Por qué Jackie Winsor es excéntricamente abstracta

El trabajo de Jackie Winsor proporciona un contrapunto perfectamente maravilloso a las teorías académicas sobre la abstracción contemporánea. El debate que impulsa la mayoría de las conversaciones actuales sobre el arte abstracto gira inevitablemente en torno a la diferencia entre la abstracción pura—arte que no tiene relación alguna con el llamado mundo real—y la abstracción que se deriva de, o se abstrae de, algo figurativo. Durante más de cinco décadas, Winsor ha estado creando obras que podrían, en teoría, encajar en cualquiera de los dos lados de este debate. Por ejemplo, la presencia inquietante de “Chunk Piece” (1970), un tronco de cáñamo enrollado, podría considerarse algo abstraído del mundo real, a pesar de que nada igual existe en la realidad. Mientras tanto, “Pink and Blue Piece” (1985), un cubo espejado, podría ser llamado pura abstracción formalista, ya que es solo una forma geométrica simple descansando en el espacio. Sin embargo, ambas obras también podrían describirse de innumerables otras maneras. El cubo supuestamente formalista podría ser figurativo, ya que se asemeja a numerosos otros objetos en el mundo real; y el tronco supuestamente abstraído puede no ser abstracto en absoluto—puede ser un objeto concreto y autorreferencial que existe por ninguna otra razón que expresar sus propias cualidades. Tan excéntricas e individualistas son las esculturas que Winsor crea que deshacen por completo el debate sobre la abstracción. Existen fuera de la conversación, haciéndola irrelevante. Sin embargo, son tan convincentes a un nivel visceral—tan sublimemente declarativas de algo esencial, pero más allá de nuestra intelecto—que no puedo evitar pensar que son esenciales para nuestra comprensión de la abstracción. Al igual que otros dos visionarios de su generación—Richard Serra y Eva Hesse—Winsor representa la promesa de que el arte abstracto puede ser simultáneamente inimaginablemente esotérico y, indudablemente, humano.

Existir obstinadamente

En 1979, a la edad de 37 años, Winsor tuvo una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición presentó 24 obras. En el ensayo del catálogo para la muestra, Winsor fue descrito como “uno de los escultores jóvenes más destacados de hoy en día.” Sin embargo, el ensayo no proporciona mucha claridad sobre lo que exactamente hizo que los curadores pensaran que el trabajo de Winsor era tan importante. Evitando toda hipérbole, simplemente señala sobre el trabajo “su objetualidad o, como dice Ellen Johnson, citando a Rilke, su ‘existencia obstinada.’” Las piezas de la exposición en el MoMA compartían una cualidad universal que se describe mejor como comunicativa de un esfuerzo meticuloso y prolongado: eran evidencia de trabajo. “Bound Square” (1972) parece tan básico como un simple marco de madera, pero las millas de cuerda envueltas alrededor de sus esquinas desmienten el hecho de que Winsor se sentó durante innumerables horas atando metódicamente la pieza. “Four Corners” (1972) es una simple disposición de cuatro formas redondas en el suelo, pero ¿cuántas horas se dedicaron a dar forma a las bolas? Asimismo, los innumerables clavos clavados en la parte superior de madera de “Nail Piece” (1970) sugieren una cualidad maníaca, mientras que el título autorreferencial “30 to 1 Bound Trees” (1971-72) parece interrogar el valor de todo trabajo humano en relación con la naturaleza.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Madera y cuerda. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). Fundación Joseph G. Mayer, Inc., en honor a James Thrall Soby y el Fondo Grace M. Mayer en honor a Alfred H. Barr, Jr. Colección MoMA. © 2019 Jackie Winsor

La primera reacción que uno podría tener al encontrarse con esculturas como “Bound Square”, “Four Corners”, “Nail Piece” y “30 to 1 Bound Trees” es admirar la simplicidad abstracta de las formas. Quizás en segundo lugar uno podría sentir una atracción visceral hacia la fisicalidad cruda de los materiales: la madera, el cáñamo y el metal. Pero es en el proceso de imaginar finalmente el esfuerzo que se dedicó a la creación de las esculturas donde nuestra conexión humana con esas formas y esos materiales alcanza su apogeo. Es entonces cuando nos damos cuenta de que las simples formas geométricas no fueron elegidas solo por sus cualidades abstractas formales, sino porque son las que más se prestan a un trabajo repetitivo y monótono. Imaginar la sensación de sostener la madera, el cáñamo, el martillo y los clavos en nuestras manos hora tras hora conecta las esculturas con nuestra humanidad de carne y hueso. Las piezas, de hecho, existen obstinadamente a pesar de nuestra capacidad para describirlas, validarlas o asignarles significado; también ocupan obstinadamente un territorio intelectual, celebrando con su existencia la naturaleza inherentemente hermosa pero desconcertante de todo esfuerzo.

Jackie Winsor - Pieza quemada, 1977-78. Cemento, madera quemada y malla de alambre. 33 7/8 x 34 x 34" (86.1 x 86.4 x 86.4 cm). Regalo de Agnes Gund. Colección MoMA. © 2019 Jackie Winsor

El fin de las etiquetas

Una de las etiquetas más dudosas que se le ha asignado frecuentemente a Winsor es "Arte de Proceso", que es una forma de describir fenómenos estéticos para los cuales el objeto final no es importante; es el proceso de creación lo que más importa. Lo que confunde a la gente, sin duda, sobre Winsor es que el proceso es tan vital para sus creaciones. De hecho, nada de lo que ella hace podría surgir sin que inventara a menudo procesos completamente nuevos, que incorporan métodos y técnicas novedosas específicos, quizás, solo para la creación de una escultura en particular. Tan importantes como son sus procesos, sin embargo, el objeto final sigue siendo vital. Sí, es el resultado del proceso, y la validación del proceso, pero también es la razón de ser del proceso. Sin la visión que Winsor tenía para un objeto, existiendo obstinadamente en el espacio y el tiempo reales, el proceso no tendría razón de existir.

Jackie Winsor - Contrachapado Laminado, 1973. Contrachapado. 7 1/2 x 48 x 48" (19.1 x 121.9 x 121.9 cm). Donación de la Fundación Gilman en memoria de J. Frederic Byers III. Colección del MoMA. © 2019 Jackie Winsor

Otro etiquetado que frecuentemente se asigna a Winsor es el Post-Minimalismo. Esta etiqueta, también, tiene poco peso en su trabajo. El arte post-minimalista utiliza el minimalismo como punto de partida, o como punto de referencia, pero no abraza todas sus creencias conceptuales. Winsor se destaca de esta descripción confusa, y de todas las demás etiquetas a medio hacer. Al igual que Marcel Duchamp, ella es un movimiento artístico en sí misma. Ella trae esculturas a la existencia que hablan con confianza sobre lo que significa tener una presencia; contener textura; ocupar espacio; ser el resultado del trabajo. Ella crea arte que declara que tiene tanto derecho a estar aquí como cualquier roca, árbol o criatura. Sus esculturas no necesitan ser validadas por la teoría, o explicadas académicamente, para reclamar su agencia. Nos liberan de tener que categorizar, o incluso entender. Todo lo que necesitamos hacer para apreciar su trabajo es simplemente apreciarlo por lo que indudablemente es: concreto; abstracto; esotérico; excéntrico; y humano.

Imagen destacada: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Cáñamo. 36 x 38 in. (91.4 x 96.5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio