Un nuevo libro celebra a Alice Trumbull Mason, pionera de la abstracción americana.

Alice Trumbull Mason fue una rareza en el campo del arte: una practicante tenaz motivada enteramente por el deseo de aprender. Mason falleció en 1971, a los 67 años, dejando tras de sí cientos de pinturas y grabados que la sitúan entre las artistas más previsoras y talentosas de su época. Inmune a las modas y dedicada sin cesar a la experimentación, creó un cuerpo de obra que trasciende el tiempo. Próximamente, la editorial Rizzoli Electa de Nueva York publicará una monografía importante que documenta más de 150 de sus pinturas y presenta ensayos profundos sobre Mason escritos por críticos de arte contemporáneos como Elisa Wouk Almino de Hyperallergic (ya se puede reservar). La evaluación más completa de su carrera hasta la fecha, será valorada por sus hermosas reproducciones a página completa de muchas de sus obras. Sin embargo, la recepción que el libro ya está teniendo es algo extraña. La extrañeza se refleja en el titular de una reseña reciente escrita por Roberta Smith para el New York Times, que llama a Mason una “Modernista Olvidada.” Esa afirmación, que Mason no fue apreciada en su tiempo o ha sido ignorada desde su muerte, es menos un hecho y más una hipérbole para alimentar el apetito del mercado del arte por obras y artistas supuestamente “pasados por alto.” La rechazo como teoría solo en este caso porque conozco a demasiados artistas reales que existen en el campo artístico real. La mayoría de los artistas desearían tener la carrera que tuvo Alice Trumbull Mason. Durante más de cuatro décadas, tuvo seis exposiciones individuales en la ciudad de Nueva York, cofundó American Abstract Artists, entabló amistad y aprendió de varios de los artistas más reconocidos de su tiempo, y vendió obras a algunas de las figuras más influyentes del mundo del arte, incluyendo a Hilla Rebay y Peggy Guggenheim. En una realidad donde la gran mayoría de los artistas nunca tienen una sola exposición individual en Nueva York, y nunca venden ninguna pintura, Mason fue un éxito rotundo. En lugar de permitir que el mercado del arte distorsione su legado para ajustarlo a su narrativa corrupta, deberíamos rendir respeto a lo que Mason realmente hizo.

Una Historia Personal del Arte

Un testimonio del tipo de artista que fue Alice Trumbull Mason se encuentra en los Archivos Smithsonian de Arte Americano, donde se donaron sus papeles personales. La colección incluye un cuaderno, en cuya portada Mason escribió a mano “Historia del Arte.” Dentro de sus páginas (que están disponibles para consultar en línea) hay reflexiones personales sobre las vidas y obras de un par de docenas de maestros clásicos. En lugar de leer y repetir la historia del arte, Mason viajó a Europa y visitó personalmente obras influyentes, tomándose tiempo también para aprender sobre los humanos que las crearon. Su libro personal de historia del arte incluye tanto observaciones plásticas como percepciones sobre la vida interior de los artistas. Ambas son igualmente reveladoras. Por ejemplo, señala que Miguel Ángel no quería pintar la Capilla Sixtina, y que también resentía a muchos de sus otros mecenas. El hecho de que se convirtiera en uno de los artistas más famosos de la historia era irrelevante para Mason—ella estaba más interesada en el hecho de que él era infeliz porque no tenía la libertad de pintar lo que quería.

Alice Trumbull Mason - #1 Hacia una Paradoja, 1969. Óleo sobre lienzo. 48.3 x 55.9 cm (19 x 22 pulg.). Galería Washburn, Nueva York.

Sobre el tema de la plasticidad del arte, Mason toma nota de una cita del escultor renacentista Donatello, quien dijo: “Pierdes la sustancia por la sombra.” En su caso, Donatello hablaba sobre los efectos de los cambios audaces en la claridad y oscuridad, conocidos como claroscuro. Aunque los detalles de una figura pueden perderse cuando la luz incide en los pliegues de una tela esculpida, o en las crestas de músculos esculpidos, el drama y el realismo emergen de la sensación percibida de profundidad que crea la sombra. Mason leyó algo aún más profundo en sus palabras. Vio en esta cita una referencia a la potencialidad de la abstracción. La sombra se convirtió en una metáfora de lo desconocido. Así como lo desconocido hacía que una escultura pareciera real para Donatello, lo desconocido representaba lo más real para Mason. Ella consideraba que el arte abstracto era el tipo de arte más representativo—era lo desconocido, en lugar de lo conocido, lo que ella trabajaba para representar.

Alice Trumbull Mason - Sin título, ca. 1939. Óleo sobre lienzo. 76.2 x 101.6 cm (30 x 40 pulg.). Galería Washburn, Nueva York.

Una Pionera Total

El título de la próxima monografía sobre Mason—Alice Trumbull Mason: Pionera de la Abstracción Americana—no podría ser más adecuado. Para mí, evoca el viejo dicho estadounidense de los primeros días de la expansión hacia el oeste: “Los pioneros son masacrados; los colonos se enriquecen.” El arte quizás nunca hizo rica a Mason, pero lo que se encuentra en las páginas de esta monografía es la evidencia de una artista que nunca se conformó. Ya en 1929, cuando tenía 25 años, Mason estaba dedicada a las posibilidades espirituales seculares contenidas en el arte abstracto. Estudió con gusto teorías contradictorias, oscilando entre el biomorfismo lírico de artistas como Wassily Kandinsky, Joan Miró y uno de sus mentores personales, Arshile Gorky, y la pureza plástica geométrica de artistas como Piet Mondrian. Osciló entre estas dos posiciones a lo largo de su vida. En 1945, cuando Hilla Rebay organizó la Exposición Conmemorativa de Kandinsky, que presentó 227 pinturas, Mason le escribió una carta personal a Rebay agradeciéndole por brindarle la oportunidad “de estudiar tan a fondo” gran parte de su obra en persona. Sin embargo, solo un año después, Mason ya estaba añadiendo rectángulos y lo que ella llamó estructura “arquitectónica” a sus composiciones en el espíritu Neo-Plástico de Mondrian.

Alice Trumbull Mason - Dibujo para "Abstracción Colorstructiva", 1947. Óleo sobre masonita. 67.3 x 58.4 cm (26 1/2 x 23 pulg.). Galería Washburn, Nueva York.

En última instancia, Mason se mantuvo fiel a dos principios rectores en su obra que eclipsaron cualquier preocupación superficial sobre el contenido. El primero fue su creencia—ya fuera haciendo pinturas o grabados, composiciones biomórficas o geométricas—en la importancia de la libertad personal en cuanto a qué arte crear y cómo crearlo. Y el segundo fue su conciencia de que el medio mismo es el elemento más importante y expresivo del arte abstracto. Como todos los grandes artistas, la magia de su obra no está en su currículum de exposiciones, ni en sus precios en subastas, ni en cuántos coleccionistas contemporáneos ahora conocen su nombre—está en la plasticidad ekfrástica de la pintura misma.

Imagen destacada: Alice Trumbull Mason - Bastón, rueca y vara, 1952. Óleo sobre lienzo. 87.3 x 106.7 cm (34 3/8 x 42 pulg.). Galería Washburn, Nueva York.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio