Carmen Herrera - Un florecimiento largamente esperado

Carmen Herrera (30 de mayo de 1915 - 12 de febrero de 2022) fue una artista cubano-estadounidense, reconocida por sus composiciones abstractas minimalistas y su aplicación geométrica del color. Su reciente fallecimiento ha provocado mucha reflexión sobre su obra y su trayectoria profesional. Aunque hoy es una pintora de abstracción muy respetada y famosa, Herrera solo recibió reconocimiento en los últimos años de su vida. Por ello, es un momento oportuno para recordar y honrar el legado de esta pionera creativa.

Primeras influencias y orígenes de su eminencia

Carmen Herrera vivió una larga y abundante vida de 106 años. Pero imagina que la primera venta importante documentada de su arte no ocurrió hasta los 89 años. Sin embargo, estas circunstancias reflejan menos una historia de autodescubrimiento tardío de un talento artístico oculto; más bien, Herrera mostró una dedicación de toda la vida al arte y acumuló décadas de experiencia y técnica, comenzando desde su infancia. Nacida en La Habana, Cuba, Herrera aprendió los fundamentos del dibujo a una edad temprana, tomando clases particulares de arte desde los ocho años. Fue una de siete hermanos, y sus padres eran ambos periodistas; por ello, Herrera estuvo a menudo rodeada de miembros de los grupos intelectuales habaneros durante su crecimiento. Ella señaló que sus padres siempre fueron bastante antiestablecimiento, y llegó a presenciar el encarcelamiento de numerosos familiares por su disidencia. Alejada de las posturas políticas extremas, Herrera continuó estudiando arte durante su juventud en Cuba, formándose en dibujo académico y abordando su trabajo con una disciplina dedicada. Deseando continuar su práctica creativa, viajó a París para terminar sus estudios, regresando posteriormente a La Habana para ingresar a la universidad y estudiar arquitectura.

Su decisión de entrar sin vacilación en un ámbito dominado por hombres fue solo una de las muchas señales tempranas de su determinación y rechazo al statu quo. Sin embargo, simultáneamente luchaba por concentrarse en su trabajo, principalmente debido al volátil ambiente político que la rodeaba. Las revoluciones y huelgas a menudo obligaban a su universidad a cerrar sus puertas por períodos, reforzando su postura contra los desmanes del extremismo político. Fue también en esta época cuando Herrera se fascinó con la línea, casi como si simplificara sus estudios de arquitectura a su esencia más básica y pura. Se dio cuenta de que las líneas eran la base de todas las formas y figuras existentes, y se enamoró de la belleza inherente de su poder para construir, conectar y definir.

Carmen Herrera - Miércoles, 1978. Martes, 1978. Domingo, 1978. Viernes, 1978. Jueves, 1975. Acrílico sobre lienzo (de izquierda a derecha). Exposición Líneas de Vista en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de la instalación.

Migraciones conceptuales

La artista nunca terminó su carrera de arquitectura. En 1939, se mudó a la ciudad de Nueva York tras conocer a Jesse Lowenthal, un joven maestro estadounidense. Por quizás múltiples razones (tensiones políticas, el deseo de continuar alimentando su pasión por las artes visuales y el florecimiento de un joven amor, por nombrar algunas), decidió que lo mejor era trasladar su vida y carrera. En Nueva York, Herrera aprovechó cualquier espacio en la ciudad donde pudiera mostrar su obra: escaparates, aceras, galerías improvisadas. No estaba cerca del éxito comercial, pero no se desanimó. Para entonces, sabía que ser artista sería la misión de su vida y era consciente de que era una vida inherentemente difícil, pero no podía negar lo que sentía como su propósito.

Esta determinación la llevó a París en los años 40. Su educación infantil en Francia facilitó su integración, y entabló amistad con escritores y artistas de la ciudad. Allí expuso con el Salon de Réalités Nouvelles, un colectivo rotativo de artistas abstractos. Fue durante esta época en París cuando Herrera cultivó su estilo geométrico esencialmente austero. En ese momento, usaba menos de tres colores puros en cada composición. Imagina una aplicación plana y perfectamente uniforme de colores, yuxtaposiciones de tonos con bordes definidos, formas nítidas separadas solo por diferencias claras en los tonos. Aplicó este enfoque innovador al mismo tiempo que el pionero del campo de color Ellsworth Kelly y el renombrado abstraccionista post-pictórico Frank Stella. Su espíritu vanguardista e instinto por lo ultramoderno son ahora innegables, aunque fueran ignorados durante sus años como artista emergente.

Carmen Herrera - Rojo y Blanco, 1976. Epifanía, 1971. Cuadrado Rojo, 1974. Acrílico sobre lienzo (de izquierda a derecha). Exposición Líneas de Vista en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de la instalación.

La forja de una plataforma

Finalmente, Herrera regresó a Nueva York, y sus pinturas continuaron orientándose hacia una estética cada vez más minimalista. Ella se refería a su proceso creativo como purificación, y la sencillez se convirtió en una virtud de su obra. Su trabajo no recibió críticas entusiastas, pero no fue simplemente porque su arte fuera “demasiado estéril.” Más bien, el rechazo a su visión adelantada habla de las mayores injusticias sociales que la afectaron hasta el final de su vida, destacando desigualdades que aún existen en el mundo del arte hoy en día. Herrera era una mujer artista y una inmigrante, por lo que fue constantemente ignorada o considerada una forastera que no merecía el protagonismo reservado para las obras de moda de los artistas masculinos occidentales del expresionismo abstracto.

Finalmente, Herrera comenzó a recibir atención cuando en 2004, un destacado coleccionista latino la incluyó en una exposición colectiva publicitada en la ciudad de Nueva York. Su evidente talento y visión fueron finalmente reconocidos por un público más amplio, y experimentó los comienzos del éxito comercial durante la última década de su vida. El descubrimiento tardío de Herrera expuso las deficiencias del mundo del arte y la artista se ha convertido en una inspiración y rompecódigos para las artistas latinas que enfrentan tanto el sexismo externo como internalizado, la xenofobia y el prejuicio racial.

Carmen Herrera - Todas sin título, 1966, excepto la amarilla: Sin título, 1962. Exposición Líneas de Vista en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de la instalación.

Avance y reflexión

Desde entonces, Carmen Herrera ha sido honrada con importantes exposiciones retrospectivas en el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney. También forma parte de colecciones permanentes destacadas como el Museo Tate. Su éxito tardío ofrece un final optimista, pero no debe borrar los obstáculos de toda la vida que enfrentó, que muchos otros nunca tuvieron que afrontar. La obra de vida de Herrera es un testimonio de su talento y dedicación. Nos ha dejado un conjunto de lienzos impactantes, formas y contornos intrigantes, y una filosofía única sobre la relación entre la línea y la vida. Su práctica creativa sirve igualmente como una oportunidad para reflexionar sobre cómo podemos crear un mundo del arte más inclusivo y enriquecedor en el futuro.

Imagen destacada: Carmen Herrera - Sin título, 1952. Blanco y negro, 1952. (De izquierda a derecha). Exposición Líneas de Vista en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de la instalación.
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