Gagosian París Reúne a Artistas Que Crean Arte Blanc sobre Blanc

Una exposición en Gagosian París titulada Blanc sur Blanc (Blanco sobre Blanco) ha reavivado una vez más el eterno debate sobre la validez del arte completamente blanco. Esta conversación se remonta al menos hasta 1918, cuando el artista ruso Kazimir Malévich, fundador del Suprematismo, presentó su pintura “Blanco sobre Blanco”, una imagen de un cuadrado blanco inclinado sobre un fondo blanco. Malévich ya era famoso por la pintura “Cuadrado Negro” que reveló tres años antes en La Última Exposición Futurista 0,10. Sin embargo, “Cuadrado Blanco” llevó la controversia a otro nivel al desafiar no solo el valor del tema en el arte, sino también el valor del color. Tras Malévich, innumerables otros artistas han creado obras completamente blancas: desde la pintura minimalista “White Painting (Three Panel)” (1951) de Robert Rauschenberg (quien dijo “un lienzo nunca está vacío”); hasta las esculturas blancas, toscas y casi figurativas de Cy Twombly; pasando por el brillo escaso y post-atómico de “Untitled (Electric Light)” (2019), una escultura de luz blanca de Mary Corse. Los coleccionistas de arte creen firmemente en el valor cultural y económico del arte completamente blanco, como lo demuestran al menos dos resultados recientes en subastas: “Bridge” (1980), una pintura completamente blanca de Robert Ryman que se vendió en Christie’s por más de 20 millones de dólares (EE. UU.) en 2015, y “21 Feuilles Blanches” (1953), un móvil completamente blanco de Alexander Calder que alcanzó los 17,9 millones de dólares (EE. UU.) en 2018 (más del doble de su estimación más alta). Sin embargo, para quienes están fuera del ámbito artístico, el arte blanco sobre blanco puede resultar irritante. Tal vez el genio de la actual exposición en Gagosian sea que no muestra simplemente al público una sola obra completamente blanca, ni una selección de obras blancas de un solo artista. En cambio, reúne obras de 27 artistas, abarcando una amplia gama de períodos, movimientos, medios, intenciones y antecedentes personales. Ver tantas obras blancas en un solo lugar y momento revela la verdad matizada que tantos detractores no admiten: realmente no existe el blanco simple.

El Blanco como Manifiesto

Entre las obras expuestas en Blanc sur Blanc se encuentra un lienzo completamente blanco con cortes del artista italiano Lucio Fontana. En los materiales de prensa de la muestra, Gagosian hace referencia a un ensayo que Fontana publicó en 1946 llamado Manifiesto Blanco. Aunque algo vehemente, este ensayo puede ofrecer orientación a los espectadores que dudan del valor de la pintura monocromática. Contrario a lo que su título sugiere, el Manifiesto Blanco nunca menciona realmente el color blanco. Más bien, habla de la necesidad de un arte nuevo, “libre de todo artificio estético”. Para Fontana, la pureza del color blanco simbolizaba este nuevo punto de partida. El Manifiesto Blanco llama a los artistas a centrarse en “el color, el elemento del espacio; el sonido, el elemento del tiempo; y el movimiento, que se desarrolla en el tiempo y el espacio”, una estrategia que Fontana insiste dará lugar a obras que se acercan “más a la naturaleza que nunca antes en la historia del arte”.

Vista de la instalación. Obras, de izquierda a derecha: © Fundación Lucio Fontana, Milán / por SIAE / ADAGP, París, 2020; © Fundación Cy Twombly; © Imi Knoebel / ADAGP, París, 2020. Foto: Thomas Lannes

Las ideas expresadas en el Manifiesto Blanco formaron la base del Espacialismo, el movimiento que Fontana fundó al año siguiente. A lo largo de dos décadas, Fontana explicó los elementos centrales del Espacialismo mediante dos series revolucionarias de obras. La primera fue su serie “Entornos”: 15 esculturas de luz que ahora se consideran los primeros ejemplos de arte de instalación. Cada “Entorno” era básicamente una habitación construida a medida iluminada por un solo color de luz. Ya fuera blanco, negro, rojo, azul, verde o cualquier otro, Fontana sentía que la combinación de un solo color con un espacio vacío encarnaba la esencia de sus ideas. La segunda serie de obras que Fontana creó para ilustrar los conceptos del Espacialismo fue su ahora icónica serie de lienzos cortados: superficies monocromáticas atravesadas por un cuchillo. Sin embargo, los cortes no eran simplemente expresiones dramáticas. Creaban entradas literales a un mundo de movimiento, color y espacio. Cada corte invita al espectador a un papel activo, atrayéndonos hacia adentro al revelar un vistazo al espacio detrás de la pintura. Al convertir esa parte nunca antes utilizada de la pintura en un aspecto clave de su tema, Fontana creó algo cinético y misterioso. Al mirar hacia atrás sus “Entornos”, es evidente cómo estos lienzos cortados expresaban las mismas ideas, solo a otra escala.

Jean Arp - El amigo del dedo meñique, 1963. Yeso, 10 x 24 x 13 cm (4 x 9 1/2 x 5 1/8 pulgadas). © ADAGP, París, 2020

La Ampliación de la Perspectiva

Al igual que los lienzos cortados de Fontana, cada una de las obras presentadas en Blanc sur Blanc es más compleja de lo que parece a primera vista. Tres esculturas de hilo de Sheila Hicks ilustran cuán frágil es realmente la idea del color puro, ya que la textura y la masa alteran la luz. Una escultura de Rachel Whiteread, por su parte, toma lo que a primera vista parece un conjunto aleatorio de materiales blancos de construcción apoyados contra una pared, transformándolo en una escena de claridad visual y emocional. Este tipo de acumulaciones materiales en el espacio se han vuelto tan comunes en el entorno urbano cotidiano, pero en este caso, Whiteread no solo demuestra la presencia estética inherente de sus materiales, sino que también amplía nuestra comprensión de la definición de color.

Vista de la instalación. Obras, de izquierda a derecha: © Enrico Castellani / ADAGP, París, 2020; © Taller Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

En última instancia, quizás eso sea de lo que siempre ha tratado el arte blanco sobre blanco: la ampliación de perspectivas. ¿Somos capaces de mirar algo tan simple, tan minimalista y tan directo sin sentirnos insultados, como si el artista simplemente nos desafiara a decir que es demasiado fácil? ¿Podemos reconocer la magia del arte blanco sobre blanco de la misma manera que abrazamos el sonido simple de un gong, el parpadeo sutil de una vela o el suave cosquilleo de una pluma? ¿Puede algo tan sutil contener una emoción poderosa? Esta pregunta se ha planteado muchas veces, y no terminará con esta exposición actual, porque siempre habrá artistas que saben que no hay nada simple en el blanco sobre blanco, y que siempre se sentirán impulsados a volver a él como el punto cero del arte.

Imagen destacada: Vista de la instalación. Obras, de izquierda a derecha: Archivos Simon Hantai / ADAGP, París; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio