Carmen Herrera - Un florecimiento largamente esperado

Carmen Herrera (30 de mayo de 1915 - 12 de febrero de 2022) fue una artista cubano-estadounidense, reconocida por sus composiciones minimalistas abstractas y su aplicación geométrica del color. Su reciente fallecimiento ha provocado mucha retrospección sobre su obra y su trayectoria profesional. Aunque hoy es una pintora abstracta muy respetada y famosa, Herrera solo recibió reconocimiento durante los últimos años de su vida. Por lo tanto, es un momento oportuno para recordar y honrar el legado de esta pionera creativa.

Influencia temprana y derivaciones de la eminencia

Carmen Herrera vivió una larga y abundante vida de 106 años. Pero imagina que la primera venta de arte importante documentada de la artista no fue hasta la edad de 89 años. No obstante, estas circunstancias reflejan menos una historia de autodescubrimiento tardío de un talento artístico oculto; más bien, Herrera mostró una dedicación de toda la vida al arte y exhibió décadas de experiencia y técnica, comenzando desde su infancia. Nacida en La Habana, Cuba, Herrera aprendió los fundamentos del dibujo a una edad temprana, tomando lecciones de arte privadas a partir de los ocho años. Era una de siete hermanos, y sus padres eran ambos periodistas; por lo tanto, Herrera a menudo estuvo rodeada de miembros de los grupos sociales intelectuales de La Habana mientras crecía. Ella señaló que sus padres siempre fueron bastante anti-establishment, e incluso fue testigo del encarcelamiento de numerosos familiares por su disidencia. Desanimada por las opiniones políticas extremas, Herrera continuó estudiando arte durante su juventud en Cuba, formándose en dibujo académico y abordando su trabajo con una disciplina dedicada. Deseando profundizar en su práctica creativa, viajó a París para terminar su educación, regresando posteriormente a La Habana para ingresar a la universidad y estudiar arquitectura.

Su elección de entrar en un dominio dominado por hombres sin dudarlo fue solo una de las muchas señales tempranas de su determinación y rechazo al status quo. Sin embargo, al mismo tiempo luchaba por concentrarse en su trabajo, principalmente debido al volátil entorno político que la rodeaba. Revoluciones y huelgas a menudo obligaban a su universidad a cerrar sus puertas por períodos de tiempo, reforzando su postura sobre los desmanes del extremismo político. También fue en este momento que Herrera se fascinó con la línea, casi como si estuviera simplificando sus estudios de arquitectura a su esencia más básica y pura. Se dio cuenta de que las líneas eran la base de todas las formas y figuras existentes, y Herrera se enamoró de la belleza inherente de su poder para construir, conectar y definir.

Carmen Herrera - Miércoles, 1978. Martes, 1978. Domingo, 1978. Viernes, 1978. Jueves, 1975. Acrílico sobre lienzo (De izquierda a derecha). Exposición Líneas de Visión en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de instalación.

Migraciones Conceptuales

La artista nunca completó su carrera de arquitectura. En 1939, se mudó a la ciudad de Nueva York después de conocer a Jesse Lowenthal, un joven maestro estadounidense. Por quizás una multitud de razones (tensiones políticas, un impulso por seguir alimentando su pasión por las artes visuales y el florecimiento del amor joven, por nombrar algunas), decidió que lo mejor era reubicar su vida y carrera. En Nueva York, Herrera aprovechó cualquier espacio en la ciudad donde pudiera exhibir su trabajo: vitrinas, aceras, galerías improvisadas. No estaba ni cerca de ser un éxito comercial, pero se mantuvo firme. Para este momento, sabía que ser artista sería la misión de su vida y era consciente de que era una vida inherentemente difícil, pero no podía negar lo que sentía que era su propósito.

Esta determinación la llevó a París en la década de 1940. Su educación infantil en Francia facilitó su integración, y hizo amistades con escritores y artistas en la ciudad. Aquí, expuso con el Salon de Réalités Nouvelles, un colectivo rotativo de artistas abstractos. Fue durante este tiempo en París que Herrera cultivó su estilo de pintura geométrico y austero. En este punto, estaba utilizando menos de tres colores puros en cada composición. Imagina una aplicación plana y perfectamente uniforme de colores, yuxtaposiciones de tonos con bordes duros, formas nítidas separadas solo por diferencias claras en tonos. Aplicó este enfoque innovador al mismo tiempo que el pionero del campo del color Ellsworth Kelly y el renombrado abstracto post-pictórico Frank Stella. Su espíritu vanguardista e instinto por lo ultra-moderno son ahora innegables, incluso si fue ignorado durante sus años como artista emergente.

Carmen Herrera - Rojo y Blanco, 1976. Epifanía, 1971. Cuadrado Rojo, 1974. Acrílico sobre lienzo (De izquierda a derecha). Exposición Líneas de Visión en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de instalación.

La Forja para una Plataforma

Herrera eventualmente regresó a Nueva York, y sus pinturas continuaron orientándose hacia una estética cada vez más minimalista. Ella se refería a su proceso creativo como purificación, y la simplicidad se convirtió en una virtud de su obra. Su trabajo no recibió críticas entusiastas, pero no fue simplemente porque su arte fuera "demasiado estéril". Más bien, el desprecio hacia su perspectiva vanguardista habla de las mayores injusticias sociales que la afectaron hasta el final de su vida, destacando desigualdades que aún existen en el mundo del arte hasta el día de hoy. Herrera era una artista mujer y una inmigrante, por lo que constantemente fue ignorada o considerada una forastera que no merecía el foco reservado para las obras expresionistas abstractas creadas por artistas masculinos occidentales.

Herrera finalmente comenzó a atraer la atención cuando en 2004, un destacado coleccionista latino la incluyó en una exposición grupal publicitada en la ciudad de Nueva York. Su evidente talento y previsión finalmente estaban siendo reconocidos por un público más amplio, y finalmente experimentó los comienzos del éxito comercial durante la última década de su vida. El descubrimiento tardío de Herrera expuso las deficiencias del mundo del arte y la artista se ha convertido en una inspiración y rompedora de códigos para las artistas latinas que enfrentan tanto el sexismo externo como el internalizado, la xenofobia y el prejuicio racial.

Carmen Hererra - Todos Sin Título, 1966, excepto el amarillo: Sin Título, 1962. Exposición Líneas de Visión en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de instalación.

Avance y Reflexión

Carmen Herrera ha sido honrada desde entonces con importantes exposiciones retrospectivas en el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney. También está presente en colecciones permanentes destacadas como el Museo Tate. Su éxito tardío proporciona un final optimista, pero no debería borrar los obstáculos de toda una vida que enfrentó, que muchos otros nunca tuvieron que afrontar. La obra de vida de Herrera es un testimonio de su talento y dedicación. Nos ha dejado un conjunto de lienzos impactantes, formas y contornos intrigantes, y una filosofía única sobre la relación entre la línea y la vida. Su práctica creativa sirve igualmente como una oportunidad para reflexionar sobre cómo podemos crear un mundo del arte más inclusivo y enriquecedor en el futuro.

Imagen destacada: Carmen Herrera - Sin título, 1952. Blanco y negro, 1952. (De izquierda a derecha). Exposición Líneas de Visión en el Museo Whitney en Nueva York, 2016. Vista de instalación.
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