Una entrevista con Jeremy Annear

Jeremy Annear (nacido en 1949) es un artista abstracto muy respetado y exitoso con base en Cornwall, Inglaterra. Su obra forma parte de la colección del Ionian Trust y de The Royal Holloway Collection, entre otras, y ha expuesto internacionalmente en Canadá, Estados Unidos, Alemania, Francia y Holanda; todos lugares que han tenido una influencia única en su trabajo. Su exposición más reciente en Lemon Street Gallery en Truro, una muestra conjunta con su esposa, Judy Buxton, fue algo así como un regreso a casa para el artista, para quien el paisaje de Cornwall es una gran fuente de inspiración y reflexión. Hablamos con Jeremy sobre la exposición, su carrera y su visión de la abstracción.

¿Puede contarnos sobre la reciente exposición "Twofold: in Art and Life" en Lemon Street Gallery?

La galería Lemon Street es una galería líder en Cornwall y tiene una muy buena reputación a nivel nacional. Está distribuida en tres pisos y Judy, mi esposa, iba a tener una exposición en toda la galería, pero cuando ella sintió que no quería ocupar los tres pisos, Louise Jones, la galerista, nos persuadió para que ambos expusiéramos. Tuve una muestra individual en el sótano de la galería, que es un hermoso espacio tipo cubo blanco, muy minimalista, muy contemporáneo, que se adapta muy bien a mi trabajo. Tenía alrededor de 30 piezas en la exposición.

Esta fue la primera vez que compartió una exposición con su esposa, ¿hubo alguna interacción entre sus obras?

No, nuestro trabajo es realmente muy diferente y probablemente ese sea el secreto de nuestra exitosa colaboración pictórica durante treinta años. Tengo un enorme respeto por Judy como pintora figurativa expresiva y creo que tiene un ojo increíble. Yo vengo de un lugar muy distinto, de una tradición modernista con raíces en la pintura de iconos y luego en la pintura italiana del Quattrocento, así que paso de ese tipo de imagen al modernismo del siglo XX y a personas como Picasso y Paul Klee. Hay una sensibilidad muy diferente en el trabajo.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Óleo sobre lienzo. 80 x 100 cm.

Describe un enfoque lúdico hacia la pintura: ¿puede ampliar este aspecto de su práctica?

Creo que hay un significado más profundo en el juego que el sentido generalmente entendido de jugar – como en, si estás jugando entonces no estás haciendo nada serio –, pero creo que hay un enfoque, especialmente dentro de la creatividad y el pensamiento, donde el juego es un método ligero y reconoces cosas como la ironía y la metáfora e incluso aspectos de travesura y bromas, como en ‘el loco’ en la literatura. Cuando hablo de juego, lo hago en ese sentido; es un lugar donde te liberas de una seriedad pedante, pero tiene otro tipo de seriedad que es tremendamente productiva.

¿Puede describir sus experiencias trabajando y exponiendo en otros países?

Siempre he tenido una buena relación mostrando obra en Alemania y Suiza. Viví en Worpswede, Alemania, durante un año. Es un lugar absolutamente asombroso que ofrece residencias a muchos artistas, músicos y escritores – la mía fue una generosa beca DAAD –, y fue muy interesante estar en Alemania, trabajar allí y encontrarme con otros artistas, muchos de ellos de Europa del Este, pero también varios artistas alemanes, y sentir ese sentido un poco abrumador en Alemania de que las cosas deben estar muy bien ejecutadas y muy claras. El paisaje reflejaba eso porque son tierras pantanosas recuperadas del norte de Alemania. Es mucho páramo que es agua recuperada, así que, aunque no estaba cerca del mar, sentía como si estuviera sentado sobre el mar. Es turbera y se cortan diques negros en el paisaje para domarlo, creando líneas rectas bien ordenadas por millas, pero al mismo tiempo la vegetación comienza a apoderarse y parte del orden se ve alterado por una vida natural indómita. Es un paisaje hermoso pero me tomó mucho tiempo acostumbrarme porque lo encontré casi intimidante por ser tan estricto y rígido. Una vez que me adentré realmente lo disfruté. También he trabajado extensamente en Australia, España y Francia, así que realmente me gusta trabajar en el calor. Me gusta la cultura que suele rodear a los lugares cálidos: la capacidad de ser un poco más libre físicamente en un país caluroso, en lugar de en el húmedo y viejo Cornwall.

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Óleo sobre lienzo. 100 x 80 cm. 

¿Todas esas diferentes ubicaciones han llevado su trabajo en distintas direcciones?

Me han dado la capacidad de ver el trabajo de manera más amplia. En Alemania me interesó mucho la idea del collage, tanto filosóficamente como en la creación de collage, y la idea de superponer un concepto o una idea sobre otra; un enfoque por capas para trabajar. En Australia me impresionó el sentido tóxico de un paisaje que se descompone pero se renueva, como si fuera constantemente probado por el fuego. En Francia y, particularmente, en España, me encantó el sentido valiente que tienen los españoles – es un país caluroso y fuerte, España tiene esa sensación de vivir un poco en un lugar peligroso en términos políticos y me gusta esa tensión; me gusta la oscuridad que crea el brillo extremo: el sentido del claroscuro. Me gustan los rojos que crea el calor. Ciertas cosas en diferentes países realmente han tenido un impacto en la forma en que trabajo.

¿Por qué eligió la abstracción?

La respuesta simple es que la abstracción me eligió a mí. Lo espiritual, lo filosófico y las grandes preguntas siempre me atrajeron incluso en mis años formativos. Siempre ha existido en el arte y tiene que ver con el porqué y el cómo: la forma y el concepto detrás de la narrativa y la figuración.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Óleo sobre lienzo. 60 x 40 cm.

¿Cree que la pintura abstracta ha tenido un renacimiento en los últimos años?

En realidad no. Tengo sentimientos bastante fuertes, especialmente sobre el enfoque británico hacia la abstracción porque creo que, en general, a los británicos les resulta muy difícil la abstracción. Creo que la sensibilidad británica es encontrar narrativa en las cosas, así que tenemos una tradición literaria y musical muy fuerte en Gran Bretaña, pero siento que la tradición artística no ha sido tan fuerte en términos de abstracción. Un lugar como Alemania es mucho más capaz de manejar conceptos y pensamientos abstractos. Hay una tendencia, hablando anecdóticamente, en el mundo del arte hacia un acabado fotorrealista, impecable, perfección en el arte, que no es necesariamente abstracto pero que tiene capas de significado, un enfoque posmoderno: un collage de abstracción y figuración. Me encanta la abstracción pura aunque no siempre he sido un abstraccionista puro; probablemente he pasado por una etapa de abstraer objetos hasta lo que ahora siento es un lugar de abstracción pura.

¿Alguna vez retoca alguna obra o revisita producciones anteriores?

He regresado a obras y he trabajado en ellas de nuevo. Nunca trabajo en una pieza a la vez; trabajo en un conjunto de obras. Tengo varias pinturas que pueden ser trabajadas en el taller. También creo que mi vida como pintor no se trata de pinturas individuales, sino de la búsqueda de la declaración más esencial que pueda hacer, de la manera más simple y mínima posible. Mi pintura ideal sería un espacio completamente en blanco, pero una superficie que también fuera atractiva al mismo tiempo, pero eso es como la perfección que sé que nunca alcanzaré. Supongo que realmente busco la esencia del lenguaje que hablo; la pintura es mi lenguaje y trato de encontrar la mejor manera de decir lo que quiero decir de la forma más concisa posible.

¿Ha habido alguna exposición reciente que le haya llamado especialmente la atención?

Recientemente vi una exposición de Louise Bourgeois en Málaga en el museo Picasso que fue absolutamente asombrosa y realmente me encanta su obra. También disfruté una visita reciente al museo Miró en Barcelona. A Braque siempre lo he considerado mi padre pictórico, hay algo que encuentro tremendamente atractivo en su obra. Mirar la vida de Braque, sus altibajos en la pintura y el hombre que fue: encuentro su vida fascinante. Soy un amante del modernismo, en todas sus formas, música, arquitectura y arte. Y soy un gran admirador del brutalismo en arquitectura y del minimalismo en música.

Imagen destacada: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Óleo sobre lienzo. 70 x 90 cm.