Martin Barré, el artista abstracto olvidado, en el Centre Pompidou
La retrospectiva Martin Barré, que se exhibe del 14 de octubre de 2020 al 4 de enero de 2021 en el Centro Pompidou, ofrece la mirada más completa hasta ahora sobre la carrera siempre cambiante de este enigmático artista. Sin embargo, a pesar de su fama local (20 de las obras en la muestra provienen de la colección permanente del Pompidou), sin duda habrá muchos espectadores fuera de Francia que no tienen idea de quién es este artista. Si observan su obra solo desde un punto de vista contemporáneo, incluso podrían preguntarse por qué deberían interesarse. Barré no abordó ninguna preocupación social o política particular en su obra. De hecho, sus pinturas a menudo parecen no tener contenido alguno, ni causan gran impacto como objetos. En verdad, Barré (1924 — 1993) también fue frecuentemente ignorado en su propio tiempo. No obstante, para muchos de nosotros hay algo innegablemente atractivo en su obra. Sencillas, y a veces incluso simplistas, sus pinturas son honestas, divertidas e indudablemente humanas. Barré hizo pinturas que apenas parecen pinturas, y siento que ese era el propósito. Como aclara la retrospectiva del Pompidou, Barré atravesó al menos cinco cambios importantes en su estilo visual. Estos cambios quizás fueron insignificantes en términos de historia del arte, pero eso no disminuye la verdad que su evolución reveló constantemente: que la única obligación de un artista es hacia su propia curiosidad. En nuestra época, cuando se espera que cada artista pueda presentar una defensa académica, social y política vigorosa de su obra, Barré podría parecer poco serio. Pero eso siempre fue así, incluso hace medio siglo. Nunca encajó. Siguiendo sus propios intereses, Barré se convirtió para sus admiradores franceses en lo que Agnes Martin es para los estadounidenses: un profeta del Minimalismo tanto como método estético, como camino hacia el autoconocimiento.
El Proto-Minimalista
Nacido en Nantes, en el oeste de Francia, en 1924, se dice que Barré caminó todo el camino hasta París como un aspirante a artista de 19 años. El viaje de 376 km le tomó cinco días. Durante la siguiente década estudió en varias academias de arte y experimentó con diversos métodos y lenguajes visuales. Pronto determinó que el único camino para él era la abstracción, y la principal preocupación abstracta que le interesaba era la relación entre la imagen pintada y su fondo (o superficie preparada). Barré tenía curiosidad por lo que podía constituir una pintura; qué hacía que las pinturas fueran distintas; y qué podía considerarse contenido en una pintura. No pensaba que fuera un pionero al hacer estas preguntas. Por el contrario, refiriéndose a una pintura creada medio siglo antes, dijo: “Toda pintura me parece que conduce a y parte del cuadro negro sobre fondo blanco de Malevich.”
Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acrílico sobre lienzo. 120 x 120 cm. Centro Pompidou, Museo nacional de arte moderno, París. © Centro Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, París 2020
En varias de sus primeras pinturas abstractas, Barré también usó el cuadrado para explorar la relación entre imagen y fondo. En lugar de pintar los cuadrados, bloqueaba la forma, delimitando su vacío con el espacio pintado a su alrededor. La simple pregunta que proponen estas pinturas es si el vacío puede ser contenido. Luego, simplificó aún más su método, inspirándose en los grafitis pintados con aerosol que veía por París. Percibiendo los botes de pintura en aerosol como extensiones perfectas de la mano del artista, hizo una serie de pinturas que parecen nada más que líneas rociadas sobre las superficies preparadas de los lienzos. A veces rociaba líneas en un patrón. Otras veces solo una línea pequeña en una esquina del lienzo. A veces pintaba garabatos. Otras veces colgaba varios lienzos en una pared y continuaba una línea de un lienzo a otro. La cualidad mínima de estas obras destacaba en contraste con las obras que sus contemporáneos hacían en los años 60, otorgándole a Barré su reputación de ser anti-cultura y un proto-Minimalista.
Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Óleo sobre lienzo. 100 x 100 cm. Colección privada, París; cortesía Applicat-Prazan, París. © Martin Barré, Adagp, París 2020 / Foto: Art Digital Studio
Preguntas simples
En los años 70, Barré tomó un descanso de cuatro años de la pintura para explorar lo que llamó foto-conceptualismo. Este período de su carrera no se explora frecuentemente en sus exposiciones de galería. A veces me pregunto, si el arte no pudiera comprarse ni venderse, ¿cómo cambiaría eso la forma en que la gente escribe sobre él? Usualmente, creo que escribirían menos. En el caso de Barré, creo que escribirían más, especialmente sobre esta pausa. Puede que no haya generado productos para vender en tiendas de arte, pero afectó profundamente la forma en que Barré entendía su pregunta central sobre imagen versus fondo. Cuando terminó, sus pinturas se volvieron mucho más densas, con cuadrículas esbozadas que sostenían marcas de rayado pintadas, que a su vez están veladas por capas de lavado transparente. Estas obras siguen siendo geométricas, volviendo a Malevich y sus cuadrados, pero son bastante complejas y se acercan más que cualquier obra anterior de Barré a abrazar lo que la mayoría de los espectadores consideraría contenido.
Martin Barré - 60-T-43, 1960. Óleo sobre lienzo. 81 x 330 cm (cuadríptico). Colección privada. Cortesía Matthew Marks Gallery, Nueva York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, París 2020
En sus últimos años, Barré refinó nuevamente su lenguaje visual, esta vez creando una serie de obras geométricas de bordes definidos que sugieren su afinidad con otro pionero de la abstracción: Piet Mondrian. Estas, sus pinturas finales, con sus composiciones limpias y planas, a veces se hablan como si fueran rechazos de sus obras anteriores, que son más crudas. Sin embargo, no parecen tan alejadas. Muestran líneas pintadas sobre un fondo para delimitar el espacio. Las áreas pintadas interrogan el fondo, planteando preguntas sobre qué parte de la pintura es la imagen. Como todas sus pinturas anteriores, estas obras finales preguntan qué es más importante: ¿el contenido de una pintura o su soporte? Para mí, esta no es solo una pregunta sobre la pintura, sino también una cuestión existencial sobre ser pintor. Pregunta qué es válido a los ojos de los demás; qué debe recibir atención; y qué vale nuestro tiempo—preguntas simples tal vez, planteadas por pinturas simples, pero cuya simplicidad crea espacio para que aprendamos sobre nosotros mismos.
Imagen destacada: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Óleo sobre lienzo. 192 x 253 cm (cuadríptico). Centro Pompidou, Museo nacional de arte moderno, París. © Centro Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, París 2020
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
