Una "Artista de Formas Vivas" - Elizabeth Murray
A lo largo de su carrera de 40 años, Elizabeth Murray construyó un legado estético único, uno que era indudablemente serio, y sin embargo también imposible de no sonreír ante él. Como artista, ejemplificó visión, humor y curiosidad. La ubico en la tradición de Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring y Alexander Calder, artistas que comprendieron la importancia del juego. Y como persona, ejemplificó astucia callejera y simpatía, irradiando una naturaleza aparentemente sin esfuerzo, casual y amigable. Su sentido de sí misma se estableció en su juventud, cuando con frecuencia estuvo casi sin hogar. Aprendió desde joven las lecciones de autosuficiencia y trabajo duro. También mostró un temprano interés por el arte, recordando que ya en quinto grado vendía sus dibujos a sus compañeros. Su cautivador y maduro estilo visual fue primero cultivado en su ciudad natal, Chicago, y luego en Oakland, dos ciudades con reputación, especialmente durante los años 60, de criar artistas idiosincráticos y rebeldes con grandes ideas. Justo antes de su muerte, Murray fue celebrada con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Presentó aproximadamente 75 obras que abarcan su carrera. Con toda su evolución finalmente expuesta a la vez, se reveló en vívidos colores la profundidad de su imaginación, la intensidad de su concentración y la fantasía y elegancia de su contribución al arte abstracto.
La imaginista esperanzada
Una idea básica de la evolución estética que Murray fomentó a lo largo de su carrera puede obtenerse de su sitio web. Allí se muestra un vistazo de toda su producción, organizada cronológicamente desde 1976 hasta 2007. Muestra claramente que las semillas de su estilo pictórico maduro estaban presentes en sus primeras obras. También son evidentes las influencias de las dos ciudades donde aprendió su oficio. Para su grado universitario, Murray asistió al Instituto de Arte de Chicago (AIC). Estuvo allí durante una época en que los artistas asociados con The Monster Roster, The Hairy Who y los Chicago Imagists alcanzaban su apogeo en esa ciudad. Compartía la conexión con las formas surrealistas y el color vívido por los que esos grupos eran conocidos. También, como muchos de esos artistas, Murray creó obras personales. No dialogaba con la cultura comercial más amplia, como tendían a hacer los artistas Pop de su generación, sino que mantenía un diálogo con algo interno.
Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, De la serie Una serie de 6 obras únicas, litografía/pantalla tridimensional multicolor, recortada, collage y pintada a mano por la artista, 50 × 47 1/2 × 6 pulgadas, 127 × 120.7 × 15.2 cm, Edición de 6, Gemini G.E.L. en Joni Moisant Weyl, Nueva York, © Elizabeth Murray
Esas primeras pinturas también revelan que a Murray no le faltaba el desencanto tan a menudo asociado con los movimientos figurativos de Chicago de los años 60. Eso pudo haber sido lo que la atrajo a California tras graduarse del AIC. Ingresó a Mills College en Oakland en 1962, donde obtuvo su maestría. En ese momento, el Área de la Bahía era el epicentro del Arte Funk. Murray estaba en sintonía con el ingenio, la ambigüedad y la sensualidad poco convencional que definían ese movimiento. Sus experiencias en el oeste la empoderaron para perseguir sin reservas su propia voz. Para cuando se mudó a Nueva York en 1967, contaba con una posición estética idiosincrática y segura, y sabía que no debía preocuparse por lo que hacían otros artistas. Le tomó un tiempo establecerse en Nueva York, pero su primera exposición fue importante: la Exposición Anual 1972 de Pintura Americana Contemporánea en el Museo Whitney de Arte Americano. Las obras de Murray eventualmente se unieron a la colección permanente de esa institución, junto con la del MoMA, el Guggenheim, el Walker, el Met y más de 50 otros museos de arte prominentes en todo el mundo.
Elizabeth Murray - Sin título, 1991, tinta india, lápiz de color y gouache sobre papel con collage, 10 2/5 × 10 7/10 pulgadas, 26.4 × 27.3 cm, Galería Pace, © Elizabeth Murray
De la superficie a la forma
Por lo que más se recuerda a Murray hoy es por su último conjunto de obras: configuraciones complejas, interconectadas y de gran escala de lienzos con formas recortadas. Su camino hacia ese punto, en retrospectiva, parece casi inevitable. Desde el principio le interesó la fuerza vital de las formas. Sobre su pintura de 1976 Beginner, dijo que “quería tratar con una forma orgánica que pudiera leerse de muchas maneras visuales diferentes. Pensé en la pequeña espiral mars violeta como la voz o el corazón o la verdadera parte interior de la forma.” Fue por esa misma época cuando comenzó a pintar sus composiciones sobre lienzos con formas inusuales, como triángulos y diamantes. Poco después, empezó a crear lienzos que eran las formas mismas: formas abstractas, biomórficas de su propia invención. Esto dio vida a sus composiciones de manera literal. Sobre una obra de este tipo, titulada Yikes, de su serie de tazas de café, Murray recordó: “Pensaba en la pintura paisajística cubista temprana; imagina caminar dentro de uno de esos paisajes de Braque.”
Elizabeth Murray - vista de instalación, Museo de Arte Moderno de Nueva York, © Archivos del Museo de Arte Moderno, Nueva York
La plena madurez de su visión es visible en obras maestras arquitectónicas como Everybody Knows (2007), la última pintura que Murray realizó antes de su muerte. El complicado y laborioso proceso de su creación fue capturado en un episodio de 2003 de Art 21. Como muestra, comenzó dibujando una composición en papel y luego construyendo un lienzo para cada forma. Finalmente, unió los lienzos recortados y les dio vida con capas de pintura. Sus obras finales son testimonios del talento magistral que Murray cultivó en su taller. No obstante, algunos en el mundo del arte menosprecian sus esfuerzos, llamando a su producción “arte menor” y burlándose de la alegría que inspira. Tales críticos solo revelan su propia incapacidad para comprender la seriedad subyacente de una artista fascinada con la historia del arte, el poder inherente del color y la forma, y las relaciones entre objetos. De todos modos, tales críticas no tuvieron efecto duradero. A pesar de su humildad y sentido del humor, Murray defendió su posición con firmeza. Su legendaria resistencia frente a quienes la menospreciaban la convirtió en un ícono del feminismo. Dejó un legado no solo de gran arte abstracto, sino también de humanidad y fortaleza. Demostró, como muchos antes que ella, que los artistas tienen el derecho de crear lo que deseen; y que un cuerpo de obra fuerte, seguro y magistral siempre sobrevivirá a sus críticos.
Elizabeth Murray - vista de instalación, Museo de Arte Moderno de Nueva York, © Archivos del Museo de Arte Moderno, Nueva York
Imagen destacada: Elizabeth Murray - vista de instalación, Museo de Arte Moderno de Nueva York, © Archivos del Museo de Arte Moderno, Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
