Un nuevo libro celebra a Alice Trumbull Mason, pionera de la abstracción americana.
Alice Trumbull Mason fue una rareza en el campo del arte: una practicante inquebrantable motivada enteramente por el deseo de aprender. Mason falleció en 1971, a los 67 años, dejando atrás cientos de pinturas y grabados que la colocan entre las artistas más perspicaces y talentosas de su tiempo. Inmune a las tendencias y dedicándose incansablemente a la experimentación, creó un cuerpo de trabajo que trasciende el tiempo. Un importante monográfico que documenta más de 150 de sus pinturas, y que presenta ensayos perspicaces sobre Mason por escritores de arte contemporáneo como Elisa Wouk Almino de Hyperallergic, está próximo a publicarse por Rizzoli Electa en Nueva York (se puede preordenar ahora). La evaluación más completa de su carrera hasta la fecha, será apreciada por sus hermosas reproducciones a página completa de tantas de sus obras. Sin embargo, la recepción que el libro ya está recibiendo es un poco extraña. La extrañeza está encarnada en el titular de una reciente reseña escrita por Roberta Smith para el New York Times, que llama a Mason una “Modernista Olvidada.” Esa afirmación, de que Mason no fue apreciada durante su tiempo, o ha sido ignorada desde su muerte, es menos un hecho y más una hipérbole para alimentar el apetito del mercado del arte por obras y artistas que supuestamente han sido “pasados por alto.” Lo rechazo como una teoría en este caso solo porque conozco a demasiados artistas reales que existen en el verdadero campo del arte. La mayoría de los artistas desearían tener la carrera que tuvo Alice Trumbull Mason. A lo largo de cuatro décadas, tuvo seis exposiciones individuales en la ciudad de Nueva York, cofundó American Abstract Artists, se hizo amiga y aprendió de varios de los artistas más reconocidos de su tiempo, y vendió obras a algunas de las figuras más influyentes en el mundo del arte, incluyendo a Hilla Rebay y Peggy Guggenheim. En una realidad donde la abrumadora mayoría de los artistas nunca tiene una sola exposición individual en Nueva York, y nunca vende ninguna pintura, Mason fue un éxito rotundo. En lugar de permitir que el mercado del arte deforme su legado para ajustarse a su narrativa corrupta, deberíamos rendir homenaje a lo que Mason realmente hizo.
Una historia personal del arte
Un testimonio del tipo de artista Alice Trumbull Mason que fue se puede encontrar en los Archivos de Arte Americano del Smithsonian, donde se donaron sus documentos personales. La colección incluye un cuaderno, en la portada del cual Mason escribió a mano "Historia del Arte". Dentro de sus páginas (que están disponibles para navegar en línea) hay reflexiones personales sobre las vidas y obras de un par de docenas de maestros clásicos. En lugar de leer y regurgitar la historia del arte, Mason viajó a Europa y visitó personalmente obras influyentes, tomándose el tiempo también para aprender sobre los humanos que las crearon. Su libro personal de historia del arte incluye tanto observaciones plásticas como percepciones sobre las vidas interiores de los artistas. Ambos son igualmente reveladores. Por ejemplo, ella señala que Miguel Ángel no quería pintar la Capilla Sixtina, y que resentía a muchos de sus otros mecenas también. El hecho de que se convirtiera en uno de los artistas más famosos de todos los tiempos era irrelevante para Mason; le interesaba más el hecho de que estaba infeliz porque no tenía la libertad de pintar lo que quería.
Alice Trumbull Mason - #1 Hacia un Paradoja, 1969. Óleo sobre lienzo. 19 x 22 in (48.3 x 55.9 cm). Washburn Gallery, Nueva York.
Sobre el tema de la plasticidad del arte, Mason toma nota de una cita del escultor renacentista Donatello, quien dijo: “Pierdes la sustancia por la sombra.” En su caso, Donatello hablaba sobre los efectos de los cambios audaces en la claridad y la oscuridad, conocidos como claroscuro. Aunque los detalles de una figura pueden perderse cuando la luz golpea los pliegues de un tejido esculpido, o las aristas de los músculos esculpidos, el drama y el realismo emergen de la percepción de la profundidad que crea la sombra. Mason leyó algo aún más profundo en sus palabras. Ella vio en esta cita una referencia a la potencialidad de la abstracción. La sombra se convirtió en una metáfora de lo desconocido. Así como lo desconocido hacía que una escultura pareciera real para Donatello, lo desconocido representaba lo más real para Mason. Ella consideraba que el arte abstracto era el tipo de arte más representativo; era lo desconocido, en lugar de lo conocido, lo que estaba trabajando para representar.
Alice Trumbull Mason - Sin título, ca. 1939. Óleo sobre lienzo. 30 x 40 in (76.2 x 101.6 cm). Washburn Gallery, Nueva York.
Un pionero total
El título de la próxima monografía de Mason—Alice Trumbull Mason: Pionera de la Abstracción Americana—no podría ser más apropiado. Para mí, evoca el viejo adagio americano de los primeros días de la expansión hacia el oeste: “Los pioneros son masacrados; los colonos se enriquecen.” El arte puede que nunca haya hecho de Mason una fortuna, pero lo que encuentras dentro de las páginas de esta monografía es evidencia de una artista que nunca se conformó. Desde 1929, cuando tenía 25 años, Mason estaba dedicada a las posibilidades espirituales seculares contenidas en el arte abstracto. Estudió con gusto teorías conflictivas, oscilando entre el biomorfismo de artistas como Wassily Kandinsky, Joan Miró, y uno de sus mentores personales, Arshile Gorky, y la pureza plástica geométrica de artistas como Piet Mondrian. Osciló entre estas dos posiciones a lo largo de su vida. En 1945, cuando Hilla Rebay organizó la Exposición Conmemorativa de Kandinsky, que presentó 227 pinturas, Mason escribió una carta personal a Rebay agradeciéndole por brindarle la oportunidad “de estudiar tan plenamente” tanto de su obra en persona. Sin embargo, solo un año después, Mason ya estaba añadiendo rectángulos, y lo que ella llamaba estructura “arquitectónica”, a sus composiciones en el espíritu Neo-Plástico de Mondrian.
Alice Trumbull Mason - Dibujo para "Abstracción Colorstructiva", 1947. Óleo sobre masonita. 26 1/2 x 23 in (67.3 x 58.4 cm). Washburn Gallery, Nueva York.
En última instancia, Mason se mantuvo fiel a dos principios rectores en su trabajo que eclipsaron cualquier preocupación superficial sobre el contenido. El primero era su creencia—ya fuera que estuviera haciendo pinturas o grabados, composiciones biomórficas o geométricas—en la importancia de la libertad personal en lo que respecta a qué arte crear y cómo crearlo. Y el segundo era su conciencia de que el medio mismo es el elemento más importante y expresivo del arte abstracto. Como todos los grandes artistas, la magia de su trabajo no está en su currículum de exposiciones, ni en sus precios de subasta, ni en cuántos coleccionistas contemporáneos conocen ahora su nombre—está en la plasticidad ekfrástica de la pintura misma.
Imagen destacada: Alice Trumbull Mason - Personal, Distaff y Vara, 1952. Óleo sobre lienzo. 34 3/8 x 42 in (87.3 x 106.7 cm). Washburn Gallery, Nueva York.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
