Abstrakte Fotografie-Drucke zum Verkauf, die Sie nicht verpassen sollten!

In seiner Überschreitung von Grenzen ging die abstrakte Fotografie über einfache Definitionen und Charakterisierungen hinaus. Obwohl sie ursprünglich im Realismus verwurzelt war, umarmte das fotografische Medium im Laufe der Jahrhunderte das Nicht-Repräsentationale, mit den Werken legendärer Künstler wie Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto und später Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff und Jessica Eaton. Ein Teil dieses vielfältigen Werkes wird in unserer eigenen herausragenden Auswahl an hochwertigen abstrakten Fotografie-Drucken zum Verkauf, die unten präsentiert wird, gezeigt. Wir sind stolz darauf, Ihre Aufmerksamkeit auf sechs der bemerkenswertesten Künstler zu lenken, deren Arbeiten sowohl das Medium der Fotografie als auch die abstrakte Kunst selbst tiefgreifend transformieren. Unten finden Sie neun abstrakte Fotografie-Drucke von höchster Qualität, die Sie nicht verpassen sollten!

Richard Caldicott - Unbetitelt 153

Richard Caldicott erlangte weltweite Anerkennung mit seiner abstrakten Komposition aus Farben und geometrischen Formen, die aus (re)arrangiertem und objektiviertem Tupperware hervorgehen und in der reinen Abstraktion seiner Fotografien aufgelöst sind. Seine kontinuierlichen und gewagten Bemühungen, das fotografische Kanon zu hinterfragen, haben im Laufe der Jahre nicht nachgelassen, da sein künstlerisches Schaffen auch Zeichnung und Skulptur umfasste, die dieselbe Raffinesse und Gelassenheit betonen. Caldicotts jüngste Arbeiten zeigen den allmählichen Abschied von der modernistischen Stille hin zu Kompositionen, die Störungen und Brüche nachahmen.

In Untitled 153 verfolgt Caldicott seinen traditionellen Ansatz der analogen Fotografie, um sein minimalistisches Set von Komponenten, das reich an Farbe und Lebendigkeit ist, zu vermitteln. Diese Formen, Oberflächen und Farben entstehen aus seinen persönlichsten Erfahrungen und ziehen den Betrachter in sein intimstes Universum. Untitled 153 folgt einer erkennbaren linearen Kompositionslogik und entwickelt sich zu einem wunderbaren abstrakten Werk, das sowohl selbsterklärend als auch Teil eines größeren Dialogs ist. Durch die Betonung von Duplikation, Replikation und subtilen Anpassungen der Farben kündigt Caldicott unauffällig seine neuen ästhetischen und symbolischen Absichten an, die auf ikonischem Minimalismus, Color Field-Gemälden und Pop-Reappropriation basieren.

Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. C-Print. 61 x 50,8 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010

Caldicotts neuere Arbeit markiert den endgültigen Abschied von der modernistischen Gelassenheit hin zur Umarmung von Dynamik und Kraft. Chance/Fall (4), 2010 zeigt überlappende und driftende Schichten schimmernder Farben, die Lebendigkeit und Intensität von leuchtender, anziehender Energie ausstrahlen. Ihre durchsichtige Strahlkraft verführt den Betrachter, während er sich entschieden auf Transparenz und Sättigung verlässt. Die Wiederholung, die in der Natur der Serie eingeschrieben ist, macht Caldicott zu einem Anhänger einer ‚seriellen Haltung‘ (Derek Horton) und sie hallt den Minimalismus wider, der den Betrachter in das kontemplative Labyrinth der abstrakten Fotografie versetzt.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. C-Print. 127 x 101,6 cm.

Luuk De Haan - Farbfläche 12

Die Verschmelzung historischer fotografischer Techniken und zeitgenössischer Technologie von Digitalgrafiksoftware Luuk de Haan, einem niederländischen visuellen Künstler, hat seinen eigenen unverwechselbaren Ausdruck hervorgebracht. De Haan schafft eine geometrische Komposition, indem er Digitalgrafiksoftware verwendet, die er direkt vom Bildschirm fotografiert. Er verändert die physischen Bedingungen, unter denen das Foto aufgenommen wird, und betont die Unsicherheit und das unberechenbare Element der Überraschung, das durch die Interaktion mit dem digitalen Bild offenbart wird. Die neu entstandenen Bilder fesseln die natürliche und organische visuelle Eloquenz sowie eine rigorose grafische Erkundung von Form, Farbe, Geometrie und Linie.

Color Field 12 ist ein erstaunliches Beispiel für eine sorgfältige Erkundung von Farbe, inspiriert von abstrakten Expressionisten wie Ellsworth Kelly, Barnett Newman und Kenneth Noland. Dieses Kunstwerk scheint im Fluss zu sein, aber dieser Fluss entzieht sich einer präziseren Interpretation und erklärenden Strenge. De Haan offenbart treffend seine minimalistische Ästhetik und Kompositionen, die durch selbstbewusste, geometrische Formen, klare Linien und glatte Oberflächen definiert sind, die lebhaft mit seinem visuellen Vokabular resonieren. Sein Werk strahlt die freie Bewegung und kaskadierende Tiefen aus, während es ein Gefühl von schwer fassbarer Ruhe heraufbeschwört, das in der utopischen Gelassenheit sowohl der Farben als auch der Formen verdampft.

Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. UltraChrome HD-Tinte auf Hahnemühle-Papier. 100 x 72,5 cm.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11

De Haan zeigt sein einzigartiges Talent in dem Versuch, zweidimensionale Formen in dreidimensionale Bilder zu übersetzen, während er die Deformation und Veränderung erkundet, die durch die Kamera entsteht. Er wählt eine Diashow aus zwei oder mehr Bildern aus, die er in einem einzigen Shot fotografiert, indem er mit dem Objektiv hinein- und herauszoomt und so ein dreidimensionales Bild schafft. Diese Bilder schaffen es, Bewegung, Geometrie und dynamische Farbbeziehungen ihrer Entstehung einzufangen. Nicht in die Laufende Trommel Greifen, ein Warnschild, das auf einer sich drehenden Maschine gedruckt ist, diente de Haan als Inspiration.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11, 2015. UltraChrome HD Ink auf Hahnemühle Papier. 59,4 x 42 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium)

Gut vertraut mit einer großen Vielfalt an Kunstformen und -medien, Seb Janiak fühlt sich zwischen Fotografie und Videoproduktion zu Hause. Seine fotografischen Eskapaden reichen von dieser frühen Matte-Arbeit bis zu seinen neuesten Laserstrahlen-Fotografien, die durch ein Prisma aufgenommen wurden. Er bietet keine Loyalität gegenüber irgendeiner Schule oder Dogma, während er die Komplexität der ihn umgebenden Welt erkundet. Seine Fotografien sind bekannt für ihre außergewöhnliche Verkörperung der Spannung, die aus Dichotomien und Gegensätzen unserer Welt entsteht. Sein Werk schlängelt sich durch frenetische Fantasie und Science-Fiction, nur um die Ufer einer gequälten Natur und einer utopischen Menschheit zu erreichen. Janiak ist ein französischer Video- und Musikproduzent, der weltweit für seinen Beitrag zur zeitgenössischen analogen Fotografie gefeiert wird.

Die Gravitation Flüssigkeit 04 (Mittel) verankert tief Janiaks eigene metaphysische Behauptung, dass eine Form nicht ohne eine Umgebung existieren kann und dass sichtbare Formen von den Bedingungen abhängen, die es diesen Formen ermöglichen, zu existieren. Um seine metaphysische Behauptung visuell zu hinterfragen, entschied sich Janiak, seinen Fokus auf die Gravitation als verborgene Kraft zu lenken, die unser Universum formt. In dieser Fotoserie untersucht er die transformative Kraft, die die Gravitation auf Flüssigkeiten und Gase hat. Er wandte den fotografischen Prozess an, um die Form einzufrieren, aber da sich die Umgebung ständig verändert, geschieht dies auch mit diesem Prozess.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Chromogener Druck. 110 x 86 cm.

Gianfranco Pezzot - III. Täuschung der Sprache

Gianfranco Pezzot ist ein italienischer abstrakter Künstler, der tief inspiriert ist von den Wegen, wie wir die Umwelt um uns herum erleben und beeinflussen. Seine Interessen dringen tief durch die komplexen Modalitäten unserer Interaktionen mit der Welt, während sein Werk weiter mit Bereichen der Geschichte, Politik und Wirtschaft verwoben wird. Indem er dies tut, erfindet Pezzot eine neue zeitgenössische fotografische Sprache, die verschiedene Bilder und Medien kombiniert und ein komplexes, geschichtetes Bild schafft, das in seiner endgültigen Form als digitales C-Print präsentiert wird. III.

Die Täuschung der Sprache ist Teil seiner Serie Dichotomie eines menschlichen Gehirns, in der Pezzot tief in die Erzählungen eintaucht, die Gehirne konstruieren, um verschiedene Bilder wahrzunehmen. Pezzot versucht, einen interpretativen Rahmen für Erzählungen bereitzustellen, die verzerrt werden, wenn die Bilder verändert, umstrukturiert oder mit anderen Bildern kombiniert werden. In III. Täuschung der Sprache kombiniert er Fragmente von Blumen, Strandlandschaften und zerknüllten Papierblättern zu einem Arrangement, das zu weiterem künstlerischen Eingreifen einlädt. Dies ist einer seiner überzeugendsten Versuche, die sich verändernde Rolle der Fotografie als zeitgenössisches künstlerisches Medium zu untersuchen.

Gianfranco Pezzot - III. Täuschung der Sprache, 2017. Digitaler C-Type-Druck auf Kodak Endura Fotopapier. 240 x 180 cm.

Paul Snell - Intersect # 201701

Ein tasmanischer Künstler, Paul Snell, verbindet traditionelle und digitale Techniken, während er die Grenzen von Abstraktion und Minimalismus erweitert. Sein kreativer Prozess beginnt mit der Erfassung des Objekts oder des Ortes mit einer traditionellen Kamera, gefolgt von digitaler Dekodierung. Nachdem er Farben und Formen reduziert und vereinfacht hat, kehrt Snell den Prozess um, indem er das Bild neu kodiert – diese vereinfachten Farben und Formen werden in einer neuen Komposition selbstreferenziell, bis der Prozess des Nehmens und Machens konzeptionell und praktisch verschleiert ist. Das Endergebnis wird auf seinen chromogenen Drucken präsentiert, die leuchtenden, lebendigen Druck auf metallisches Papier verteilen, das auf Plexiglas montiert ist. Intersect # 201701 verkörpert Snells distinctives visuelles Lexikon, inspiriert von der modernistischen Malerei, insbesondere vom Minimalismus und der Hard-Edge-Abstraktion. Er beschreibt seinen kreativen Prozess als Suche nach einem „sensorischen Verständnis des physischen Objekts“ und Snell erkennt die materielle Substanz der abstrakten Welt an. Dieses Foto verkörpert seine Besessenheit mit Farbbeziehungen und räumlichen Realitäten – ihren dynamischen Beziehungen, lebhaften und überraschenden Wechselwirkungen. Seine Arbeit umfasst eine überzeugende kontemplative Vision, die an die metaphysische Sphäre grenzt.

Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Chromogener Druck, auf 4,5 mm Plexiglas montiert. 118 x 118 cm.

Paul Snell - Hover # 201909

Snells neuestes und zutiefst fesselndes Werk setzt rhythmische, harmonische visuelle Strukturen ein, die den Betrachter in die tiefsten Tiefen reiner Gedanken versetzen. Er schafft visuelle Anregungen, die Reflexion in einen authentisch meditativen Zustand übersetzen. Hover # 201909 offenbart die Dynamik von Snells Farbbeziehungen, die aus einer Kombination architektonischer Aspekte seiner Kompositionen und seiner lebendigen, leuchtenden Oberflächen entsteht. Die Abwesenheit von Metasemantik und Repräsentation zieht den Betrachter mitten in das primäre und tonale ästhetische Material. In diesem urtümlichen Erlebnis ist der Betrachter in Farbe, Rhythmus und Raum eingetaucht, was Raum für seine/ihre interpretative Reflexion schafft und somit den Weg zur reinen Transzendenz ebnet.

Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Chromogener Druck, auf 3 mm mattes Plexiglas montiert. 80 x 80 cm.

Tenesh Webber - Boxy

Tenesh Webber, eine kanadische Künstlerin, ist weithin anerkannt für ihre mutigen Versuche, eine ausgeprägte Schnittstelle zwischen Fotografie und Skulptur zu schaffen. Sie schafft geschickt zweidimensionale Objekte, indem sie den Nähfaden schichtet und schneidet oder eine sich wiederholende Linienzeichnung auf dem Plexiglas anfertigt. Diese Objekte werden verwendet, um kameralose fotografische Bilder zu erzeugen, die ein Element der Unvorhersehbarkeit und Unsicherheit einfangen, das durch Handbewegungen entsteht. In ihren neueren Arbeiten geht sie tief in die verborgene Natur der Fotografie als Medium ein, während sie weiterhin über die Wahrnehmung von negativem und positivem Raum, Bewegung und völliger Stille nachdenkt.

Boxy ist ein Beispiel für Webbers ikonische Erkundungen der Herausforderungen und Konventionen der traditionellen Schwarz-Weiß-Fotografie. Sie schafft eine rhythmische, intuitive Komposition, die sowohl die Spannung als auch das Gleichgewicht zwischen dem Organischen und dem Rechten einfängt. Boxys anspruchsvolle Komposition strahlt die widersprüchlichen Makro- und Mikroansichten der Natur und deren Beziehung zu einem Menschen aus.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Schwarzweißfotografie. 50,8 x 50,8 cm.

Vorschaubild: Richard Caldicott - Untitled 153, Installationsansicht.
Von Jovana Vuković