Drei Meister der Farbe Grün in der zeitgenössischen Kunst
Wir haben einige Recherchen zur Bedeutung der Farbe Grün durchgeführt, und die Ergebnisse sind ehrlich gesagt ziemlich verwirrend. Viele der häufigsten Assoziationen, die Menschen mit Grün verbinden, widersprechen sich direkt. Zum Beispiel gibt es diejenigen, die schwören, dass Grün die Farbe von Gesundheit und Natur ist, aber viele andere verbinden Grün entschieden mit Krankheit und Giftigkeit. In der irischen Folklore gilt Grün angeblich als Farbe des Glücks, während es in der chinesischen Folklore die Farbe des Unglücks ist. Eine Website sagt, Grün bedeutet Leben und Vitalität, während eine andere sagt, es symbolisiert Tod und Faulheit; eine sagt, es bedeutet Hoffnung und Optimismus, eine andere sagt, es steht für Eifersucht und Feigheit; eine sagt, es bedeutet Reichtum und Erfolg, eine andere sagt, es steht für Neid und Unfähigkeit. Und so könnte man weitermachen. Aber der Punkt ist, es gibt keinen Konsens darüber, was die Farbe Grün bedeutet. Vielleicht, wie bei so vielen anderen Dingen im Leben, benötigt die Farbe Grün Kontext, um Bedeutung zu erlangen. Deshalb möchten wir erneut auf ein Buch namens Chromaphilia: The Color of Art verweisen, geschrieben von der ehemaligen LACMA-Kuratorin Stella Paul und Anfang dieses Jahres von Phaidon Press veröffentlicht. Es untersucht die verschiedenen Arten, wie verschiedene Künstler Farbe in ihrer Arbeit verwendet haben. Bei der Untersuchung der Farbe Grün hebt das Buch drei Künstler hervor: Bruce Nauman, Brice Marden und Olafur Eliasson. Jeder von ihnen setzt Farbe stark für seine Wirkung ein und schafft Werke, die je nach Kontext unterschiedliche Bedeutungen für die Betrachter inspirieren.
Grün zu sehen ist einfach
Die Lehre vom Licht heißt Optik, und Optik hat alles mit Farbe zu tun. Unsere Augen nehmen verschiedene Farben wahr, basierend auf Wellenlängenvariationen, die im sogenannten sichtbaren Lichtspektrum auftreten. Menschen können nur einen kleinen Abschnitt des elektromagnetischen Spektrums wahrnehmen. Gemessen in Nanometern (abgekürzt nm) können wir nur Licht sehen, das im Bereich von etwa 400 bis 700 nm liegt. Blau hat eine Wellenlänge zwischen 450 und 495 nm. Rot hat eine Wellenlänge zwischen 620 und 740 nm, aber ein großer Teil davon liegt außerhalb des für Menschen sichtbaren Spektrums. Von allen sichtbaren Farben hat Grün den größten Wellenlängenbereich im sichtbaren Spektrum für Menschen: zwischen 487 und 570 nm. Und Grün ist auch die Farbe, die das menschliche Auge am leichtesten wahrnehmen kann. Bei Dunkeladaption sind unsere Augen am empfindlichsten für Licht bei 507 nm, und bei Lichtadaption sind sie am empfindlichsten bei 555 nm, beide fest im grünen Bereich.
Aber Optik ist nicht für alle Menschen universell übersetzbar. Obwohl die Wissenschaft sich nicht ändert, beruht unsere Erfahrung dieser Wissenschaft stark auf individueller Wahrnehmung. Wir sehen Farbe wegen Zellen in unseren Augen, die Zapfen genannt werden. Aber etwa acht Prozent der Menschen werden mit einer Defizienz in ihren Zapfenzellen geboren, was dazu führt, dass sie eine gewisse Form von Farbenblindheit erleben. Jemand, der grün schwach sieht, die häufigste Form der Farbenblindheit, hat Schwierigkeiten, die Farbe Grün wahrzunehmen. Grün-Schwäche ist so verbreitet, dass viele Länder visuelle Hinweise wie durchgestrichene Linien auf grünen Ampeln hinzufügen, um farbenblinden Fahrern die Orientierung zu erleichtern. Obwohl Grün wissenschaftlich gesehen die häufigste Farbe ist, die wir sehen können, und die Farbe, die wir am leichtesten wahrnehmen, da sie perfekt in unserem Empfindlichkeitsbereich bei Dunkelheit und Licht liegt, ist sie auch die am häufigsten umstrittene Farbe, die jeder von uns je nach genetischer Veranlagung unserer Zapfenzellen etwas anders sieht. Daraus folgt, dass es auch natürlich ist, dass jeder von uns unterschiedliche Vorstellungen von der Bedeutung von Grün hat, da wir sie auf idiosynkratische Weise wahrnehmen und somit mit Erfahrungen verbinden.
Olafur Eliasson - Green river 1998, Stockholm, 2000, © Olafur Eliasson
Olafur Eliasson und das Green River Project
Eine Substanz namens Fluorescein wird seit mehr als einem Jahrhundert verwendet, um Wasser fluoreszierend grün zu färben. Auch bekannt als Lebensmittelfarbstoff Gelb Nr. 7, wurde Fluorescein von Soldaten im Zweiten Weltkrieg eingesetzt, wenn sie auf See gerettet werden mussten, und von Raumfahrzeugen nach der Wasserlandung, damit sie gefunden und geborgen werden konnten. Die Bewohner Chicagos kennen Fluorescein vielleicht auch als die Substanz, die ursprünglich verwendet wurde, um den Chicago River am St. Patrick’s Day grün zu färben. Und vor fast zwei Jahrzehnten nutzte der dänisch-isländische Künstler Olafur Eliasson eine Natriumsalz-Variante von Fluorescein, genannt Uranin, auch Gelb Nr. 8, um die lebendigen Effekte zu erzeugen, die er bei der Ausführung eines öffentlichen Kunstwerks namens Green River Project einsetzte.
Die erste Ausgabe des Green River Project fand 1998 in Bremen, Deutschland, statt. Ohne seine Absichten in der Stadt anzukündigen, steuerten Eliasson und ein Assistent ein Kanu den Weser-Fluss hinunter und setzten dabei eine große Menge Uranin ins Wasser frei. Bald erschien ein massiver, fluoreszierend grüner Streifen, zur Überraschung aller, die am Fluss vorbeikamen. Eliasson ließ das öffentliche Spektakel eine Zeit lang geschehen, während seine ästhetische Intervention die soziale Sphäre der Stadt erschütterte. Die erste Reaktion war natürlich Angst und Entsetzen, da die Menschen annahmen, es handele sich um ein Gift. Erst später enthüllte der Künstler, was er getan hatte, und beruhigte die öffentlichen Bedenken. Eliasson wiederholte das Projekt später in Norwegen, Island, Schweden, Japan und den Vereinigten Staaten. Der grüne Farbstoff verursachte in jeder Stadt unterschiedliche Reaktionen, aber aufgrund des Kontexts waren fast alle Reaktionen durchweg negativ. Eliasson nennt diese Art von Arbeit einen „Phänomenproduzenten“ und glaubt, dass solche Projekte wichtig sind, um Menschen aus ihren normalen Interaktionen mit ihrer Umwelt herauszuholen und Kunst zu Menschen zu bringen, die ihr sonst nicht begegnen würden.
Olafur Eliasson - Green river 1998, The Northern Fjallabak Route, Island, 1998, © Olafur Eliasson
Brice Marden und das Monochrom
Brice Marden ist einer von vielen Künstlern, die mit der Idee der monochromen Malerei experimentiert haben. Er schafft seine Monochrome, indem er aufeinanderfolgende Farbschichten in verschiedenen Farben aufträgt und die darunterliegenden Farben zum endgültigen Farbton beitragen lässt. Die Materialität seiner Monochrome macht sie zu Objekten, die man betrachten muss: Ihre Präsenz ist groß, da ihre reiche, üppige, tiefe Farbe das Auge fesselt. Aber das Erlebnis, einem grünen monochromen Gemälde von Marden zu begegnen, ist nichts im Vergleich dazu, plötzlich einen grünen fluoreszierenden Farbstreifen einen öffentlichen Fluss hinunterfließen zu sehen. Wenn Sie vor einem grünen Marden-Monochrom stehen, befinden Sie sich wahrscheinlich in einem Museum, auf einer Kunstmesse oder in einer hochwertigen Kunstgalerie. Es ist ein sicherer Ort und daher eine Gelegenheit, persönlich zu hinterfragen, was Grün für Sie bedeutet, abgesehen von jeglicher äußerer kontextueller Beeinflussung.
Über seine monochromen Gemälde sagte Marden einmal: „Ich mag es zu denken, dass meine Malerei über das bloße Sein hinausgeht.“ Farbe spielt sicherlich eine entscheidende Rolle dabei, dass seine Monochrome mehr sind als die Summe ihrer Teile. Das Beispiel eines Brice Marden-Monochroms, das Stella Paul in Chromaphilia verwendet, stammt aus dem Jahr 1976 und heißt Grove IV. Marden malte das Werk als Reflexion über die Natur und bezog sich dabei speziell auf die griechische Insel Hydra, auf der er Zeit verbrachte. „Die Natur ist richtig“, sagte Marden einmal. Aber inwiefern wurde dieses Gemälde von der Natur inspiriert? Ist es ein figuratives Bild von grünem Gras? Oder bezieht es sich auf eine abstrakte Assoziation, die wir zwischen Natur und der Farbe Grün herstellen könnten? Gibt es etwas von Natur aus Natürliches an Grün? Das grüne monochrome Gemälde bietet die Möglichkeit, diese Frage für sich selbst zu beantworten.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Brice Marden/Artists Rights Society (ARS), New York
Bruce Nauman gibt grünes Licht
Der in Indiana geborene Künstler Bruce Nauman widmet sich in seinen künstlerischen Unternehmungen teilweise der Untersuchung der Psychologie und des Verhaltens von Menschen. Er verwendet oft Text in seinen Werken und fordert die Betrachter heraus, zwischen der Bedeutung der Worte und dem Kontext ihrer Interaktion mit der Kunst zu unterscheiden. Am bekanntesten ist er jedoch für die Verwendung von farbigem Licht. 1970 baute Nauman zwei hohe Wände nebeneinander und schuf so einen engen Korridor, nur 30 Zentimeter breit. Über diesem hängte er grüne Leuchtstoffröhren auf, sodass der Korridor hellgrün leuchtete. Die Betrachter wurden ermutigt, durch den Korridor zu gehen. Wenn sie in den Raum passten, passten sich ihre Augen an das grüne Licht an, und nach dem Verlassen des Korridors stellten sich ihre Augen wieder um, wodurch sie eine optische Täuschung der Farbe Pink sahen, dem gegenüberliegenden Ende des Farbspektrums.
Es ist schwer zu sagen, ob Nauman mit diesem Werk etwas Spezielles über die Farbe Grün aussagen wollte. Er hätte jede andere Farbe verwenden können und ähnliche Effekte erzielt. Vielleicht hatte seine Farbauswahl keine tiefere Bedeutung. Aber die Tatsache, dass er Grün wählte, hat viele Kunstbetrachter dazu gebracht, neue kontextuelle Assoziationen mit der Farbe zu schaffen. Dieses intensive, klaustrophobische und andereweltliche Erlebnis wurde als furchterregend, psychedelisch und sogar heilig beschrieben. Es stellt erneut die Frage: Haben Farben eine intrinsische Bedeutung? Hängt ihre Bedeutung vom Kontext ab? Die Arbeiten dieser drei Künstler lassen uns glauben, dass die meisten unserer Farbassoziationen allein aus unseren persönlichen Erfahrungen entstehen.
Bruce Nauman - Green Light Corridor,
Kopenhagen Contemporary, Kopenhagen
Titelbild: Bruce Nauman -
