Sobre el Ilusionismo Abstracto - Sacando la Realidad de la Ilusión
Gracias a la propagación del COVID-19, el campo del arte ha entrado en un extraño periodo de extrema planitud, ya que cada exposición en el mundo se reimagina en forma digital. Esto hace que sea el momento perfecto para mirar atrás al movimiento poco valorado y mal entendido llamado Ilusionismo Abstracto, cuyo propósito principal era recuperar el elemento de la profundidad. Probablemente nunca hayas oído hablar de este movimiento, porque casi nunca se enseña en las clases de historia del arte hoy en día. ¿Por qué no? Mi suposición es que fue demasiado exitoso para su propio bien. Fue tan popular que se extendió más allá del mundo del arte, hacia todos los aspectos de la cultura visual, donde fue reducido a un truco. El Ilusionismo Abstracto es básicamente una mezcla de trompe l’oeil (un término francés que significa “engañar al ojo”) con tendencias del arte abstracto de mediados del siglo XX como el Expresionismo Abstracto y la Abstracción Geométrica. Los pintores trompe l’oeil engañan a los espectadores haciéndoles creer que realmente están viendo la realidad, engañando al ojo mediante texturas, tonos y colores hiperrealistas, invitando a los espectadores a entrar en el marco ilusorio y desaparecer en el mundo pintado. La mayoría de los artistas consideran que la abstracción es lo opuesto al trompe l’oeil. Sin embargo, los Ilusionistas Abstractos encontraron inspiración en la idea del trompe l’oeil de que una pintura podría convertirse en un sustituto de la realidad. En lugar de usar esta idea para replicar la realidad, la usaron para hacer que elementos formales abstractos como líneas, pinceladas y formas —que no tienen significado ni relación con la realidad representacional— parezcan existir, sobresaliendo hacia nosotros, aparentemente como parte de nuestro entorno real. Los artistas asociados con este movimiento eran tan buenos en lo que hacían que para los años 80, cuando el movimiento estaba en su apogeo, sus técnicas eran usadas por todos los diseñadores gráficos del planeta. Cuando miramos hoy el lenguaje visual de esa década, todo, desde los gráficos de videojuegos hasta las portadas de álbumes, toma prestadas las lecciones del Ilusionismo Abstracto —un legado decepcionante para un movimiento que fue tan exitoso que el público que lo adoraba lo agotó.
Perspectivas Imposibles
A pesar del terrible destino que finalmente sufrieron, los Ilusionistas Abstractos al menos están en buena compañía. Se les une una larga lista de otros artistas que se volvieron demasiado populares para que el mundo del arte los amara. Uno en particular que viene a la mente es Maurits Cornelis (M. C.) Escher, un artista neerlandés que se especializó en crear grabados en madera complejos de escenas que mostraban realidades espaciales aparentemente imposibles. Sus imágenes más famosas son las escaleras que parecen subir, bajar y moverse lateralmente al mismo tiempo, y su imagen de dos manos dibujándose mutuamente para existir. A pesar de ser uno de los dibujantes más consumados y astutos de la historia humana, fue prácticamente ignorado por los expertos del mundo del arte, quienes consideraban su obra como kitsch. Escher tenía 70 años cuando su obra recibió una retrospectiva adecuada. Sin embargo, el trabajo de pioneros (y mucho más famosos y respetados) artistas ópticos como Victor Vasarely y Bridget Riley depende absolutamente de las técnicas que Escher perfeccionó.
Ron Davis - Ring, 1968. Resina de poliéster y fibra de vidrio. 56 1/2" x 11' 4" (143.4 x 345.6 cm). Colección MoMA. Fondo Sr. y Sra. Samuel C. Dretzin. © 2020 Ron Davis
El Ilusionismo Abstracto no solo sufrió este mismo destino, sino que los artistas que lo pionearon también tomaron directamente de las técnicas y teorías que Escher desarrolló. Las cosas en sus pinturas no son reales; no pueden ser reales; y sin embargo, cuando las miramos, nuestra mente se convence de su realidad. Cuando miramos una pintura de Jackson Pollock, tenemos la opción de perdernos en sus complejidades o admirar las cualidades táctiles de sus capas de empaste. Pero cuando un Ilusionista Abstracto crea una pintura de salpicaduras, nuestra mente es constantemente molestada por la ilusión de que las pinceladas y salpicaduras flotan en el espacio. La trascendencia se vuelve imposible mientras nuestros ojos y cerebro luchan por reconciliar la ilusión. Si sabemos que lo que estamos viendo son solo patrones, marcas de pincel y colores, podemos abordar la obra en ese nivel formal. Al hacer que estos elementos parezcan existir en un espacio real independiente de la intención, el significado o el tema, los Ilusionistas Abstractos nos obligan a considerarlos como objetos reales, cosas con derecho a existir en el mismo mundo que las piedras, los pelusas de polvo y los plátanos, cosas con un papel que desempeñar en nuestro ecosistema experiencial.
Paul Sarkisian - #6, 1981. Acrílico, purpurina y serigrafía sobre lienzo. 43 x 45 in. (109.2 x 114.3 cm). © Paul Sarkisian
La Realidad de la Ilusión
Si el trompe l’oeil es la ilusión de la realidad, y la abstracción es la expansión de la realidad, el Ilusionismo Abstracto podría considerarse como la expansión de la realidad de la ilusión. En 1979, el Museo de Arte de Denver consolidó el legado del movimiento con una exposición titulada exactamente así: Realidad de la Ilusión. La exposición canonizó a un pequeño grupo de artistas que ahora son considerados los pioneros del Ilusionismo Abstracto, incluyendo a Joe Doyle, James Havard y Jack Reilly. Doyle combinó geometría y expresionismo, creando pinturas caprichosas y coloridas que hacen parecer que círculos, triángulos y garabatos flotan en un espacio ilusionista sobre superficies planas pintadas con salpicaduras, gotas y marcas de pincel.
James Havard - Airkara Bear's Belly, 1976. Acrílico, pastel y grafito sobre papel montado en tabla. 40 x 31 7/8 in. (101.6 x 80.9 cm). Galería Marian Locks, Filadelfia. Adquirido del anterior por el propietario actual, 1976. © James Havard
Reilly también adoptó un lenguaje visual juguetón en su obra, creando pinturas escultóricas que parecen volar hacia el espacio como estallidos de energía en un cómic, o partes explosivas de una máquina imaginaria soñada por Francis Picabia. De estos tres Ilusionistas Abstractos, Havard fue el más sobrio. Creó composiciones sombrías que, aunque aún abrazaban el uso de sombras y perspectiva para hacer parecer que los elementos flotaban en el espacio, también actualizaron posiciones estéticas históricas como el Cubismo y el Art Brut de manera contemplativa. Al mirar hoy el trabajo de estos y otros protagonistas de este movimiento mal entendido, es fácil descartar sus esfuerzos, ya que los restos del Ilusionismo Abstracto están dispersos abundantemente por la cultura popular frecuentemente horrible de una generación atrás. Llama a su obra truculenta, cursi, psicodélica o común. Llámala como quieras, pero sigue siendo legítima. Intentaban reclamar la profundidad como un elemento formal en la pintura: una búsqueda seria, y una que especialmente en la era del COVID-19, y la sobrecarga de exposiciones digitales, aún tiene mucho significado para nosotros hoy.
Imagen destacada: James Havard - Flat Head River, 1976, acrílico sobre lienzo, 72 x 96 pulgadas. Galería Louis K. Meisel.
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
