Warum Laura Owens' Ansatz zur Malerei so innovativ ist

Mehr als einmal habe ich einen Künstler sagen hören, dass Laura Owens die Malerei gerettet hat. Das ist eine merkwürdige Aussage. Sie impliziert, dass die Malerei irgendwann in Gefahr war, zerstört zu werden, vermutlich in den letzten vier Jahrzehnten, denn so lange lebt Laura Owens bereits – und dass sie deshalb einen Retter brauchte. Solche akademischen Theorien wie die, die sagen, Malerei sei tot oder sterbe oder habe nie gelebt, sind nicht beweisbar und können daher manchmal sowohl komisch als auch quälend sein, ihnen zuzuhören. Aber sie haben einen Punkt. Sie sollen die Haltung vermitteln, dass Kunst relevant bleiben muss. Zu sagen, Malerei müsse gerettet werden, bedeutet einfach, dass die Malerei Gefahr läuft, bedeutungslos zu werden. Und zu sagen, dass Laura Owens die Malerei gerettet hat, bedeutet nur, dass sie diese Gefahr zumindest vorübergehend hat abwenden können. Aber eine Frage, die es wert ist, gestellt zu werden, lautet: Wofür soll Malerei relevant sein? Für die Gesellschaft? Vielleicht. Aber wichtiger ist, dass Malerei für die Maler relevant bleiben muss. Jeder neue Maler, der darüber nachdenkt, einen Pinsel in die Hand zu nehmen – das ist derjenige, der von der Bedeutung und dem Potenzial dessen überzeugt werden muss, was er vorhat. Wenn Leute sagen, Laura Owens habe die Malerei gerettet, meinen sie meist genau das. Sie meinen, dass diese Künstlerin durch ihr Beispiel ein Zeugnis dafür ist, warum es wichtig ist, dass Menschen weiterhin Pinsel in die Hand nehmen, Leinwände spannen und ihre Spuren hinterlassen. Deshalb wird sie von Malern aller Altersgruppen als Inspiration genannt. Und deshalb wurde sie 2003, nur neun Jahre nach ihrem Abschluss, die jüngste Künstlerin, der im Museum für Gegenwartskunst in Los Angeles seit dessen Eröffnung 1979 eine Retrospektive gewidmet wurde. Und deshalb wurde sie in diesem Jahr als erste Künstlerin überhaupt für eine Retrospektive in der Mitte ihrer Karriere am neuen Standort des Whitney Museum of American Art in New York ausgewählt.

Fürchte dich vor nichts

Im Zusammenhang mit der aktuellen Retrospektive von Laura Owens (zu sehen bis 4. Februar 2018) veröffentlichte das Whitney ein monumentales Buch, das jeden Aspekt von Owens’ bisherigem Beitrag zur Kunst detailliert beschreibt. Es ist buchstäblich eines der größten Kunstbücher aller Zeiten. Es umfasst mehr als 600 Seiten mit historischen und wissenschaftlichen Texten über ihr Leben und ihre Kunst und zeigt hunderte Fotografien ihrer Werke. Aber ein Eintrag darin sticht für mich als wesentlich hervor, nicht nur zum Verständnis von Laura Owens als Person oder Malerin, sondern auch zum Verständnis derjenigen, die sie als persönliche Heldin ansehen. Dieser Eintrag ist eine Kopie einer Liste, die Owens in ihren Zwanzigern in ihr Tagebuch schrieb mit dem Titel „Wie man die beste Künstlerin der Welt wird“.

Die Liste, die dank einer Erwähnung in einem aktuellen New Yorker Porträt von Owens von Peter Schjeldahl in den sozialen Medien schnell Verbreitung findet, enthält Ratschläge, die so einfach sind wie „Groß denken“ und „Wenig sagen“ und so kompliziert wie „Wisse, dass wenn du dich nicht für eine Künstlerin entschieden hättest, du sicherlich Weltherrschaft, Massenmord oder Heiligkeit in Betracht gezogen hättest.“ Aber der wichtigste Punkt auf dieser Liste ist meiner Meinung nach: „Fürchte dich vor nichts.“ Diese eine Anweisung hat alle Werke definiert, die Owens bisher geschaffen hat, ebenso wie die Kritik, die sie ertragen hat, die Fehler, aus denen sie gelernt hat, und die Kämpfe, von denen sie sich nicht hat abwenden lassen. Sie ist das Kennzeichen ihres Erfolgs und der Grund, warum man sagt, sie habe die Malerei gerettet.

Laura Owens – Ohne Titel, 1997. Öl, Acryl und mit der Airbrush aufgetragenes Öl auf Leinwand, 243,8 × 304,8 cm (96 × 120 Zoll). Whitney Museum of American Art, New York; versprochenes Geschenk von Thea Westreich Wagner und Ethan Wagner P.2011.274, © die Künstlerin

Wovor es zu fürchten gilt

Die erste furchteinflößende Sache, die Owens leicht von ihrer Laufbahn als Malerin hätte abbringen können, war die vorherrschende Voreingenommenheit dessen, was man eigentlich den Kunstakademie-Industriekomplex nennen müsste. Als Studentin an der Rhode Island School of Design (RISD) sah sie sich dem Sexismus eines Malprofessors ausgesetzt, der nur die männlichen Maler im Kurs ermutigte, abstrakt zu arbeiten. Als Studentin im Masterprogramm am California Institute of the Arts (CalArts) sah sie sich einer kritischen Masse von Lehrern und Kommilitonen gegenüber, die predigten, Malerei sei überholt und nur „Postkonzeptualismus“ könne die komplexen Verflechtungen von Formalismus, Kunstgeschichte und gesellschaftlichen Fragen in der zeitgenössischen Welt angemessen behandeln.

Owens ignorierte all diese Vorurteile, wenn nicht immer furchtlos, so doch trotz ihrer Angst – und das ist die wahre Definition von Mut. Sie gründete einen Club mit anderen weiblichen abstrakten Künstlerinnen an der RISD. Und sie widersetzte sich ihren Lehrern und Kommilitonen am CalArts und nahm die Malerei als ihr zentrales ästhetisches Anliegen an. Sie schuf Gemälde, die das ausdrückten, was in der Malerei wirklich noch nie zuvor ausgedrückt worden war: Laura Owens. Wenn man die Vielfalt der Werke betrachtet, die in der aktuellen Whitney-Retrospektive gezeigt werden, sieht man eine scheinbar fantastische Bandbreite an Stilen und Themen. Alles ist verschieden, aber alles ist gleich, weil alles persönlich ist. Wie Walt Whitman von sich selbst sagte, enthält Laura Owens Vielgestaltigkeit. Wir alle tun das. Owens hat die Malerei gerettet, weil sie uns daran erinnert. Sie erinnert uns daran, dass der Weg, sich vor einer Leinwand nicht zu fürchten, einfach darin besteht, sich die Freiheit zu nehmen, das zu malen, was einzigartig das eigene ist. Drücke dich aus. Das ist es, was sie tut. Und ihr Werk zu verstehen ist wirklich so einfach.

Laura Owens – Ohne Titel, 2000. Acryl, Öl und Graphit auf Leinwand, 182,9 x 168,9 cm (72 x 66 1/2 Zoll). Collezione Giuseppe Iannaccone, Mailand (links) und Ohne Titel, 2006. Acryl und Öl auf Leinen, 142,2 x 101,6 cm (56 x 40 Zoll). Charlotte Feng Ford Sammlung (rechts), © die Künstlerin

356 Mission

Es ist besonders passend, dass diese erste große Retrospektive von Laura Owens seit 14 Jahren vom Whitney Museum of American Art veranstaltet wird. An Owens ist etwas einzigartig Amerikanisches, über ihre Staatsbürgerschaft hinaus. Zum Teil liegt es an ihrer Arbeit, die mutig und frei ist – zwei feste, grundlegende Eigenschaften, die in der Seele aller Amerikaner verankert sind, egal ob sie in Amerika geboren wurden oder dort leben oder nicht. Aber das, was Owens derzeit am stärksten amerikanisch prägt, ist das, was sie neben der Malerei in ihrem Buchladen/Galerie/öffentlichen Versammlungsort in der 356 South Mission Road in Los Angeles tut.

2012 suchte Owens in Los Angeles, der Stadt, die damals seit Jahrzehnten ihr Zuhause war, nach einem ausreichend großen Raum, um eine neue Werkreihe auszustellen – eine Serie von Gemälden, die so riesig waren, dass sie vor Ort gebaut werden mussten, da sie viel zu schwer zu transportieren gewesen wären. Sie fand ein leeres Lagerhaus im Stadtteil Boyle Heights in LA, das perfekt war. Mit Hilfe von zwei Partnern mietete sie den Raum und zeigte 2013 ihre geplante Ausstellung. Ich hatte das Vergnügen, diese Ausstellung zu besuchen, und ging mit dem Gefühl hinaus, gerade die kraftvollste Gemäldeausstellung meines Lebens gesehen zu haben. Die Galerie war riesig, industriell, und doch wurde sie von der Präsenz der Werke überragt. Vor dem Raum befand sich ein Buchladen, und hinten wurden Speisen serviert, Musik spielte, und Menschen unterhielten sich und lachten.

Laura Owens – Ohne Titel (Detail), 2012. Acryl, Öl, Vinylfarbe, Kohle, Garn und Schnur auf handgefärbtem Leinen, 33 Tafeln, je 90,2 x 84,5 cm (35 1/2 x 33 1/4 Zoll). Sammlung Maja Hoffmann/LUMA Foundation (links) und Ohne Titel (Detail), 2012. Acryl, Öl, Vinylfarbe, Kohle, Garn und Schnur auf handgefärbtem Leinen, 33 Tafeln, je 90,2 x 84,5 cm (35 1/2 x 33 1/4 Zoll). Sammlung Maja Hoffmann/LUMA Foundation (rechts), © die Künstlerin

Der amerikanische Weg

Nach dieser Erstausstellung entschied sich Owens, den Raum weiter zu mieten. Sie zeigte Ausstellungen anderer Künstler, veranstaltete Kurse und Vorträge und organisierte Filmvorführungen. Und warum nicht? Der Raum war frei. Das ist Amerika. Warum sollte jemand nicht jeden Raum mieten können, den er möchte? Doch ihre Präsenz im Viertel hat seitdem unter einigen Anwohnern einen Sturm der Entrüstung ausgelöst. Owens wird als unerwünschte Besetzerin und Vorbote der Gentrifizierung gesehen. Demonstranten, die sich gegen die Gentrifizierung in Boyle Heights einsetzen, versammelten sich vor dem Whitney Museum, um gegen die Owens-Retrospektive zu protestieren. Sie protestieren auch regelmäßig vor ihrem Raum in Boyle Heights.

Owens hat sich mit Vertretern der Protestgruppen getroffen, um Verständnis zu erreichen, doch sie fordern, dass sie geht, und akzeptieren nichts anderes. Sie wollen auch, dass sie öffentlich erklärt, dass es falsch war, dorthin zu kommen, und dass sie ihre Lektion gelernt hat. Aber Owens geht nicht. Noch nicht. Sie ist mutig. Sie hat das Recht, dort zu sein. Diese Einschüchterung durch Anti-Gentrifizierungsprotestler unterscheidet sich nicht von den Aktionen, die uns die Geschichte von denen zeigt, die Menschen mit anderer Hautfarbe, religiösen Minderheiten oder Flüchtlingen Angst machen, um sie daran zu hindern, Geschäfte zu eröffnen oder Häuser in „ihren Vierteln“ zu kaufen. Amerika hat eine lange Geschichte solcher Unsinnigkeiten. Aber es hat auch eine lange Tradition der Vielfalt und des Widerstands gegen die Kräfte der Spaltung. Wenn Sie die Gelegenheit haben, ihre aktuelle Whitney-Retrospektive zu sehen, tun Sie es bitte, nicht nur um zu entdecken, warum Laura Owens die Malerei gerettet hat, sondern auch um Ihre Unterstützung für jemanden zu zeigen, der Mut, Einfallsreichtum, Originalität und Individualität verkörpert – vier Eigenschaften, die definieren, was es bedeutet, Künstlerin, Amerikanerin und freier Mensch zu sein.

Titelbild: Laura Owens – Ohne Titel, 1997. Acryl und Öl auf Leinwand, 198,1 x 213,4 cm (78 x 84 Zoll). Sammlung Mima und César Reyes. © die Künstlerin

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio