Sadamasa Motonaga, Entre el arte alto y el arte bajo
Una exposición de pinturas abstractas de mitad de carrera de Sadamasa Motonaga está actualmente en exhibición en McCaffrey Fine Art en Nueva York. Motonaga fue uno de los primeros miembros del Grupo Gutai, un colectivo artístico experimental que se formó en Osaka, Japón, en 1954. El fundador de Gutai, Yoshihara Jiro, escribió en su manifiesto Gutai de 1956: “Hemos decidido perseguir con entusiasmo las posibilidades de la creatividad pura.” Esencial para el espíritu Gutai fue la directiva de Yoshihara de hacer lo que no se había hecho antes—un eco de la posguerra mundial de la antigua consigna modernista de “¡hazlo nuevo!” Motonaga se estableció temprano como un miembro clave de Gutai con lo que Yoshihara declaró la primera escultura de agua, que Motonaga exhibió en 1955 en “La Exposición Experimental al Aire Libre de Arte Moderno para Desafiar el Sol de Mediados de Verano,” la primera exposición de Gutai, que se realizó en Ashiya, Japón. La escultura consistía en tubos de plástico transparentes suspendidos entre árboles. Dentro de cada tubo, Motonaga inyectó líquido coloreado que luego se acumulaba en el centro. La luz del día activaba el líquido coloreado, dándole un resplandor efímero. La obra daba temporalmente forma a las fuerzas del mundo natural. A lo largo de su larga carrera, Motonaga experimentó incansablemente con nuevos medios y técnicas, pero la esencia teórica de esa primera escultura Gutai lo influenció en cada etapa. Permaneció influenciado por las formas cambiantes y orgánicas de la naturaleza, los colores fluctuantes y luminosos del agua y la luz, y las fuerzas invisibles que influyen en todo lo que vemos, oímos, saboreamos y tocamos. La exposición en McCaffrey Fine Art se centra en un período específico cuando el artista se mudó por un corto tiempo con su esposa a Nueva York a finales de los años 60. El traslado puso a Motonaga en contacto con nuevas técnicas, como el aerógrafo, y lo motivó a evolucionar su obra más allá de sus raíces Gutai.
La política de la destrucción creativa
El Grupo Gutai surgió de una cultura de confusión. El Imperio de Japón había sufrido una derrota horrible en la Segunda Guerra Mundial—la única nación en la Tierra que presenció de primera mano el terror de la destrucción atómica. Ciertos sectores de la población, especialmente artistas de vanguardia, daban por sentado que las formas y medios del pasado ya no eran adecuados para la sociedad japonesa. Si la lógica de la historia los había llevado al borde de la aniquilación total, entonces esa lógica debía ser destruida creativamente. Eso fue lo que llevó a Yoshihara a exigir novedad. No sabía exactamente qué era necesario para transformar el arte japonés y llevarlo a la modernidad, solo sabía que debía ser un producto no del pasado, sino de la imaginación. Una de las cualidades esenciales del arte Gutai es que confronta la lucha entre los humanos y el mundo natural. Motonaga encapsuló esa lucha poéticamente en su escultura de agua. El elemento natural—el agua—es capturado y contenido, y alterado con color artificial: un triunfo de la humanidad sobre la naturaleza. Sin embargo, las fuerzas de la gravedad, la luz solar y el viento expresan incansablemente su resistencia, alterando la obra, cambiando la dispersión del agua y el resplandor del color y la luz.
Sadamasa Motonaga Cambio/Continuidad: Nueva York 1966-67, vista de instalación en McCaffrey Fine Art, Nueva York, 2018. Foto cortesía de McCaffrey Fine Art, Nueva York
En sus primeras pinturas, Motonaga continuó esta conversación entre la voluntad humana y las fuerzas naturales. Vertía grandes cantidades de pintura al óleo sobre las superficies permitiendo que se acumulara y luego movía la superficie, mezclando los medios entre sí hasta que surgían composiciones fantásticas. Con la pintura mezclaba grava y otras sustancias, transformando la textura de la obra y dando al medio algo contra lo que trabajar. Siempre en juego estaba el equilibrio entre fuerzas naturales, accidentes, caos y el control ejercido por las decisiones y acciones del artista. La lucha entre artista y naturaleza se transmitía claramente en las formas que evolucionaban en las imágenes. Motonaga luchaba con los medios, manipulándolos lo mejor que podía hasta que se unían en alguna forma definitiva. Como elementos figurativos huérfanos flotando fuera de contexto en un vacío abstracto y turbulento, las formas evocan al propio Motonaga, un humano tratando de encontrar su lugar en una cultura en evolución.
Sadamasa Motonaga Cambio/Continuidad: Nueva York 1966-67, vista de instalación en McCaffrey Fine Art, Nueva York, 2018. Foto cortesía de McCaffrey Fine Art, Nueva York
Un cambio de corazón
Cuando Motonaga se mudó a Nueva York, experimentó dos cambios profundos. Primero, descubrió el aerógrafo. Esta técnica le permitió cambiar radicalmente sus superficies de planos ásperos, granulados y texturizados a superficies delgadas, aireadas y etéreas que el contemporáneo japonés Takashi Murakami más tarde denominó “superplano.” En sus composiciones Superplanas, Motonaga ejerció una relación completamente diferente con el control. Ya no hacía pinturas que destacaran la lucha entre el artista y la naturaleza física. La nueva lucha en su obra era entre el artista y la naturaleza de la imaginación. Sus elecciones ahora eran examinadas más de cerca. El segundo cambio profundo en su vida fue que, mientras estaba en Nueva York, su esposa dio a luz a su primer hijo. Motonaga se vio de repente inundado con el mundo visual de libros, juguetes y otros productos destinados a niños. La fantasía y el optimismo de ese lenguaje visual guiaron las elecciones que hizo en sus pinturas, dando lugar a un cuerpo de obra lleno de formas abstractas biomórficas joviales que se asemejan a cosas como partes del cuerpo humano, verduras, aviones y submarinos.
Sadamasa Motonaga Cambio/Continuidad: Nueva York 1966-67, vista de instalación en McCaffrey Fine Art, Nueva York, 2018. Foto cortesía de McCaffrey Fine Art, Nueva York
Aunque este cambio importante en su obra preocupó a muchos de los seguidores que anteriormente habían coleccionado sus pinturas, Motonaga se mantuvo fiel al punto más importante de sus raíces Gutai: la autonomía final del artista para hacer cualquier tipo de obra que desee, y no estar atado a las formas del pasado. El legado de su tiempo transformador en Nueva York influyó en generaciones de artistas japoneses que continúan su visión estética no solo en el mundo del arte fino, sino también en el llamado mundo del arte menor del manga y el anime. El puente entre estos dos mundos que creó Motonaga es especialmente poderoso por la intensa emoción que sus pinturas a menudo transmiten. No solo están llenas de fantasía y jovialidad, sino que frecuentemente también evocan soledad, aislamiento y miedo. Son prueba de que, aunque Motonaga evolucionó mucho más allá de las raíces Gutai de su carrera temprana, la ansiedad que definió a esa generación nunca estuvo realmente lejos. “Sadamasa Motonaga Cambio/Continuidad: Nueva York 1966-67” está en exhibición hasta el 21 de diciembre de 2018 en McCaffrey Fine Art en Nueva York.
Imagen destacada: Sadamasa Motonaga Cambio/Continuidad: Nueva York 1966-67, vista de instalación en McCaffrey Fine Art, Nueva York, 2018. Foto cortesía de McCaffrey Fine Art, Nueva York
Por Phillip Barcio
