Arte Abstracto Original en Tinta que No Te Puedes Perder

El arte de la tinta ha existido durante milenios - desde sus inicios griegos toscos y escasos hasta las obras de arte más sofisticadas creadas durante las dinastías Tang y Song en China, seguidas por el período Muromachi en Japón, y encarna la continuidad y el legado de tiempos pasados. Mientras que el arte de la tinta fue el medio principal y más floreciente del arte asiático, los comerciantes europeos preferían mucho más la porcelana china vívida y decorativa que las obras de arte en tinta con sus distintas prácticas creativas y representaciones estéticas. Vilipendiado durante la Revolución Cultural en la China continental, el arte de la tinta moderno emergió en Hong Kong durante los años 70, cuando pintores chinos exiliados experimentaron con la abstracción, creando así el más asombroso arte abstracto en tinta. El arte contemporáneo de la tinta evolucionó a partir de la intrigante exploración del legado cultural y la autoidentidad de los artistas, así como de los desarrollos más recientes en el arte contemporáneo global. Navegando por diferentes estilos de abstracción, pero coqueteando también con el expresionismo y el arte conceptual, la mayoría de los artistas persiguieron convincentemente la abstracción que permitió replantear los conceptos críticos del medio y llegar a una visión más ampliada del arte en tinta. Esta fusión del arte tradicional en tinta con la abstracción occidental atrajo inicialmente a artistas de Taiwán, China continental, Hong Kong, Japón y Corea, pero un grupo de artistas occidentales siguió a medida que se añadieron el vertido y el salpicado a la técnica del pincel. A medida que el arte abstracto gana popularidad, los coleccionistas se apresuran a añadir más piezas nuevas a su colección. ¡Encuentra tu obra de arte favorita en nuestra colección semanal y conviértete en un orgulloso propietario de una!

Martín Reyna - Sin título (Ref 19016)

Esta más reciente de Reyna encarna su técnica distintiva de diluir tinta y agregar un poco de agua sobre el papel para que los colores se dispersen e interactúen de las maneras más inusuales. Al humedecer la superficie, permite que la tinta reaccione de manera espontánea e impredecible mientras los colores se disipan y esparcen, vibrando graciosamente y transgrediendo sus límites iniciales. Sin título (Ref 19016) equilibra elegantemente la dedicación de Reyna a planificar cuidadosamente las propiedades lineales y espaciales de sus composiciones y a permitir que las fuerzas de la naturaleza se apoderen del proceso y lo lleven de manera errática. Reyna es un pintor abstracto nacido en Argentina que vive en París, Francia. Sus pinturas abstractas gestuales deleitan la vista y activan la mente con sus luminosas relaciones de color y hábiles exploraciones de la perspectiva y el espacio.

Martin Reyna - Sin título (Ref 19016), 2019. Tinta sobre papel. 100 x 150 cm.

Harald Kröner - Yappanoise 33

Yappanoise 33 es parte de una de las cuatro series en curso de grandes obras sobre papel que se inspira en las palabras monstruo y neologismos de James Joyce, que alude directamente a tres aspectos de la obra: yappan (uso de tinta japonesa), yap (explosión repentina de marcas de color esparcidas sobre el papel blanco) y ruido (sonoridad de los colores). Las líneas negras y grises, tanto horizontales como verticales, marcan el ritmo y orquestan toda la pieza, mientras que las crestas del papel la hacen más escultórica. Kröner manipula el papel aplicando su técnica característica inspirada en la edición de películas, que resulta en la cuidadosa exploración de la completa aleatoriedad mientras intenta encontrar el equilibrio entre azar/control y caos/orden e inspirar al espectador a ofrecer su propia interpretación. Kröner es un artista alemán que podría describirse como "artista del papel", produciendo principalmente obras sobre papel y collages. Su trabajo también involucra instalaciones públicas. Vive y trabaja en Pforzheim, Alemania.

Harald Kröner - Yappanoise 33, 2014. Tinta, esmalte sobre papel. 110 x 160 x 3 cm.

Joanne Freeman - Cubre 4 Ultramarine

Series Covers es Freeman un homenaje personal a las visuales de portadas de los medios de comunicación de la cultura popular de mediados de siglo. Ella fusiona la calidad y la sensación de las impresiones de arte fino tradicionales con los gráficos de baja tecnología de la cultura pop. Combinando tinta de grabado y aguatinta, Freeman acentúa su lenguaje visual reductivo que destaca la intensidad de la fisicalidad, la emoción, la limitación y la aleatoriedad. La tinta es ideal para enfatizar su paleta reducida que captura la interacción del fondo y el primer plano mientras explora las referencias visuales de símbolos urbanos y patrones arquitectónicos. Freeman es una pintora abstracta estadounidense que crea pinturas minimalistas reductivas y obras en papel, presentando formas abstractas de bordes duros y marcas gestuales audaces y vívidas. Ella vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Joanne Freeman - Covers 4 Ultramarine, 2017. Aguafuerte hecha con tinta de grabado a base de aceite Charbonnel, impresa en papel de trapo 100% Copperplate Warm White. 71 x 66 cm.

Margaret Neill - Receptor 1

Neill aplica tinta negra sobre papel para crear formaciones geométricas fluidas e inquietantes que encarnan la intensidad y expresividad de la Abstracción Lírica. Su enfoque intuitivo y no representacional resulta en una expresión lírica y elocuente que se basa en la intersección de las formas multicapa y las superficies ricamente trabajadas que ilustran la fluidez del tiempo. Receiver 1 examina cómo las cualidades evocadoras de la tierra y el cielo interactúan con elementos urbanos de objetos y arquitectura mientras explora su propia relación con el tiempo y el espacio. Neill es una artista abstracta estadounidense de Ohio, que utiliza una variedad de medios para crear imágenes líricas y gestuales informadas por curvas y formas no representacionales. Vive y trabaja en Brooklyn, NY.

Margaret Neill - Receiver 1, 2018. Tinta sobre papel. 74.93 x 55.88 cm.

Pierre Muckensturm - 174c091011

Esta impresión en aquatinta es parte de Muckensturm en sus esfuerzos por abordar su interés persistente en el tiempo y la perspectiva. 174c091011 es un poliptico de nueve elementos que subrayan su fascinación por la constancia y la temporalidad, reveladas a través de una inquietante dicotomía entre la naturaleza repetitiva y cíclica del tiempo y eventos singulares e aislados que interrumpen esa armonía. Desata su proceso creativo aplicando marcas gestuales, examinándolas y transformándolas gradualmente mientras explora cómo su alteración en tamaño, forma, profundidad, magnitud y orientación transmite diferentes significados. Muckensturm es un pintor abstracto y grabador francés cuya lengua visual es una de armonía, calma y atemporalidad. Nacido en Estrasburgo, Francia, actualmente vive y trabaja en Colmar.

Pierre Muckensturm - 174c091011, 2018. Impresión en aguatinta sobre papel BFK Rives de 250 g. 156 x 156 cm.

Jill Moser - Billabong

Hecho por aquatinta con mordida y punta seca, Billabong revela Moser’s profunda inmersión en la historia del lenguaje escrito y la semiótica detrás de cada marca. Su fascinación por el lenguaje visual e indexical se revela en sus robustas marcas de pincel que se sienten espontáneas y desenfrenadas, pero que evolucionan a través de un proceso metódico e indexical. Billabong captura las enérgicas pinceladas de Moser que resultan en una expresión lírica y contemplativa que ecoa sus estados afectivos más profundos mientras equilibra el nivel revelador e interpretativo, involucrando activamente al espectador. Moser es una artista abstracta estadounidense cuyo trabajo explora la intersección de la pintura, la escritura y la imagen animada. Ella vive y trabaja en Nueva York.

Jill Moser - Billabong, 2008. Grabado. 58.4 x 53.3 cm.

Stephen Maine - Planos Inclinados 135

Parte de la serie Pitched Planes, Pitched Planes 135, es una impresión en relieve distinta que profundiza en la lucidez de los patrones constitutivos a medida que se fusionan en varias capas. Las impresiones en relieve se realizan utilizando superficies de impresión de diferentes productos industriales, impresas con tinta de grabado y xilografía. La transparencia de todas las capas crea una mezcla óptica de matices que revela la fascinación duradera de Maine por el color y sus propiedades materiales. En Pitched Planes 135, suspende su ego permitiendo que ocurran fenómenos de composición con una interferencia mínima de su parte, y el espectador se sumerge en las profundidades espaciales emergentes a medida que aparece la ilusión de la tercera dimensión. Maine es un pintor abstracto estadounidense, escritor, curador y profesor cuyas pinturas involucran y extienden ideas contemporáneas sobre el color, la composición, la superficie y el proceso. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Stephen Maine - Pitched Planes 135, 2004. Monoprint de relieve. 61 x 48 cm.

Anne Russinof - Costillas 12

Para Russinof, el color lo es todo: el color sirve para crear una ventana hacia el espacio natural y la luz. Ribs 12 es su reacción emocional visceral materializada a través de la pintura, incrustando profundamente su estímulo visual inicial en color. A medida que añade capas, las relaciones de color evolucionan; la profundidad aparece gradualmente y la forma emerge triunfalmente. Russinof se inspira en la búsqueda, un misterio que se despliega y la tensión que anuncia la fascinante interacción entre capas de pintura húmeda. Su trabajo se siente espontáneo e intuitivo, ocultando la intencionalidad y la preparación detrás de él. Russinof es una pintora abstracta estadounidense cuyo trabajo examina el color y la estructura de manera gestual y expresionista. Nacida en Chicago, Illinois, actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Anne Russinof - Ribs 12, 2017. Monotipo. 46 x 41 cm.

¡Descubre más arte abstracto en tinta!

Imagen destacada: Anne Russinof - Ribs 12, 2017, vista de instalación.
Por Jovana Vuković