Martin Barré, el artista abstracto olvidado, en el Centre Pompidou

La retrospectiva Martin Barré, en exhibición del 14 de octubre de 2020 al 4 de enero de 2021 en el Centro Pompidou, ofrece la mirada más completa hasta ahora sobre la carrera siempre en evolución de este enigmático artista. Sin embargo, a pesar de su fama local (20 de las obras en la muestra provienen de la colección permanente del Pompidou), sin duda habrá muchos espectadores de fuera de Francia que no tienen idea de quién es este artista. Si miran su trabajo solo desde un punto de vista contemporáneo, incluso pueden preguntarse por qué deberían interesarse. Barré no abordó ninguna preocupación social o política particular en su obra. De hecho, sus pinturas a menudo parecen no tener contenido en absoluto, ni hacen mucho ruido como objetos. De hecho, Barré (1924 — 1993) también fue frecuentemente menospreciado en su propio tiempo. No obstante, para muchos de nosotros hay algo indudablemente atractivo en su trabajo. Simples, e incluso a veces simplistas, sus pinturas son honestas, divertidas y inconfundiblemente humanas. Barré hizo pinturas que apenas parecen ser pinturas, y siento que ese era el punto. Como aclara la retrospectiva del Pompidou, Barré pasó por al menos cinco cambios importantes en su estilo visual. Estos cambios fueron quizás inconsecuentes en términos de historia del arte, pero eso no disminuye la verdad que su evolución reveló consistentemente: que la única obligación que tiene un artista es con su propia curiosidad. En nuestra época, cuando se espera que cada artista pueda presentar una defensa académica, social y política vigorosa de su trabajo, Barré podría parecer menos que serio. Pero eso siempre fue así, incluso hace medio siglo. Nunca encajó. Al seguir sus propios intereses, Barré se convirtió para sus admiradores franceses en lo que Agnes Martin es para los estadounidenses: un profeta del Minimalismo tanto como método estético, como un camino hacia el autoconocimiento.

El Proto-Minimalista

Nacido en Nantes, en el oeste de Francia, en 1924, Barré supuestamente caminó todo el camino hasta París como un artista aspirante de 19 años. El viaje de 376 km le tomó cinco días. Durante la siguiente década estudió en varias academias de arte y experimentó con diversos métodos y lenguajes visuales. Pronto determinó que la única forma de avanzar para él era la abstracción, y la principal preocupación abstracta que le interesaba era la relación entre la imagen pintada y su fondo (o superficie preparada). Barré tenía curiosidad sobre qué podría constituir una pintura; qué hacía que las pinturas fueran distintas; y qué podría contar como contenido en una pintura. No pensaba que fuera un pionero al hacer estas preguntas. Por el contrario, refiriéndose a una pintura creada medio siglo antes, dijo: “Toda pintura me parece llevar a y partir de el cuadrado negro de Malevich sobre un fondo blanco.”

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Acrílico sobre lienzo. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Museo nacional de arte moderno, París. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, París 2020

En varias de sus primeras pinturas abstractas, Barré también utilizó el cuadrado para explorar la relación entre la imagen y el fondo. En lugar de pintar los cuadrados, bloqueó la forma, delineando su vacuidad con el espacio pintado a su alrededor. La simple pregunta que proponen estas pinturas es si la vacuidad puede ser contenido. A continuación, simplificó aún más su método, inspirándose en el graffiti pintado con spray que vio en París. Perceptando las latas de spray como extensiones perfectas de la mano del artista, realizó una serie de pinturas que no parecen ser más que líneas rociadas sobre las superficies preparadas de los lienzos. A veces rociaba líneas en un patrón. Otras veces, solo rociaba una pequeña línea en una esquina de un lienzo. A veces pintaba garabatos. Otras veces colgaba múltiples lienzos en una pared y continuaba una línea de lienzo a lienzo. La calidad mínima de estas obras se destacó en contraste con las obras que sus contemporáneos estaban haciendo en la década de 1960, otorgándole a Barré su reputación de ser anti-cultura y un proto-Minimalista.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Óleo sobre lienzo. 100 x 100 cm. Colección privada, París; cortesía de Applicat-Prazan, París. © Martin Barré, Adagp, París 2020 / Foto: Art Digital Studio

Preguntas sencillas

En la década de 1970, Barré tomó un descanso de cuatro años de la pintura para explorar lo que él llamaba foto-conceptualismo. Este período de su carrera no se explora con frecuencia en sus exposiciones de galería. A veces me pregunto, si el arte no pudiera comprarse ni venderse, ¿cómo cambiaría eso la forma en que la gente escribe sobre él? Por lo general, creo que escribirían menos. En el caso de Barré, creo que escribirían más, especialmente sobre este hiato. Puede que no haya generado ningún producto para ser vendido en tiendas de arte, pero afectó profundamente la forma en que Barré entendía su pregunta central sobre imagen versus fondo. Cuando terminó, sus pinturas se volvieron mucho más densas, con rejillas esbozadas que soportan marcas de trazo pintadas, que a su vez están veladas en capas de lavado claro. Estas obras siguen siendo geométricas, volviendo a Malevich y sus cuadrados, pero son bastante complejas, y se acercan más que cualquier cosa que Barré hizo antes a abrazar lo que la mayoría de los espectadores considerarían contenido.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Óleo sobre lienzo. 81 x 330 cm (cuadríptico). Colección privada. Cortesía de Matthew Marks Gallery, Nueva York / Foto: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, París 2020

En sus últimos años, Barré refinó una vez más su lenguaje visual, esta vez creando una serie de obras geométricas de bordes duros que sugieren su afinidad con otro abstraccionista temprano: Piet Mondrian. Estas, sus últimas pinturas, con sus composiciones limpias y planas, a veces se comentan como si fueran rechazos de sus obras anteriores, que son más crudas. Sin embargo, no parecen tan distantes. Muestran líneas pintadas sobre un fondo para delinear el espacio. Las áreas pintadas interrogan el fondo, planteando preguntas sobre qué parte de la pintura es la imagen. Como lo hicieron todas sus pinturas anteriores, estas obras finales preguntan qué es más importante: ¿el contenido de una pintura o su soporte? Para mí, esta no es solo una pregunta sobre la pintura, sino también una pregunta existencial sobre ser pintor. Pregunta qué es válido a los ojos de los demás; qué debería recibir atención; y qué vale nuestro tiempo—preguntas simples tal vez, planteadas por pinturas simples, pero su simplicidad hace espacio para que aprendamos sobre nosotros mismos.

Imagen destacada: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Óleo sobre lienzo. 192 x 253 cm (cuadríptico). Centre Pompidou, Museo nacional de arte moderno, París. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, París 2020
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio