Sobre el Ilusionismo Abstracto - Sacando la Realidad de la Ilusión

Gracias a la propagación del COVID-19, el campo del arte ha entrado en un extraño tiempo de extrema planitud, ya que cada exposición en el mundo se reimagina en forma digital. Eso hace que este sea el momento perfecto para mirar hacia atrás a un movimiento poco apreciado y malentendido llamado Ilusionismo Abstracto, cuyo propósito era reclamar el elemento de profundidad. Es probable que nunca hayas oído hablar de este movimiento, porque casi nunca se enseña en las clases de historia del arte hoy en día. ¿Por qué no? Mi suposición es que fue demasiado exitoso para su propio bien. Fue tan popular que se extendió más allá del mundo del arte, a cada aspecto de la cultura visual, donde así fue reducido a un truco. El Ilusionismo Abstracto es básicamente una amalgama de trompe l’oeil (un término francés que significa “engañar al ojo”) con tendencias del arte abstracto de mediados del siglo XX como el Expresionismo Abstracto y la Abstracción Geométrica. Los pintores de trompe l’oeil engañan a los espectadores haciéndoles pensar que realmente están mirando la realidad, engañando al ojo a través de texturas, tonos y colores hiperrealistas, invitando a los espectadores a entrar en el marco ilusionista y desaparecer en el mundo pintado. La mayoría de los artistas consideran que la abstracción es lo opuesto al trompe l’oeil. Sin embargo, los Ilusionistas Abstractos encontraron inspiración en la idea del trompe l’oeil de que una pintura podría convertirse en un sustituto de la realidad. En lugar de usar esta idea para replicar la realidad, sin embargo, la utilizaron para hacer que elementos abstractos formales como líneas, pinceladas y formas—que no tienen significado ni relación con la realidad representacional—parecieran existir, protruyéndolos hacia nosotros, aparentemente como parte de nuestro entorno real. Los artistas asociados con este movimiento eran tan buenos en lo que hacían que para la década de 1980, cuando el movimiento estaba en su apogeo, sus técnicas eran utilizadas por cada diseñador gráfico en el planeta. Cuando miras hacia atrás en el lenguaje visual de esa década hoy, todo, desde los gráficos de videojuegos hasta las portadas de álbumes, toma prestadas las lecciones del Ilusionismo Abstracto—un legado decepcionante para un movimiento que fue tan exitoso que fue golpeado hasta el suelo por el público que lo adoraba.

Perspectivas Imposibles

A pesar del horrible destino que finalmente sufrieron, los Ilusionistas Abstractos al menos están en buena compañía. Se les une una larga lista de otros artistas que se volvieron demasiado populares para que el mundo del arte los amara. Uno en particular que viene a la mente es Maurits Cornelis (M. C.) Escher, un artista holandés que se especializó en crear complejas xilografías de escenas que mostraban realidades espaciales aparentemente imposibles. Sus imágenes más famosas son las escaleras que parecen subir, bajar y moverse de lado al mismo tiempo, y su imagen de dos manos dibujándose mutuamente en existencia. A pesar de ser uno de los dibujantes más talentosos y astutos de la historia humana, fue prácticamente ignorado por los conocedores del mundo del arte, quienes consideraban su trabajo como kitsch. Escher tenía 70 años cuando su obra recibió una adecuada retrospectiva. Sin embargo, el trabajo de artistas pioneros (y mucho más famosos y respetados) del Op Art como Victor Vasarely y Bridget Riley depende absolutamente de las técnicas que Escher perfeccionó.

Ron Davis - Ring, 1968. Resina de poliéster y fibra de vidrio. 56 1/2" x 11' 4" (143.4 x 345.6 cm). Colección del MoMA. Fondo Sr. y Sra. Samuel C. Dretzin. © 2020 Ron Davis

El Ilusionismo Abstracto no solo sufrió este mismo destino, sino que los artistas que lo pionearon también se inspiraron directamente en las técnicas y teorías que desarrolló Escher. Las cosas en sus pinturas no son reales; no pueden ser reales; y sin embargo, cuando las miramos, nuestras mentes se convencen de su realidad. Cuando miramos una pintura de Jackson Pollock, tenemos la opción de perdernos en sus complejidades, o de admirar las cualidades táctiles de sus capas de impasto. Pero cuando un Ilusionista Abstracto crea una pintura de salpicaduras, nuestra mente es acosada sin cesar por la ilusión de que las pinceladas y salpicaduras flotan en el espacio. La trascendencia se vuelve imposible mientras nuestros ojos y cerebro luchan por reconciliar la ilusión. Si sabemos que lo que estamos viendo son solo patrones, marcas de pincel y colores, podemos abordar la obra en ese nivel formal. Al hacer que estos elementos parezcan existir en un espacio real independiente de la intención, el significado o el tema, los Ilusionistas Abstractos nos obligan a considerarlos como objetos reales, cosas con derecho a existir en el mismo mundo que las rocas, los conejitos de polvo y los plátanos, cosas con un papel que desempeñar en nuestro ecosistema experiencial.

Paul Sarkisian - #6,1981. Acrílico, purpurina y serigrafía sobre lienzo. 43 x 45 in. (109.2 x 114.3 cm). © Paul Sarkisian

La Realidad de la Ilusión

Si el trompe l’oeil es la ilusión de la realidad, y la abstracción es la expansión de la realidad, el Ilusionismo Abstracto podría considerarse como la expansión de la realidad de la ilusión. En 1979, el Museo de Arte de Denver solidificó el legado del movimiento con una exposición titulada exactamente así: Realidad de Ilusión. La exposición canonizó a un pequeño grupo de artistas que ahora se consideran los pioneros del Ilusionismo Abstracto, incluyendo a Joe Doyle, James Havard y Jack Reilly. Doyle combinó geometría y expresionismo, creando pinturas caprichosas y coloridas que hacen parecer que círculos, triángulos y garabatos flotan en un espacio ilusionista sobre superficies planas pintadas con salpicaduras, goteos y marcas de pincel.

James Havard - Airkara Bear's Belly, 1976. Acrílico, pastel y grafito sobre papel montado en tablero. 40 x 31 7/8 in. (101.6 x 80.9 cm). Marian Locks Gallery, Filadelfia. Adquirido de lo anterior por el propietario actual, 1976. © James Havard

Reilly, también, abrazó una especie de lenguaje visual juguetón en su trabajo, creando pinturas escultóricas que parecen volar hacia el espacio como explosiones de energía en un cómic, o partes explosivas de una máquina imaginaria soñada por Francis Picabia. De estos tres Ilusionistas Abstractos, Havard fue el más sobrio. Creó composiciones sombrías que, aunque aún abrazaban el uso de sombras y perspectiva para hacer que los elementos parecieran flotar en el espacio, también actualizaban posiciones estéticas históricas como el Cubismo y el Art Brut de maneras contemplativas. Mirando hacia atrás hoy en el trabajo de estos y otros protagonistas de este movimiento malentendido, es fácil desestimar sus esfuerzos, ya que los restos del Ilusionismo Abstracto están esparcidos liberalmente a lo largo de la frecuentemente horrible cultura popular de hace una generación. Llama a su trabajo un truco, o cursi, o psicodélico, o pedestre. Llámalo como quieras, pero sigue siendo legítimo. Estaban tratando de reclamar la profundidad como un elemento formal en la pintura: una búsqueda seria, y una que especialmente en la era de COVID-19, y una sobrecarga de exposiciones digitales, todavía tiene mucho significado para nosotros hoy.

Imagen destacada: James Havard - Flat Head River, 1976, acrílico sobre lienzo, 72 x 96 pulgadas. Louis K. Meisel Gallery.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio