Warum Gauguins "Vision nach der Predigt" für die abstrakte Kunst wichtig war
Paul Gauguin malte Vision nach der Predigt im Jahr 1888. Es war ein religiöses Werk, das als Ausgangspunkt eine Geschichte aus der christlichen Bibel nahm. Die Erzählung stammt aus dem Buch Genesis, Kapitel 32, Verse 22 bis 31. Sie handelt von der Figur namens Jakob, der später Israel genannt werden würde und der als der historische Vorfahre der Israeliten gilt. Der Vers lautet wie folgt: “In derselben Nacht stand er auf und nahm seine zwei Frauen, seine zwei Mägde und seine elf Kinder und überquerte den Übergang des Jabbok. Er nahm sie und schickte sie über den Bach, ebenso alles, was er hatte. Und Jakob blieb allein; und ein Mann rang mit ihm bis zum Anbruch des Tages.” Die allgemeine poetische oder philosophische Interpretation dieser Szene ist, dass es um einen Mann geht, der mit seinen Dämonen kämpft, sozusagen. Der Mann, Jakob, ringt mit dem, was offensichtlich ein Engel ist, ein Vertreter der Göttlichkeit. Der Jabbokfluss (auch bekannt als der Jordanfluss) trennt Jakob von Kanaan, oder dem Gelobten Land. Jakob versucht also im Wesentlichen, auf die altmodische Weise Frieden zwischen den besseren und schlechteren Elementen seiner menschlichen Natur zu schließen, damit er einfach ein anständiges Leben führen kann. Es ist ein faszinierendes Thema, das Gauguin für dieses Gemälde gewählt hat, da das Gemälde selbst eine ähnliche Art von Interpretation unter Kunsthistorikern entwickelt hat. Es wird als Wendepunkt im postimpressionistischen Marsch in Richtung Abstraktion angesehen. Es ist ein passendes Thema für ein Gemälde, das eine entscheidende Rolle im Prozess der Künstler spielt, die mit ihren Dämonen kämpfen, während sie versuchen, Frieden mit dem zu schließen, was Kunst sein soll, damit sie einfach anständige Werke schaffen können.
Die Illusionen beseitigen
Gauguin war Mitglied einer kleinen Gruppe von Malern im späten 19. Jahrhundert, die glaubten, dass ein Gemälde, bevor es zu einem illusionären Bild wurde, in erster Linie einfach Farben war, die auf eine Oberfläche aufgetragen wurden. Der Prozess, die Farbe und die Oberfläche in etwas Realistisches zu verwandeln, wie ein Bild von etwas Identifizierbarem, kam später, nach der Tatsache. In den Köpfen dieser zukunftsorientierten Künstler war dieser spätere Schritt nicht mehr so wichtig und begann sogar, unnötig zu erscheinen. Sie begannen, Dinge wie Farbe und Oberfläche nach ihren eigenen Verdiensten zu schätzen, unabhängig davon, welche Formen, Gestalten und illusionären Räume sie zur Schaffung verwendeten. Im Allgemeinen begann diese Denkweise mit dem Impressionismus, einem Stil, der sich auf die Qualität des Lichts in einem Bild konzentrierte. Aber die Periode, die jetzt als Post-Impressionismus bekannt ist, ist die Zeit, in der solche Ideen wirklich zu florieren begannen.
Die Liste der postimpressionistischen Bewegungen, die die Malerei auf ihre formalen Elemente reduzierten und schließlich zur reinen Abstraktion führten, ist lang. Sie umfasst den Symbolismus, den Synthetismus, den Cloisonnismus, den Fauvismus, Kubismus und viele weitere -ismen. Jede dieser Bewegungen entstand in relativ schneller Folge in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Jede verfolgte eine bestimmte Agenda, isolierte ein oder mehrere Elemente der klassischen Kunst und untergrub sie, um etwas Neues über das Potenzial der Malerei zu entdecken. Zu den Elementen, die diese Künstler zu eliminieren versuchten, gehörten Perspektive, Farbverläufe, realistische Farben, verständliche Themen und die Idee, dass Formen und Gestalten repräsentativ für Elemente der realen Welt sein mussten. Einer der Schlüsselaspekte von Vision nach der Predigt, der es so ikonisch für diesen allgemeinen Drang zur Abstraktion macht, ist, dass es fast alle diese Elemente auf einmal angeht.
Perspektive und Graduierung
Perspektive und Farbverlauf sind zwei der wesentlichsten, definierenden Elemente klassischer Malstile. Zusammen verleihen sie einem Gemälde ein kraftvolles Gefühl von Realismus, da sie den illusionären Raum innerhalb des Bildes schaffen. Perspektive verleiht einem Gemälde ein Gefühl von Tiefe und ein Gefühl, dass die physischen Formen im illusionären Raum für das Auge Sinn machen, so wie sie es im wirklichen Leben tun würden. Egal wie fotografisch perfekt ein Gemälde ist, ohne ein Gefühl für realistische Perspektive ist die Illusion gebrochen. In der Zwischenzeit ist der allmähliche Farbverlauf das, was den Tönen der Objekte im Gemälde ihre realistischen Qualitäten verleiht. Hautton ist nicht nur eine Farbe, es sind Hunderte, vielleicht Tausende von Farben, die allmählich ineinander übergehen. Ohne Verlauf werden Farben unrealistisch und das Bild beginnt, unheimlich oder sogar absurd zu wirken.
Vision nach der Predigt eliminiert fast vollständig sowohl Perspektive als auch Farbverlauf, wenn auch nicht ganz. Gauguin nutzte das religiöse Thema geschickt, um zu verwirren, ob das Bild realistisch gemeint ist oder nicht. Es zeigt eine Gruppe von dem, was wie Nonnen aussieht, und einem Priester, die in einer Reihe versammelt sind, einige stehen und einige knien. Die Perspektive wird für diesen Teil des Bildes etwas traditionell verwendet. Aber der Rest des Bildes scheint mehr wie ein Traum. Es hat offensichtlich eine Predigt gegeben, und diese Nonnen kommen danach aus der Kirche. Die Predigt muss die Geschichte von Jakob gewesen sein, der gegen seine Dämonen kämpft, denn das ist das Bild, das sich vor den Augen der Nonnen in einem mystischen, fast surrealistischen Raum im oberen Teil des Bildes abspielt. In diesem Bereich des Rahmens gibt es keinen Versuch, Perspektive zu schaffen, keinen Versuch auf Tiefe, und fast eine vollständige Eliminierung des Farbverlaufs. Das Bild ist, sozusagen, abgeflacht.
Paul Gauguin - Vision nach der Predigt, 1888, Öl auf Leinwand, 72,20 x 91,00 cm
Unnatürliche Farben und Formen
Die Farben in Visions After the Sermon sind nicht völlig outrageous, wie sie später in den Werken der Fauvist-Maler werden sollten. Aber in diesem Gemälde machte Gauguin einen riesigen Sprung in Richtung dieses eventualen Ziels, indem er den mutigen Schritt wagte, einen massiven Streifen des Bildes in dem, was er "reines Zinnoberrot" nannte, zu malen. Zinnoberrot ist ein roter Pigment, das einst häufig in der Malerei verwendet wurde. Es wurde aus einem Mineral namens Zinnober gewonnen, das so viel Quecksilber enthielt, dass es schon zu römischen Zeiten bekannt war, dass der Abbau des Minerals einen Todesurteil bedeutete. Aus diesem Grund ist das Pigment heutzutage nicht mehr leicht zu finden. Es ist giftig. Aber es verleiht diesem Stück einen besonders unheilvollen Ton. Das Rot kann als symbolische Farbe gesehen werden, die Wut, Tod und Gefahr impliziert. Es definiert das Bild als etwas Unwirkliches, etwas Traumhaftes.
Was die Formen betrifft, so ist klar, dass Gauguin sie größtenteils als einigermaßen realistisch beabsichtigte. Das Bild zeigt deutlich menschliche Figuren, eine Kuh, einen Baum und einen Mann, der mit einem Engel ringt. Aber es gibt Momente im Bild, die darauf hindeuten, dass Gauguin nicht so sehr daran interessiert war, die Realität mit seinen Formen zu replizieren, sondern vielmehr von den Qualitäten der Formen selbst fasziniert war. Dies wird am deutlichsten an den Kopfbedeckungen der Nonnen. Begonnen mit der Kopfbedeckung im Vordergrund, unten rechts im Bild, wird die Form auf ihr geometrisches Wesen reduziert. Im gesamten Bild folgt Gauguin dieser Tendenz immer wieder. Wenn die Gesichter aus dem Bild entfernt würden, würden die verbleibenden Farbflächen viel von ihrer erzählerischen Kraft verlieren, und das Bild könnte leicht in eine abstrakte Komposition übergehen.
Aufrichtige Absichten
Eine der Fragen, die oft aufkommen, wenn man über postimpressionistische Maler spricht, ist, ob sie wirklich genau wussten, was sie zu tun versuchten. Und natürlich ist im Fall von Malern wie Gauguin die Antwort ja. Er und seine Zeitgenossen, wie Paul Sérusier, Maurice Denis und Émile Bernard, waren eifrige Philosophen, Schriftsteller und Experimentatoren. Sie waren voll und ganz darauf bedacht, die Definition von Malerei und die Bedeutung von Kunst zu hinterfragen. Sie bemühten sich, herauszufinden, was, wenn überhaupt, an Kunst kontemplativ, transzendent und sogar spirituell sein könnte, abgesehen von ihrem narrativen Inhalt.
Tatsächlich habe ich persönlich das Gefühl, dass ein anderes Gemälde, das im Jahr vor Vision nach der Predigt gemalt wurde, viel weiter ging, um die in der Abstraktion verborgenen Potenziale aufzudecken. Dieses Gemälde ist Der Talisman, gemalt von Paul Sérusier am letzten Tag des Jahres 1887. Der Legende nach ermutigte Gauguin Sérusier, das Stück zu malen. Unabhängig davon ist es wirklich bahnbrechend. Wenn nur ein Paar grüner Linien, die durch die Mitte des Bildes verlaufen, entfernt würden, wäre es völlig abstrakt. Es würde fast perfekt dem Werk ähneln, das Hans Hofmann eine Generation später schuf. Es ist das Wesen des Synthetismus, dem Stil, dem Gauguin sich zuschrieb, da es das äußere Wesen natürlicher Formen synthetisiert, ohne sie genau zu kopieren, mit einem Gefühl dafür, wie der Künstler zu den Formen im Bild steht, und einer reinen ästhetischen Betrachtung von Farbe, Linie und Form. Dennoch ist Vision nach der Predigt offensichtlich auch wichtig, da es viele der gleichen Ideen demonstriert und somit einen definitiven Wendepunkt im Marsch zur reinen Abstraktion darstellt.
Vorschaubild: Paul Gauguin - Vision nach der Predigt (Detail), 1888, Öl auf Leinwand, 72,20 x 91,00 cm
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
