Warum Gauguins "Vision nach der Predigt" für die abstrakte Kunst wichtig war

Paul Gauguin malte Vision nach der Predigt im Jahr 1888. Es war ein religiöses Werk, das als Ausgangspunkt eine Geschichte aus der christlichen Bibel nahm. Die Erzählung stammt aus dem Buch Genesis, Kapitel 32, Verse 22 bis 31. Sie handelt von der Figur Jakob, der später Israel genannt wurde und als der historische Stammvater der Israeliten gilt. Der Vers lautet wie folgt: „In derselben Nacht stand er auf und nahm seine zwei Frauen, seine zwei Mägde und seine elf Kinder und überquerte die Furt des Jabbok. Er führte sie hinüber und schickte sie über den Bach, ebenso alles, was er besaß. Und Jakob blieb allein zurück; und ein Mann rang mit ihm bis zum Anbruch des Tages.“ Die allgemeine poetische oder philosophische Deutung dieser Szene ist, dass es um einen Mann geht, der sozusagen mit seinen Dämonen kämpft. Der Mann, Jakob, ringt mit dem, was offensichtlich ein Engel ist, ein Vertreter der Göttlichkeit. Der Jabbok-Fluss (auch Jordan genannt) trennt Jakob von Kanaan, dem Gelobten Land. Jakob versucht also im Grunde, auf altmodische Weise Frieden zwischen den besseren und schlechteren Elementen seiner menschlichen Natur zu schließen, damit er einfach ein anständiges Leben führen kann. Es ist ein faszinierendes Thema, das Gauguin für dieses Gemälde gewählt hat, denn das Gemälde selbst hat unter Kunsthistorikern eine ähnliche Art von Deutung erfahren. Es gilt als Wendepunkt im postimpressionistischen Marsch zur Abstraktion. Es ist ein passendes Thema für ein Gemälde, das eine entscheidende Rolle im Prozess spielt, in dem Künstler mit ihren Dämonen ringen, während sie versuchen, Frieden mit dem zu schließen, was Kunst sein soll, um einfach anständige Werke schaffen zu können.

Die Illusionen beseitigen

Gauguin gehörte zu einer kleinen Gruppe von Malern im späten 19. Jahrhundert, die glaubten, dass ein Gemälde vor allem erst einmal nur Farben auf einer Oberfläche sind, bevor es zu einem illusionären Bild wird. Der Prozess, die Farbe und die Oberfläche in etwas Realistisches zu verwandeln, wie ein Bild von etwas Erkennbarem, kam erst später, nachträglich. In den Köpfen dieser fortschrittlichen Künstler war dieser spätere Schritt nicht mehr so wichtig und begann sogar überflüssig zu erscheinen. Sie begannen, Dinge wie Farbe und Oberfläche für sich allein zu schätzen, unabhängig davon, welche Formen, Gestalten und illusionären Räume sie zu schaffen versuchten. Im Allgemeinen begann diese Denkweise mit dem Impressionismus, einem Stil, der sich auf die Lichtqualität in einem Bild konzentrierte. Aber die Epoche, die heute als Postimpressionismus bekannt ist, ist die Zeit, in der solche Ideen wirklich aufkamen.

Die Liste der postimpressionistischen Bewegungen, die die Malerei auf ihre formalen Elemente reduzierten und schließlich zur reinen Abstraktion führten, ist lang. Sie umfasst Symbolismus, Synthetismus, Cloisonnismus, Fauvismus, Kubismus und viele weitere -ismen. Jede dieser Bewegungen entstand in relativ schneller Folge in den letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Jede verfolgte eine bestimmte Absicht, indem sie ein oder mehrere Elemente der klassischen Kunst isolierte und unterwandert, um etwas Neues über das Potenzial der Malerei zu entdecken. Zu den Elementen, die diese Künstler zu beseitigen suchten, gehörten Perspektive, Farbverläufe, realistische Farben, verständliche Bildinhalte und die Vorstellung, dass Formen und Gestalten Elemente der realen Welt darstellen müssen. Ein wesentlicher Aspekt von Vision nach der Predigt, der es so ikonisch für diesen allgemeinen Drang zur Abstraktion macht, ist, dass es fast alle diese Elemente auf einmal angeht.

Perspektive und Farbverlauf

Perspektive und Farbverlauf sind zwei der wichtigsten, definierenden Elemente klassischer Malstile. Zusammen können sie einem Gemälde ein starkes Gefühl von Wirklichkeit verleihen, weil sie den illusionären Raum im Bild schaffen. Perspektive gibt einem Gemälde Tiefe und das Gefühl, dass die körperlichen Formen im illusionären Raum für das Auge Sinn ergeben, so wie im wirklichen Leben. Egal wie fotografisch perfekt ein Gemälde ist, ohne ein Gefühl für realistische Perspektive ist die Illusion zerstört. Gleichzeitig verleiht der allmähliche Farbverlauf den Tönen der Objekte im Gemälde ihre realistischen Eigenschaften. Hautfarbe ist nicht nur eine Farbe, sondern Hunderte, vielleicht Tausende von Farben, die allmählich ineinander übergehen. Ohne Farbverlauf wirken Farben unrealistisch und das Bild beginnt unheimlich oder sogar absurd zu erscheinen.

Vision nach der Predigt beseitigt fast vollständig sowohl Perspektive als auch Farbverlauf, wenn auch nicht ganz. Gauguin nutzte geschickt das religiöse Thema, um zu verwischen, ob das Bild realistisch gemeint ist oder nicht. Es zeigt eine Gruppe von scheinbaren Nonnen und einen Priester, die zusammen in einer Reihe stehen, einige stehend, einige kniend. Perspektive wird für diesen Teil des Bildes einigermaßen traditionell verwendet. Der Rest des Bildes wirkt jedoch eher wie ein Traum. Offenbar hat eine Predigt stattgefunden, und diese Nonnen kommen danach aus der Kirche. Die Predigt muss die Geschichte von Jakob sein, der mit seinen Dämonen kämpft, denn dieses Bild spielt sich vor den Augen der Nonnen in einem mystischen, fast surrealistischen Raum im oberen Teil des Bildes ab. In diesem Bereich des Rahmens gibt es keinen Versuch von Perspektive, keine Tiefe und fast eine vollständige Beseitigung des Farbverlaufs. Das Bild ist sozusagen flachgelegt.

Paul Gauguin - Vision nach der Predigt, 1888, Öl auf Leinwand, 72,20 x 91,00 cm

Unnatürliche Farben und Formen

Die Farben in Vision nach der Predigt sind nicht ganz so gewagt, wie sie es später in den Werken der Fauvist-Maler werden sollten. Aber in diesem Gemälde machte Gauguin einen großen Schritt in diese Richtung, indem er mutig einen großen Bereich des Bildes in dem, was er „reines Zinnoberrot“ nannte, malte. Zinnoberrot ist ein rotes Pigment, das früher häufig in der Malerei verwendet wurde. Es wurde aus einem Mineral namens Zinnober gewonnen, das so viel Quecksilber enthielt, dass schon in der Römerzeit bekannt war, dass der Abbau des Minerals einem Todesurteil gleichkam. Aus diesem Grund ist das Pigment heute schwer zu finden. Es ist giftig. Aber es verleiht diesem Werk einen besonders unheilvollen Ton. Das Rot kann als symbolische Farbe gesehen werden, die Wut, Tod und Gefahr andeutet. Es definiert das Bild als etwas Unwirkliches, Traumhaftes.

Was die Formen betrifft, so ist klar, dass Gauguin sie größtenteils realistisch darstellen wollte. Das Bild zeigt deutlich menschliche Figuren, eine Kuh, einen Baum und einen Mann, der mit einem Engel ringt. Doch es gibt Momente im Bild, die darauf hindeuten, dass Gauguin nicht so sehr daran interessiert war, die Wirklichkeit mit seinen Formen zu kopieren, sondern vielmehr von den Eigenschaften der Formen selbst fasziniert war. Das zeigt sich am deutlichsten an den Kopfbedeckungen der Nonnen. Beginnend mit der Kopfbedeckung im Vordergrund unten rechts im Bild ist die Form auf ihr geometrisches Wesen reduziert. Im ganzen Bild folgt Gauguin immer wieder dieser Tendenz. Würde man die Gesichter aus dem Bild entfernen, würden die verbleibenden Farbflächen viel von ihrer erzählerischen Kraft verlieren, und das Bild könnte leicht in eine abstrakte Komposition übergehen.

Aufrichtige Absichten

Eine der Fragen, die oft bei der Diskussion über postimpressionistische Maler aufkommt, ist, ob sie wirklich genau wussten, was sie zu tun versuchten. Und natürlich ist die Antwort im Fall von Malern wie Gauguin ja. Er und seine Zeitgenossen, wie Paul Sérusier, Maurice Denis und Émile Bernard, waren eifrige Philosophen, Schriftsteller und Experimentatoren. Sie hatten sich fest vorgenommen, die Definition von Malerei und die Bedeutung von Kunst aufzubrechen. Sie gingen bewusst der Frage nach, was, wenn überhaupt, an Kunst kontemplativ, übersteigend und sogar geistlich sein könnte, abgesehen von ihrem erzählerischen Inhalt.

Tatsächlich habe ich persönlich den Eindruck, dass ein anderes Gemälde, das ein Jahr vor Vision nach der Predigt entstand, viel weiter ging, um die verborgenen Möglichkeiten der Abstraktion zu entdecken. Dieses Gemälde ist Der Talisman, gemalt von Paul Sérusier am letzten Tag des Jahres 1887. Der Legende nach ermutigte Gauguin Sérusier, dieses Werk zu malen. Wie dem auch sei, es ist wirklich bahnbrechend. Würde man nur ein Paar grüner Linien, die durch die Mitte des Bildes verlaufen, entfernen, wäre es völlig abstrakt. Es würde fast perfekt den Werken ähneln, die Hans Hofmann eine Generation später schuf. Es ist das Wesen des Synthetismus, des Stils, dem Gauguin sich zuordnete, indem es die äußere Essenz natürlicher Formen synthetisiert, ohne sie genau zu kopieren, mit einem Gefühl dafür, wie der Künstler gegenüber den Formen im Bild empfindet, und reiner ästhetischer Betrachtung von Farbe, Linie und Form. Dennoch ist Vision nach der Predigt offensichtlich auch wichtig, da es viele der gleichen Ideen zeigt und somit einen klaren Wendepunkt auf dem Weg zur reinen Abstraktion darstellt.

Abgebildetes Bild: Paul Gauguin - Vision nach der Predigt (Detail), 1888, Öl auf Leinwand, 72,20 x 91,00 cm

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

Von Phillip Barcio