Ícono del Último Expresionismo Abstracto, William Scharf, Ha Fallecido

El pintor abstracto estadounidense y educador William Scharf ha fallecido a los 90 años. Scharf suele clasificarse como expresionista abstracto o como artista del campo de color. Cada una de esas etiquetas tiene cierto grado de autenticidad. Tras servir en el Ejército de los EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial, Scharf pasó cinco años estudiando arte, principalmente en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. Se mudó a Nueva York en 1952 para dedicarse a la pintura a tiempo completo. En ese momento, el expresionismo abstracto era la tendencia predominante, y Scharf se sumergió en esa escena. También entabló amistad con el gran pionero del campo de color Mark Rothko en los años 50. Rothko fue mentor de Scharf y le inculcó una apreciación por el poder emotivo del color. Ambos se hicieron tan cercanos que a principios de los años 70, Scharf incluso colaboró en la Capilla Rothko en Houston, un hito de la pintura del campo de color y uno de los destinos más importantes del mundo para los amantes del arte abstracto. Pero a pesar de esas raíces innegables tanto en el expresionismo abstracto como en la pintura del campo de color, la obra que Scharf construyó a lo largo de su vida desafía tales descriptores sencillos. Su trabajo es, en efecto, colorido, incluso luminoso. Y sus gestos son expresivamente líricos, intuitivos y abstractos. Pero su visión es casi barroca en su capacidad para narrar emociones. Scharf fue un maestro de la evocación y la sugestión; canalizó el color y la forma en composiciones con cualidades míticas y misteriosas. Asignó a sus obras títulos que nos hacen saber su intención de contar historias, relatos poéticos llenos de sentimiento, que no pueden evitar insinuar el significado de la obra.

Aventuras en la exploración

La primera sensación que tengo al mirar una pintura de Scharf es diversión. No quiero decir que las pinturas sean caprichosas o fáciles. A menudo no son ninguna de esas cosas. Solo quiero decir que siento que la imagen me invita a una aventura. Su pintura de 1956 Del cuadrado y por la noche posee la paleta de colores de una calle de ciudad vista a través de las ventanas de un coche. Formas rojas, blancas, azules y negras se mezclan y parecen rebotar ante el ojo. Manchas biomórficas semejan farolas, lunas y estrellas. Las formas geométricas evocan edificios y señales. En el lado izquierdo, un enigmático conjunto de marcas rojas insinúa la presencia de un ser.

Esta imagen se siente viva y emocionante, como una noche en la ciudad. Es obviamente abstracta, pero su título, y más importante aún su energía, abren puertas a posibilidades narrativas. Su sentido de aventura es algo que permaneció presente en su obra mientras Scharf siguió trabajando. Es esencial para su proceso, que encarnaba un espíritu infantil de exploración. Una vez habló sobre esa sensación de hacer la primera marca en una página en blanco o en una pizarra cuando era niño, esa sensación de posibilidad, de la capacidad de formular nuevos mundos en el espacio. Lo llamó “exploraciones de un tipo que podrían perseguir y obsesionar toda la vida de un pintor.”

William Scharf - Del cuadrado y por la noche, 1956, óleo sobre lienzo, 36 × 48 in, 91.4 × 121.9 cm, Hollis Taggart Galleries, Nueva York, © 2018 William Scharf

Un resplandor onírico

Otro poder instantáneamente reconocible que poseía Scharf era la capacidad de extraer un brillo fosforescente de sus pinturas. Pasó toda su carrera trabajando con acrílicos. Cuando compras un tubo nuevo de pintura acrílica en la tienda, el medio tiene su propio resplandor: pigmento puro. Pero como sabe cualquiera que haya trabajado con pintura, en el momento en que el artista comienza a jugar con ese color, a mezclarlo en busca del tono perfecto, pierde su luminosidad. A veces se vuelve del color de la tierra. Casi nunca conserva su brillo original. Pero rara vez, por suerte o por habilidad, un artista logra sacar aún más luz de la pintura.

Para ver por ti mismo el resplandor onírico que Scharf sedujo de sus medios, visita el sitio web del Museo Smithsonian de Arte Americano, que posee diez pinturas de Scharf en su colección. En persona, son aún más brillantes y complejas. De cerca puedes ver que aunque Scharf mantuvo la rapidez gestual y la energía de sus primeros influenciadores, no hay nada fortuito o accidental en su obra. Estas capas tienen profundidad, pero transmiten una simplicidad y frescura, como si flotaran en el espacio surgidas de la mente de un narrador visual.

William Scharf - Movimiento nocturno, 1964, óleo sobre papel montado en tabla, 12 1/2 × 19 1/2 in, 31.8 × 49.5 cm, Hollis Taggart Galleries, Nueva York, © 2018 William Scharf

Un artista entre artistas

Desde 1950, Scharf nunca dejó de exponer. Sus obras forman parte de las colecciones permanentes de decenas de instituciones importantes, incluyendo el Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, y el Museo de Arte Moderno (MOMA) y el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York. Sin embargo, su reputación pública es limitada. No es un nombre conocido en todos los hogares, a pesar de su éxito y el evidente atractivo de su obra. Fue lo que a veces se llama un artista entre artistas, un extraño cumplido que habla de la influencia que Scharf tuvo sobre sus contemporáneos así como sobre tres generaciones de estudiantes.

Scharf comenzó su carrera docente en 1964 en el Centro de Arte del MOMA en Nueva York. Luego enseñó en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, el Instituto de Bellas Artes de San Francisco, la prestigiosa Liga de Estudiantes de Arte, donde enseñó desde 1987 hasta su muerte, así como en el Instituto Pratt, la Universidad de Stanford y el Colegio de Artes y Oficios de California en San Francisco. Lo que se dice de su enseñanza es un gran elogio: que ayudó a sus estudiantes a alcanzar la mejor versión posible de sí mismos. Especialmente en el competitivo mercado artístico actual, cuando seguir tendencias o no puede significar la diferencia entre la fama y el anonimato, la capacidad que tenía Scharf para permitir que sus estudiantes se encontraran a sí mismos fue valiosa. Su respeto por la visión individual es lo que le permitió crear un cuerpo de obra indefinible. También es lo que extiende su legado más allá de las limitaciones de su época.

William Scharf - Sin título, 1985, lápiz de color sobre papel, 8 1/2 × 11 in, 21.6 × 27.9 cm, Hollis Taggart Galleries, Nueva York, © 2018 William Scharf

Imagen destacada: William Scharf - A la corona dorada, La sonrisa geométrica, En la rama del trance (de izquierda a derecha), s.f., 2001, 2007 (de izquierda a derecha), acrílico sobre papel, 9 × 12 in, 22.9 × 30.5 cm, Hollis Taggart Galleries, Nueva York, © 2018 William Scharf

Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio