Una "Artista de Formas Vivas" - Elizabeth Murray
A lo largo de su carrera de 40 años, Elizabeth Murray construyó un legado estético único—uno que era indudablemente serio, y sin embargo, también uno que es imposible no sonreír. Como artista, ejemplificó visión, humor y curiosidad. La coloco en la tradición de Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring y Alexander Calder—artistas que comprendieron la importancia del juego. Y como ser humano, ejemplificó astucia y simpatía, exudando una naturaleza aparentemente effortless, casual y amigable. Su sentido de sí misma se estableció en su juventud, cuando frecuentemente estaba casi sin hogar. Aprendió desde joven las lecciones de autosuficiencia y trabajo duro. También mostró un temprano interés por el arte, recordando que desde el quinto grado vendía sus dibujos a sus compañeros de clase. Su cautivador y maduro estilo visual fue primero cultivado en su ciudad natal de Chicago, y luego más tarde en Oakland, dos ciudades con una reputación, especialmente durante la década de 1960, de criar artistas idiosincráticos y rebeldes con grandes ideas. Justo antes de su muerte, Murray fue celebrada con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Presentó aproximadamente 75 obras que abarcan su carrera. Con toda su evolución finalmente en exhibición a la vez, se reveló en vívidos colores la profundidad de su imaginación, la intensidad de su enfoque, y la fantasía y elegancia de su contribución al arte abstracto.
El imaginista esperanzado
Un sentido básico de la evolución estética que Murray fomentó a lo largo de su carrera se puede obtener de su sitio web. Allí se puede ver un vistazo de su producción total, organizada cronológicamente desde 1976 hasta 2007. Muestra claramente que las semillas de su estilo de pintura maduro estaban presentes en su trabajo más temprano. También son evidentes las influencias de las dos ciudades donde aprendió su oficio. Para su título de grado, Murray asistió al Art Institute of Chicago (AIC). Estuvo allí durante un tiempo en que los artistas asociados con The Monster Roster, The Hairy Who y los Chicago Imagists estaban alcanzando su apogeo en esa ciudad. Compartió la conexión con las formas surrealistas y el color vívido por el que esos grupos eran conocidos. También, al igual que muchos de esos artistas, Murray creó obras que eran personales. No estaba en conversación con la cultura comercial más amplia, como tendían a estar los artistas Pop de su generación, sino que estaba teniendo un diálogo con algo interno.
Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, De la serie Una serie de 6 obras únicas, litografía/screenprint tridimensional multicolor, cortada, collageada y pintada a mano por la artista, 50 × 47 1/2 × 6 in, 127 × 120.7 × 15.2 cm, Edición de 6, Gemini G.E.L. en Joni Moisant Weyl, Nueva York, © Elizabeth Murray
Esas primeras pinturas también revelan que Murray carecía del desencanto tan a menudo asociado con los movimientos figurativos de Chicago de la década de 1960. Eso pudo haber sido lo que la atrajo a California después de graduarse de la AIC. Ingresó al Mills College en Oakland en 1962, donde obtuvo su Maestría. El Área de la Bahía en ese momento era el epicentro del Funk Art. Murray estaba en sintonía con el ingenio, la ambigüedad y la sensualidad excéntrica que definían ese movimiento. Sus experiencias en el oeste le dieron el poder de perseguir sin vergüenza su propia voz. Para cuando se mudó a Nueva York en 1967, estaba armada con una posición estética idiosincrática y segura, y sabía que no debía preocuparse por lo que otros artistas estaban haciendo. Le tomó un tiempo establecerse en Nueva York, pero su primera exposición fue grande: la Exposición Anual de 1972 del Museo Whitney de Arte Americano: Pintura Americana Contemporánea. Las obras de Murray eventualmente se unirían a la colección permanente de esa institución, junto con las de MoMA, el Guggenheim, el Walker, el Met y más de 50 otros museos de arte prominentes alrededor del mundo.
Elizabeth Murray - Sin título, 1991, tinta india, lápiz de colores y gouache sobre papel con collage, 10 2/5 × 10 7/10 in, 26.4 × 27.3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray
De la Superficie a la Forma
Lo que más se recuerda de Murray hoy en día es su último cuerpo de trabajo: configuraciones interconectadas, complejas y a gran escala de lienzos con formas. Su viaje hasta ese punto, en retrospectiva, parece casi inevitable. Desde el principio, estuvo interesada en la fuerza vital de las formas. Sobre su pintura de 1976 Beginner, dijo que “quería tratar con una forma orgánica que pudiera leerse de muchas maneras visuales diferentes. Pensé en la pequeña espiral violeta de Marte como la voz o el corazón o la verdadera parte interna de la forma.” Fue alrededor de ese mismo tiempo que comenzó a pintar sus composiciones en lienzos de formas inusuales, como triángulos y diamantes. Un poco más tarde, comenzó a hacer lienzos que eran las formas: formas abstractas, biomórficas de su propia invención. Esto dio vida a sus composiciones de una manera literal. Sobre una de esas obras, titulada Yikes, de su serie de tazas de café, Murray recordó: “Estaba pensando en la pintura de paisajes cubistas tempranos; imagina caminar dentro de uno de esos paisajes de Braque.”
Elizabeth Murray - vista de instalación, Museo de Arte Moderno de Nueva York, © Archivos del Museo de Arte Moderno, Nueva York
La plena madurez de su visión es visible en obras maestras arquitectónicas como Everybody Knows (2007), la última pintura que Murray realizó antes de su muerte. El complicado y laborioso proceso de su creación fue capturado en un episodio de Art 21 de 2003. Como se muestra, comenzó dibujando una composición en papel y luego construyendo un lienzo para cada forma. Finalmente, unió los lienzos con forma y les dio vida con capas de pintura. Sus obras finales son testamentos del talento magistral que Murray cultivó en su estudio. No obstante, algunos en el mundo del arte menosprecian sus esfuerzos, llamando a su producción "arte menor" y burlándose de la alegría que inspira. Tales críticos solo revelan su propia incapacidad para comprender la seriedad subyacente de una artista cautivada por la historia del arte, el poder inherente del color y la forma, y las relaciones entre los objetos. De todos modos, tal crítica no tuvo un efecto duradero. A pesar de su humildad y sentido del humor, Murray defendió con firmeza su posición. Su legendaria resiliencia frente a quienes la menospreciaban la convirtió en un ícono del feminismo. Dejó un legado no solo de gran arte abstracto, sino también de humanidad y fortaleza. Demostró, como muchos han demostrado antes, que los artistas tienen el derecho de hacer lo que deseen; y que un cuerpo de trabajo fuerte, confiado y magistral siempre sobrevivirá a sus críticos.
Elizabeth Murray - vista de instalación, Museo de Arte Moderno de Nueva York, © Archivos del Museo de Arte Moderno, Nueva York
Imagen destacada: Elizabeth Murray - vista de instalación, Museo de Arte Moderno de Nueva York, © Archivos del Museo de Arte Moderno, Nueva York
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
