6 Artistas Abstractas Femeninas Importantes del Sur de Asia

Otra exposición de museo marginada por la pandemia de COVID-19 es Fault Lines: Contemporary Abstraction by Artists from South Asia, que se inauguró en el Philadelphia Museum of Art a principios de primavera, justo antes de que la ciudad entrara en confinamiento. La exposición se centra en obras de seis artistas abstractas femeninas del sur de Asia: Tanya Goel, Sheela Gowda, Priya Ravish Mehra, Prabhavathi Meppyail, Nasreen Mohamedi y Zarina. La curaduría es multigeneracional y reúne una amplia gama de posiciones estéticas, destacando solo una pequeña muestra de la diversidad que existe dentro de la abstracción contemporánea del sur de Asia. Como sugiere el título de la muestra, cada pieza hace algún tipo de uso del elemento formal de la línea. Sin embargo, igualmente importante es la palabra “fault” (falla). La curadora Amanda Sroka claramente tomó la decisión de centrar a artistas y obras que van más allá de las preocupaciones formalistas, hacia el ámbito de un comentario cultural más amplio. Una y otra vez en la muestra, la materialidad se mezcla con el significado mientras estas artistas desmenuzan nuestras diversas fallas para examinar las zonas liminales, transformadoras y cambiantes en las que se desarrollan nuestras preocupaciones sociales más apremiantes, proporcionando un comentario poético sobre temas como los roles de género, el cambio climático, la migración humana, los conflictos políticos, la identidad personal y la intolerancia religiosa. IdeelArt ofrece una mirada más cercana a las prácticas de cada uno de los seis artistas presentados en esta exposición que reabrirá el 6 de septiembre.

Zarina Hashmi (n. 1937, Aligarh, m. 2020, Londres)

IdeelArt perfiló por primera vez a esta extraordinaria artista, que prefería ser llamada simplemente Zarina, cuando falleció el pasado mayo. Profundamente afectada por la partición de India cuando era niña, Zarina dedicó su práctica en el estudio a la exploración de lo que significaba expresar sus experiencias personales a través del arte. Sus composiciones evocan el lenguaje de la abstracción geométrica, mientras incorporan referencias visuales a sus recuerdos cambiantes de un hogar que nunca estuvo fijo en un solo lugar, como mapas, casas y cartas escritas a mano. Siendo ella misma una migrante de toda la vida, la obra que se incluye en Fault Lines es su ahora icónica serie de xilografías, “Estas ciudades borradas en la wilderness (Adrienne Rich después de Ghalib)” (2003), que reduce mapas aéreos de lugares devastados por la guerra donde las fronteras son fluidas a composiciones mínimas, lineales, en blanco y negro.

Zarina Hashmi - 9 Obras: Estas ciudades manchadas en la naturaleza (Adrienne Rich después de Ghalib), 2003. Portafolio de nueve xilografías con texto en urdu impreso en negro sobre papel Okawara y montado en papel Somerset. Tamaño de la hoja: 16 x 14 in. (40.6 x 35.5 cm). Edición total 5/20. © Zarina Hashmi

Nasreen Mohamedi (n. 1937, Karachi, m. 1990, Vadodara)

Una contemporánea de varios miembros del Bombay Progressive Artists Group—una coalición suelta de artistas a mediados del siglo XX que se dedicaron a conectar los estilos predominantes de India con los de la cultura occidental contemporánea—Nasreen Mohamedi se inspiró en el espiritualismo de Wassily Kandinsky y Kazimir Malevich. Desarrolló un lenguaje visual distintivo que le permitió destilar sus interacciones con el tiempo, el espacio y el mundo natural en composiciones abstractas geométricas matizadas. Aunque frecuentemente complejos y en capas, sus dibujos basados en líneas poseen una quietud contemplativa.

Nasreen Mohamedi - Sin título, 1975. Tinta y gouache sobre papel. 19 x 24 in (48.3 x 61 cm). El Museo Metropolitano de Arte.

Sheela Gowda (n. 1957, Bhadravati)

El proceso de construir físicamente sus obras de arte es esencial para Sheela Gowda. Ella construye sus esculturas e instalaciones a partir de materiales cotidianos que las mujeres en India utilizan en sus oficios y actividades laborales. Para el pigmento, le gusta usar polvo de kumkuma, que se utiliza para colorear la frente en ceremonias espirituales en India, y puede relacionarse con los siete vórtices de energía humana conocidos como chakras. Gowda tiene dos obras en Fault Lines: una hecha de latas de aceite, que se asemeja a una casa rectangular y precaria; y una que utiliza ladrillos de estiércol de vaca y pigmento para crear una línea curva y minimalista en el suelo. Aunque sus obras contienen frecuentemente elementos narrativos y se relacionan claramente con preocupaciones feministas contemporáneas, Gowda cree que el significado está incrustado en sus realidades materiales y considera que sus obras son abiertas y abstractas.

Sheela Gowda - Sin título, 1997, vista de instalación. 10 piezas: hilo, pigmento, agujas. Dimensiones variables (aprox. 120 x 300 pulgadas) +91 Foundation (Colección de Shumita y Arani Bose), Nueva York. Foto cortesía del Museo de Arte de Filadelfia.

Priya Ravish Mehra (1961 - 2018, Nueva Delhi)

A través de su especialización en el tejido textil, Priya Ravish Mehra desarrolló una práctica multidisciplinaria que elucida poéticamente la intersección del arte fino, la artesanía y la vida cotidiana. Sus delicadas obras de papel tejido poseen una belleza y estructura intensas, pero delicadas. Mehra era reconocida como una experta en el poco comprendido trabajo de los Rafoogari, individuos que remiendan o conservan ropa y otros textiles dañados. Tenía raíces ancestrales en la tradición y veía a los rafoogars como sanadores de la tela. Explicó que sus obras de Rafoogari, que empleaban los mismos métodos tradicionales para crear composiciones complejas, en capas, dimensionales y abstractas, podían interpretarse como sus intentos de sanar "el tejido corroído de la vida". La obra presentada en Fault Lines une las artes de la fabricación de papel y el tejido, fusionando un lenguaje de líneas y formas geométricas y biomórficas como un ejemplo icónico de su visión totemica y minimalista.

Priya Ravish Mehra - Sin título 5, 2016. Fragmento de tela de yute con pulpa de daphne. 62.2 x 45.7 cm. © Priya Ravish Mehra

Prabhavathi Meppayil (nacida en 1965, Najibabad)

Con raíces ancestrales en la joyería y la metalistería, y un estudio rodeado de orfebres, los metales son de vital importancia para el trabajo de Prabhavathi Meppayil. Sin embargo, su uso de este medio tiene poco que ver con la ornamentación o la utilidad. Le interesa la forma en que el metal coexiste con sus soportes escultóricos, que tienden a ser blancos o de otro monocromo apagado. Crea composiciones mínimas, en forma de cuadrícula, con varios elementos metálicos, que adquieren la presencia de una especie de escritura contra el fondo en blanco. La obra que Meppayil creó para Fault Lines consiste en una fila de dieciséis paneles cuadrados pintados con gesso blanco. Incorporados en las superficies de los paneles hay alambres de cobre. El gesso oculta parcialmente los alambres, transformando la obra en una especie de palimpsesto, o manuscrito que está en proceso de ser borrado. Las cualidades abstractas de la obra se contrastan con el sentido literal de que esta artista está borrando y reescribiendo la historia de su medio.

Prabhavathi Meppayil - se/cien seis, 2018. Panel de gesso estampado con thinnam. 31 9/10 x 37 1/10 x 1 1/10 in (80.96 x 94.3 x 2.86 cm). Esther Schipper © Andrea Rossetti

Tanya Goel (n. 1985, Nueva Delhi)

Tanya Goel crea sus propios pigmentos a partir de materiales que recoge de sitios de demolición arquitectónica en Nueva Delhi. Los patrones coloridos, complejos, en capas y geométricos que crea con estos pigmentos están incrustados con una especie de mapa material de la transformación de la India contemporánea. Sus composiciones también podrían interpretarse simplemente como visualizaciones de fórmulas matemáticas que Goel construye y luego viola libremente, fluctuando entre el orden y la libertad. Para Fault Lines, Goel creó una instalación específica del sitio que utiliza una composición mínima y lineal hecha de ladrillo natural mezclado con pigmento de polvo de índigo, aplicado en la pared con el tipo de línea de tiza utilizada por los trabajadores de la construcción, para mapear el cambio en el nivel del mar.

Tanya Goel - notación en x, y, z, 2015. Grafito, pigmento y aceite sobre lienzo. 213.3 x 274.3 cm (84 x 108 in). © Tanya Goel

Líneas de falla: Abstracción contemporánea de artistas del sur de Asia estará en exhibición en el Museo de Arte de Filadelfia hasta el 25 de octubre de 2020.

Imagen destacada: Tanya Goel - Mecanismos 3, 2019. Papel de seda teñido, bolígrafos de grafito, lápices de color y acrílico sobre lienzo. 243 x 198 cm (96 x 78"). © Tanya Goel
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio