papierbögen zu einer Assemblage, die zu weiteren künstlerischen Eingriffen einlädt. Dies ist einer seiner überzeugendsten Versuche, die sich wandelnde Rolle der Fotografie als zeitgenössisches künstlerisches Medium zu untersuchen.
Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language, 2017. Digitaler C-Typ-Druck auf Kodak Endura Fotopapier. 240 x 180 cm.
Paul Snell - Intersect # 201701
Ein Künstler aus Tasmanien, Paul Snell verbindet traditionelle und digitale Techniken, während er die Grenzen von Abstraktion und Minimalismus erweitert. Sein kreativer Prozess beginnt mit der Aufnahme des Objekts oder Ortes mit einer traditionellen Kamera, gefolgt von digitaler Entschlüsselung. Nach der Reduzierung und Vereinfachung von Farben und Formen kehrt Snell den Prozess um, indem er das Bild neu codiert – diese vereinfachten Farben und Formen werden in einer neuen Komposition selbstbezüglich, bis der Prozess des Aufnehmens und Herstellens konzeptionell und praktisch verschleiert ist. Das Endergebnis wird auf seinen chromogenen Drucken präsentiert, die leuchtenden, lebendigen Druck auf metallischem Papier verteilen, das auf Plexiglas montiert ist. Intersect # 201701 fasst Snells unverwechselbares visuelles Lexikon zusammen, das von modernistischer Malerei, insbesondere Minimalismus und Hard-Edge-Abstraktion, inspiriert ist. Er beschreibt seinen kreativen Prozess als Suche nach einem „sinnlichen Verständnis des physischen Objekts“ und erkennt die materielle Substanz der abstrakten Welt an. Dieses Foto verkörpert seine Leidenschaft für Farbbeziehungen und räumliche Wirklichkeiten – ihre dynamischen Beziehungen, lebendiges und überraschendes Zusammenspiel. Sein Werk beinhaltet eine überzeugende kontemplative Vision, die an das metaphysische Reich grenzt.
Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Chromogener Druck, frontseitig auf 4,5 mm Plexiglas montiert. 118 x 118 cm.
Paul Snell - Hover # 201909
Snells neuestes und tief beeindruckendes Werk verwendet rhythmische, harmonische visuelle Strukturen, die den Betrachter in die tiefsten Tiefen reinen Denkens versetzen. Er schafft visuelle Anregungen, die Reflexion in einen authentisch meditativen Zustand übersetzen. Hover # 201909 zeigt die Dynamik von Snells Farbbeziehungen, die aus einer Kombination architektonischer Aspekte seiner Kompositionen und seiner lebendigen, leuchtenden Oberflächen entstehen. Das Fehlen von Metasemantik und Darstellung zieht den Betrachter mitten in die Ur- und Tonalästhetik. In dieser ursprünglichen Erfahrung taucht der Betrachter in Farbe, Rhythmus und Raum ein, die sich für seine/ihre interpretative Reflexion öffnen und so den Weg zur reinen Transzendenz freimachen.
Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Chromogener Druck, frontseitig auf 3 mm mattes Plexiglas montiert. 80 x 80 cm.
Tenesh Webber - Boxy
Tenesh Webber, eine kanadische Künstlerin, ist weithin anerkannt für ihre mutigen Versuche, eine deutliche Schnittstelle zwischen Fotografie und Skulptur zu schaffen. Sie fertigt geschickt zweidimensionale Objekte an, indem sie Nähfaden schichtet und schneidet oder eine sich wiederholende Linienzeichnung auf Plexiglas anbringt. Diese Objekte werden verwendet, um kameralose fotografische Bilder zu schaffen, die ein Element von Unvorhersehbarkeit und Unsicherheit einfangen, das durch Handbewegungen erzeugt wird. In ihren jüngeren Arbeiten taucht sie tief in die verborgene Natur der Fotografie als Medium ein, während sie weiterhin über die Wahrnehmung von negativem und positivem Raum, Bewegung und völliger Stille nachdenkt.
Boxy ist ein Beispiel für Webbers ikonische Erkundungen der Herausforderungen und Konventionen der traditionellen Schwarzweißfotografie. Sie schafft eine rhythmische, intuitive Komposition, die sowohl die Spannung als auch das Gleichgewicht einfängt, die zwischen dem Organischen und dem Rechteckigen entstehen. Boxys anspruchsvolle Komposition strahlt die widersprüchlichen makro- und mikroskopischen Ansichten der Natur und ihre Beziehung zum Menschen aus.
Tenesh Webber - Boxy, 2005. Schwarzweißfotografie. 50,8 x 50,8 cm.
Abgebildetes Bild: Richard Caldicott - Untitled 153, Installationsansicht.
Von Jovana Vuković
