Figuras Clave del Movimiento de Patrón y Decoración
El movimiento Pattern and Decoration ocupa un lugar especial en la historia del arte contemporáneo. Surgiendo del Movimiento de Arte Feminista de los años 60, Pattern and Decoration se declaró como una especie de “tercer método” entre la figuración y la abstracción. Los líderes del movimiento reconocieron que el instinto hacia la creación de arte decorativo ha sido un aspecto esencial de toda cultura humana desde el inicio de la civilización. Sin embargo, también se dieron cuenta de que la civilización occidental patriarcal había adoptado, por alguna razón y en algún momento, la postura de que las artes decorativas debían ser subyugadas como menos importantes y menos serias que otras llamadas Bellas Artes. Los fundadores del Movimiento Pattern and Decoration rechazaron rotundamente esa suposición, declarando que su enfoque formalista hacia el trabajo decorativo era igualmente relevante, significativo e históricamente importante como cualquier otra posición estética. La filosofía general del movimiento Pattern and Decoration fue expresada en 1978 por dos de sus fundadoras—Valerie Jaudon y Joyce Kozloff—en su manifiesto maravillosamente grandilocuente, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Su párrafo inicial dice: “Como feministas y artistas explorando lo decorativo en nuestras propias pinturas, nos intrigaba el uso peyorativo de la palabra ‘decorativo’ en el mundo del arte contemporáneo. Al releer los textos básicos del Arte Moderno, nos dimos cuenta de que el prejuicio contra lo decorativo tiene una larga historia y se basa en jerarquías: el arte fino por encima del arte decorativo, el arte occidental por encima del arte no occidental, el arte de los hombres por encima del arte de las mujeres. Al centrarnos en estas jerarquías descubrimos un sistema de creencias perturbador basado en la superioridad moral del arte de la civilización occidental.” Así, los líderes del movimiento se propusieron relegar esas jerarquías obsoletas e inútiles al basurero de la historia. El legado de su trabajo es uno de belleza visceral y asombro intelectual. De hecho, solo ahora el público está absorbiendo verdaderamente el poder de este movimiento vital y el papel que sigue desempeñando hoy en día para hacer que el campo del arte contemporáneo sea más justo, más abierto y más completo.
Cinco líderes del movimiento
Ya en 1960, Miriam Schapiro abandonaba las tendencias estéticas dominantes de la época para descubrir una voz visual única y personal, basada en gran medida en su identidad como mujer. Sus primeras obras protofeministas fueron sus “Santuarios,” que actuaban como una especie de puente santificado entre la feminidad, la espiritualidad y el lenguaje compartimentado modernista de la cuadrícula. Continuó creando varios otros cuerpos de obra distintivamente feministas, incluyendo sus monumentales “Abanicos,” y una serie de obras abstractas geométricas de bordes duros que presentan imágenes audaces y luminosas de simbología femenina arquetípica. En 1973, Schapiro participó en “Womanhouse,” una de las obras feministas más importantes de todos los tiempos. Más tarde también acuñó el término “Femmage” para su método distintivo de mezclar técnicas de Bellas Artes como el collage y el ensamblaje con técnicas artesanales como la costura.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acrílico, textiles, papel sobre lienzo. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Patrimonio de Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.
Joyce Kozloff tuvo su epifanía sobre la disminución histórica de las artes decorativas tras vivir en México y luego visitar Marruecos y Turquía a principios de los años 70. Inspirada por cómo las antiguas tradiciones estéticas en estos lugares seguían vivas y florecientes en la vida cotidiana, persiguió sus propias ideas sobre este tema en varios frentes diferentes. Comenzó a hacer pinturas de gran formato e instalaciones multimedia que empleaban métodos y materiales tradicionalmente asignados a las artes decorativas; se unió al Colectivo Heresies, que participaba en acciones sociales feministas y publicaba la revista HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; y coescribió el mencionado manifiesto Pattern and Decoration. En las décadas posteriores a la fundación del movimiento, Kozloff se ha vuelto más activa en el campo del arte público y ha desarrollado una voz estética distintiva basada en la idea de la cartografía, tanto en sentido geográfico como cultural.
Joyce Kozloff - If I Were a Botanist Mediterranean. 3 paneles de una obra de 9 paneles. Acrílico, impresión digital archivística y collage sobre lienzo. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff
Además de coescribir el manifiesto Pattern and Decoration, Valerie Jaudon se estableció como una de las voces estéticas más seguras del movimiento. Su estilo distintivo combina marcas caligráficas con patrones y diseños evocadores de estilos decorativos del Medio Oriente. Además de sus pinturas y obras sobre papel, Jaudon ha realizado más de una docena de proyectos públicos de gran escala, desde suelos incrustados, hasta murales en techos, y enormes instalaciones en parques públicos. El más grande de estos proyectos es el monumental “Filippine Garden” (2004), un camino de cemento en los terrenos del Tribunal Federal en St. Louis, Missouri. Su composición es típica de su obra en la forma en que parece a la vez familiar y exótica; sus raíces, bellamente inciertas, se integran sin esfuerzo en el entorno natural y arquitectónico.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Óleo sobre lienzo. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.
Ya a finales de los años 60, Susan Michod comenzó a desarrollar una posición estética a medio camino entre la abstracción modernista y las tendencias estéticas de varias tradiciones indígenas antiguas. Su obra se sitúa en la línea entre estas dos perspectivas cooperativas, recordando tanto el asombro hipnótico del Op Art como los patrones geométricos sobrios propios de las formas artísticas del Centroamérica precolombina. Además de sus contribuciones como artista al Movimiento Pattern and Decoration, Michod fue cofundadora de la Galería Artemisia en Chicago, un espacio de exhibición influyente para artistas mujeres, donde luminarias como Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff y Nancy Spero, entre muchas otras, mostraron sus primeras obras.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acrílico sobre papel. 40 x 30 in. © Susan Michod
Junto con Miriam Schapiro, Robert Kushner ayudó a organizar algunas de las primeras exposiciones Pattern and Decoration. Kushner llegó al campo del arte desde el mundo de la ilustración publicitaria, que dejó en 1961 tras ver una exposición de la obra de Franz Kline. Sin embargo, le tomó algunos años ganar la confianza para desarrollar su propia voz única. Después de experimentar con una variedad de estilos, desde el Expresionismo Abstracto, hasta el Minimalismo, hasta la Pintura de Campo de Color, finalmente abandonó las tendencias predominantes para dar un salto estilístico personal en 1972, aplicando “formas” en plantilla a sus lienzos en un patrón “total”. A lo largo de los años 70, estas pinturas con plantillas evolucionaron para incluir más imágenes florales, abrazando un punto medio entre las celebraciones formalistas de la decoración y las representaciones figurativas de jardines simétricos.
Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Acrílico, varios textiles. 205 x 330,5 cm. Cortesía Ludwig Museum – Museo de Arte Contemporáneo, Budapest, Schenkung Peter und Irene Ludwig / donación de Peter e Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museo de Arte Contemporáneo, Budapest. © Robert Kushner
Imagen destacada: Susan Michod - Sin título, 1977. Acuarela sobre papel. 30 in. x 22.5 in. (76.2 cm x 57.15 cm). RoGallery en Long Island City, NY. © Susan Michod
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
