Por qué Jackie Winsor es excéntricamente abstracta
La obra de Jackie Winsor ofrece un contraste perfectamente maravilloso a las teorías académicas sobre la abstracción contemporánea. El debate que impulsa la mayoría de las conversaciones actuales sobre el arte abstracto gira inevitablemente en torno a la diferencia entre la abstracción pura—arte que no tiene relación alguna con el llamado mundo real—y la abstracción que se deriva o se abstrae de algo figurativo. Durante más de cinco décadas, Winsor ha creado obras que, en teoría, podrían encajar en cualquiera de los dos lados de este debate. Por ejemplo, la presencia inquietante de “Chunk Piece” (1970), un tronco enrollado de cáñamo, podría considerarse algo abstraído del mundo real, a pesar de que no existe nada exactamente igual en la realidad. Mientras tanto, “Pink and Blue Piece” (1985), un cubo espejado, podría llamarse abstracción formalista pura, ya que es simplemente una forma geométrica simple descansando en el espacio. Sin embargo, ambas obras también podrían describirse de innumerables otras maneras. El cubo supuestamente formalista podría ser figurativo, ya que se asemeja a numerosos otros objetos del mundo real; y el tronco supuestamente abstraído puede no ser abstracto en absoluto—podría ser un objeto concreto y autorreferencial que existe sin otra razón que expresar sus propias cualidades. Tan excéntricas e individualistas son las esculturas que Winsor crea que deshacen por completo el debate sobre la abstracción. Existen fuera de la conversación, volviéndola irrelevante. Sin embargo, son tan convincentes a nivel visceral—tan sublime y declarativamente algo esencial, pero más allá de nuestro intelecto—que no puedo evitar pensar que son esenciales para nuestra comprensión de la abstracción. Como otros dos visionarios de su generación—Richard Serra y Eva Hesse—Winsor representa la promesa de que el arte abstracto puede ser simultáneamente inimaginablemente esotérico y innegablemente humano.
Existir con terquedad
En 1979, a los 37 años, Winsor tuvo una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición presentó 24 obras. En el ensayo del catálogo para la muestra, Winsor fue descrita como “una de las escultoras jóvenes más destacadas de hoy.” Sin embargo, el ensayo no ofrece mucha claridad sobre qué fue exactamente lo que hizo que los curadores consideraran tan importante la obra de Winsor. Evitando toda hipérbole, simplemente señala sobre la obra “su objetualidad o, como dice Ellen Johnson citando a Rilke, su ‘existencia obstinada.’” Las piezas de la exposición en el MoMA compartían una cualidad universal que se describe mejor como comunicativa de un esfuerzo meticuloso y prolongado: eran evidencia de trabajo. “Bound Square” (1972) parece tan básico como un simple marco de madera, pero las millas de cuerda enrolladas en sus esquinas desmienten el hecho de que Winsor pasó innumerables horas atando metódicamente la pieza. “Four Corners” (1972) es una simple disposición de cuatro formas redondas en el suelo, pero ¿cuántas horas se dedicaron a moldear las bolas? De igual manera, los innumerables clavos clavados en la parte superior de madera de “Nail Piece” (1970) sugieren una cualidad maniática, mientras que la titulada autorreferencialmente “30 to 1 Bound Trees” (1971-72) parece interrogar el valor de todo trabajo humano en relación con la naturaleza.
Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Madera y cuerda. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). Fundación Joseph G. Mayer, en honor a James Thrall Soby y Fondo Grace M. Mayer en honor a Alfred H. Barr, Jr. Colección MoMA. © 2019 Jackie Winsor
La primera reacción que uno podría tener al encontrarse con esculturas como “Bound Square,” “Four Corners,” “Nail Piece” y “30 to 1 Bound Trees” es admirar la simplicidad abstracta de las formas. Quizá en segundo lugar, uno podría sentir una atracción visceral hacia la fisicalidad cruda de los materiales—la madera, el cáñamo y el metal. Pero es en el proceso de finalmente imaginar el esfuerzo que se dedicó a la creación de las esculturas donde nuestra conexión humana con esas formas y esos materiales alcanza su punto máximo. Es entonces cuando nos damos cuenta de que las simples formas geométricas no fueron elegidas solo por sus cualidades formales abstractas, sino porque se prestan mejor al trabajo repetitivo y monótono. Imaginar la sensación de sostener la madera, el cáñamo, el martillo y los clavos en nuestras manos durante horas conecta las esculturas con nuestra humanidad de carne y hueso. Las piezas, de hecho, existen con terquedad a pesar de nuestra capacidad para describirlas, validarlas o asignarles significado; también ocupan obstinadamente un territorio intelectual, celebrando con su existencia la naturaleza inherentemente bella pero desconcertante de todo esfuerzo.
Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Cemento, madera quemada y malla metálica. 33 7/8 x 34 x 34" (86.1 x 86.4 x 86.4 cm). Donación de Agnes Gund. Colección MoMA. © 2019 Jackie Winsor
El fin de las etiquetas
Una de las etiquetas más dudosas que se le ha asignado frecuentemente a Winsor es “Arte del Proceso,” que es una forma de describir fenómenos estéticos para los cuales el objeto final no es importante—es el proceso de creación lo que más importa. Lo que sin duda confunde a la gente sobre Winsor es que el proceso es tan obviamente vital para sus creaciones. De hecho, nada de lo que hace podría surgir sin que ella invente a menudo procesos completamente nuevos, que incorporan métodos y técnicas novedosas específicas, quizás, solo para la creación de una escultura en particular. Por importantes que sean sus procesos, sin embargo, el objeto final sigue siendo vital. Sí, es el resultado del proceso y la validación del proceso, pero también es la razón de ser del proceso. Sin la visión que Winsor tuvo para un objeto, que existe con terquedad en el espacio y tiempo reales, el proceso no tendría razón de existir.
Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Contrachapado. 7 1/2 x 48 x 48" (19.1 x 121.9 x 121.9 cm). Donación de la Fundación Gilman en memoria de J. Frederic Byers III. Colección MoMA. © 2019 Jackie Winsor
Otra etiqueta que se le asigna frecuentemente a Winsor es Postminimalismo. Esta etiqueta, también, tiene poca relación con su obra. El arte postminimalista usa el minimalismo como punto de partida o referencia, pero no adopta todas sus creencias conceptuales. Winsor se aparta de esta descripción confusa y de todas las demás etiquetas a medias. Como Marcel Duchamp, ella es un movimiento artístico de una sola persona. Da vida a esculturas que hablan con confianza sobre lo que significa tener presencia; contener textura; ocupar espacio; ser el resultado del trabajo. Crea arte que declara que tiene tanto derecho a estar aquí como cualquier roca, árbol o criatura. Sus esculturas no necesitan ser validadas por la teoría ni explicadas académicamente para reclamar su autonomía. Nos liberan de la necesidad de categorizar o incluso entender. Todo lo que necesitamos para apreciar su obra es simplemente apreciarla por lo que indudablemente es: concreta; abstracta; esotérica; excéntrica; y humana.
Imagen destacada: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Cáñamo. 36 x 38 in. (91.4 x 96.5 cm). Galería Paula Cooper. © Jackie Winsor
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
