Gagosian París Reúne a Artistas Que Crean Arte Blanc sobre Blanc

Una exposición en Gagosian París titulada Blanc sur Blanc (Blanco sobre Blanco) ha reavivado una vez más el debate atemporal sobre la validez del arte completamente blanco. Esta conversación se remonta al menos a 1918, cuando el artista ruso Kazimir Malevich, fundador del Suprematismo, presentó su pintura “White on White”—una imagen de un cuadrado blanco inclinado sobre un fondo blanco. Malevich ya era infame por la pintura “Black Square” que reveló tres años antes en The Last Futurist Exhibition 0,10. Sin embargo, “White Square” llevó la indignación al siguiente nivel al no solo desafiar el valor del tema en el arte, sino también desafiar el valor del matiz. A raíz de Malevich, innumerables otros artistas han creado obras de arte completamente blancas: desde la pintura minimalista “White Painting (Three Panel)” (1951) de Robert Rauschenberg (quien dijo “un lienzo nunca está vacío”); hasta las brutales esculturas casi figurativas completamente blancas de Cy Twombly; hasta el escaso resplandor postatómico de “Untitled (Electric Light)” (2019), una escultura de luz blanca de Mary Corse. Los coleccionistas de arte creen firmemente en el valor cultural y financiero del arte completamente blanco, como lo evidencian al menos dos resultados recientes de subastas: “Bridge” (1980), una pintura completamente blanca de Robert Ryman que se vendió en Christie’s por más de $20 millones (EE. UU.) en 2015, y “21 Feuilles Blanches” (1953), un móvil completamente blanco de Alexander Calder que alcanzó los $17.9 millones (EE. UU.) en 2018 (más del doble de su alta estimación). Sin embargo, para las personas fuera del campo del arte, el arte blanco sobre blanco puede ser irritante. Quizás el genio de la actual exposición de Gagosian es que no simplemente muestra al público una única obra de arte completamente blanca, ni una selección de obras completamente blancas de un solo artista. En cambio, reúne obras de 27 artistas, abarcando una amplia gama de períodos de tiempo, movimientos, medios, intenciones y antecedentes personales. Ver tantas obras de arte blancas en un solo lugar al mismo tiempo revela la verdad matizada que tantos detractores se niegan a admitir: realmente no existe tal cosa como el blanco puro.

Blanco como un Manifiesto

Entre las obras en exhibición en Blanc sur Blanc se encuentra un lienzo blanco rasgado del artista italiano Lucio Fontana. En los materiales de prensa para la exposición, Gagosian se refiere a un ensayo que Fontana publicó en 1946 llamado el Manifesto Blanco. Aunque un poco desmesurado, este ensayo puede proporcionar alguna orientación a los espectadores que dudan del valor de la pintura monocromática. Sin embargo, contrariamente a lo que su título sugiere, el Manifesto Blanco nunca menciona realmente el color blanco. Más bien, habla de la necesidad de un nuevo arte, "libre de todo artificio estético". Para Fontana, la pureza del color blanco era simbólica de este nuevo punto de partida. El Manifesto Blanco llama a los artistas a centrarse en "el color, el elemento del espacio; el sonido, el elemento del tiempo; y el movimiento, que se desarrolla en el tiempo y el espacio", una estrategia que Fontana insiste en que resultará en obras que se acerquen "más a la naturaleza que nunca en la historia del arte."

Vista de instalación. Obra, de izquierda a derecha: © Fundación Lucio Fontana, Milán / por SIAE / ADAGP, París, 2020; © Fundación Cy Twombly; © Imi Knoebel / ADAGP, París, 2020. Foto: Thomas Lannes

Las nociones expresadas en el Manifiesto Blanco formaron la base del Espacialismo, el movimiento que Fontana fundó al año siguiente. A lo largo de dos décadas, Fontana elucidó los elementos centrales del Espacialismo a través de dos series innovadoras de obras. La primera fue su serie de “Entornos”—15 esculturas de luz que ahora se consideran los primeros ejemplos de arte de instalación. Cada “Entorno” era básicamente una habitación hecha a medida iluminada por un solo color de luz. Ya fuera blanco, negro, rojo, azul, verde, o cualquier otro, Fontana sentía que la amalgama de un solo color con un espacio vacío encarnaba la esencia de sus ideas. La segunda serie de obras que Fontana realizó para ilustrar los conceptos del Espacialismo fue su ahora icónica serie de lienzos rasgados—superficies monocromáticas desgarradas por un cuchillo. Sin embargo, los rasguños no eran simplemente expresiones de drama. Creaban entradas literales a un mundo de movimiento, color y espacio. Cada rasguño atrae al espectador a un papel activo, llevándonos hacia adentro al revelar un vistazo al espacio detrás de la pintura. Al convertir esa parte de la pintura nunca antes utilizada en un aspecto clave de su tema, Fontana concoctó algo cinético y misterioso. Al mirar hacia atrás en sus “Entornos”, es claro ver cómo estos lienzos rasgados expresaron las mismas ideas, solo en una escala diferente.

Jean Arp - El amigo del dedo meñique, 1963. Yeso, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 pulgadas (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, París, 2020

La Ampliación de Perspectiva

Al igual que los lienzos rasgados de Fontana, cada una de las obras presentadas en Blanc sur Blanc es más compleja de lo que podría parecer a primera vista. Tres esculturas de Sheila Hicks ilustran cuán frágil es la idea del color puro, ya que la textura y la masa juegan con la luz. Una escultura de Rachel Whiteread, mientras tanto, toma lo que al principio parece una colección aleatoria de materiales de construcción blancos apoyados contra una pared, transformándola en una escena de claridad visual y emocional. Este tipo de acumulaciones de materiales en el espacio se ha convertido en una parte tan ubicua del entorno urbano cotidiano, pero en este caso, no solo Whiteread demuestra la presencia estética inherente de sus materiales, sino que también amplía nuestra comprensión de la definición del color.

Vista de instalación. Obra, de izquierda a derecha: © Enrico Castellani / ADAGP, París, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

En última instancia, quizás, de eso se ha tratado siempre el arte blanco sobre blanco: la ampliación de perspectivas. ¿Podemos mirar algo tan simple, tan minimalista y tan directo sin sentirnos insultados, como si el artista simplemente nos desafiara a decir que es demasiado fácil? ¿Somos capaces de reconocer la magia del arte blanco sobre blanco de la misma manera que abrazamos el sonido simple de un gong, el matizado parpadeo de una vela o el suave cosquilleo de una pluma? ¿Puede algo tan sutil llevar una emoción poderosa? Esta pregunta se ha hecho muchas veces, y no terminará con esta exposición actual, porque siempre habrá artistas que saben que no hay nada simple en el blanco sobre blanco, y que siempre se sentirán obligados a regresar a él como el punto cero del arte.

Imagen destacada: Vista de instalación. Obra, de izquierda a derecha: Archivos Simon Hantai / ADAGP, París; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio