El Guggenheim presenta: El mural de Jackson Pollock

Una de las pinturas estadounidenses más emblemáticas regresa a Manhattan tras una ausencia de 22 años. “Mural” (1943) de Jackson Pollock estará en exhibición en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York desde el 3 de octubre de 2020 hasta el 19 de septiembre de 2021. La “exposición centrada” (es decir, que es la única obra en la muestra) es la última parada de una gira mundial de seis años que la pintura ha realizado desde su limpieza y conservación de dos años en el Instituto de Conservación Getty en Los Ángeles. La pintura reacondicionada de 345 libras y 2.5 x 6 metros hizo su debut en 2015, en la exposición Jackson Pollock’s Mural: Energy Made Visible, en la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia. Desde entonces ha viajado a museos en Berlín, Málaga, Londres, Kansas City, Washington, DC y Boston, entre otros. Tras su próxima estancia en Nueva York, “Mural” regresará a lo que técnicamente es su residencia permanente: el Museo de Arte de la Universidad de Iowa. (Peggy Guggenheim regaló la pintura a los Hawkeyes en 1951, supuestamente después de que estudiantes de Yale, su primera opción, rechazaran la oferta.) Sin embargo, Manhattan siempre podrá reclamar ser el verdadero hogar de “Mural.” Pollock la pintó en su estudio del Bajo Manhattan tras ser comisionado por Guggenheim para crear una obra que colgara en el largo y estrecho vestíbulo del edificio de apartamentos donde ella vivía en East Sixty-first Street. Esta comisión fue lo que permitió a Pollock pasar de su trabajo diurno como conservador en el Museo de Pintura No Objetiva a ser un artista a tiempo completo. Ya se ha escrito mucho sobre el logro histórico en la abstracción que representa “Mural”, así como sobre los diversos mitos asociados a la obra, como la ahora desacreditada afirmación de que Pollock la pintó en un solo día. Como parte de nuestros preparativos para el regreso a casa en Nueva York de esta pintura emblemática, pensamos en analizar dos otros aspectos importantes de la obra, como un fotógrafo poco reconocido que ayudó a inspirar a Pollock a crear su estilo pictórico gestual, y el legado estético duradero que “Mural” ayudó a definir.

Luces en acción

Quizás ya haya escuchado la historia de cómo algunos métodos por los que Pollock es ahora famoso fueron en realidad pioneros del renombrado muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Pollock tomó clases con Siqueiros en los años 30, durante las cuales se enseñaba a los estudiantes a generar poder emocional en sus composiciones salpicando y esparciendo pintura sobre sus superficies. Sin embargo, hay poca evidencia de goteo y salpicaduras en “Mural”, que se considera la primera pintura abstracta “total” creada por Pollock. Análisis científicos contemporáneos revelan que la mayoría de las marcas en la pintura fueron hechas con un pincel tradicional en contacto directo con el lienzo. “Mural” representa, sin embargo, un momento decisivo para Pollock en cuanto a otra técnica: su uso de la marca gestual. La composición es frenética y biomórfica: una jungla de líneas y formas gestuales y fluidas. Películas de Pollock trabajando en su estudio en etapas posteriores de su vida muestran cómo empleaba todo su cuerpo, como un bailarín, para que sus pinturas se convirtieran en encarnaciones de energía y acción.

Jackson Pollock de pie frente a Mural (1943) en los estudios de la revista Vogue, ca. 1947. Foto: Herbert Matter, cortesía del Departamento de Colecciones Especiales, Bibliotecas de la Universidad de Stanford

Por supuesto, los movimientos gestuales siempre han sido parte de la tradición pictórica. Los artistas chinos de tinta aprovecharon el potencial emotivo de los gestos pintados hace siglos. No obstante, “Mural” se considera un precursor de un movimiento distintivamente contemporáneo llamado “pintura de acción.” Pollock es un pionero de este movimiento, pero sus métodos gestuales también fueron inspirados por el trabajo de otra artista: una fotógrafa llamada Barbara Morgan. Defensora temprana del potencial de abstracción dentro del medio fotográfico, Morgan se dio a conocer fotografiando bailarines modernos en la ciudad de Nueva York en los años 30. Inspirada por la fluidez de sus movimientos, comenzó a crear lo que llamó “dibujos de luz” alrededor de 1940. Colocaba su cámara con el diafragma abierto en una habitación oscura y luego usaba una luz de mano para “dibujar” sobre el negativo mientras realizaba movimientos gestuales. Estos dibujos de luz gestuales y abstractos guardan un notable parecido con las líneas y formas de “Mural.” Esto no le resta mérito a Pollock, por supuesto; es solo un reconocimiento de que él conocía a Morgan y sus dibujos de luz, que fueron incluidos en la exposición Fotografía de Acción en el MoMA el mismo año en que Pollock pintó “Mural.”

Jackson Pollock, La loba, 1943. Óleo, gouache y yeso sobre lienzo, 106.4 x 170.2 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Compra, 1944 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Imagen digital © Museo de Arte Moderno/Licenciado por SCALA/Art Resource, Nueva York

Representando la naturaleza

Aunque “Mural” se considera abstracta, también se puede ver contenido figurativo dentro de la composición. Pollock describió una vez la imagen como conteniendo, “una estampida [de] todos los animales del Oeste americano, vacas, caballos, antílopes y búfalos.” Algunos dicen que una cabeza de caballo es claramente visible justo a la izquierda del centro de la composición. Sin embargo, el impacto duradero que Pollock ha tenido en la evolución del arte moderno no tiene nada que ver con el contenido narrativo que un espectador pueda percibir en esta o cualquiera de sus otras pinturas. Más bien, su legado tiene que ver con la forma en que pintaba. Se puede resumir con su famosa respuesta a la pregunta que le hicieron alguna vez, de si pintaba de la naturaleza, a lo que Pollock respondió, “Yo soy la naturaleza.”

Jackson Pollock con el lienzo sin pintar para Mural en su apartamento de la calle Eighth con Lee Krasner, Nueva York, verano de 1943. Foto: Bernard Schardt, Cortesía de la Casa y Centro de Estudios Pollock-Krasner, East Hampton, Nueva York, Donación de Jeffrey Potter

Pollock comprendió la noción conceptual de que el verdadero tema de una obra de arte visual no necesita estar contenido en ningún aspecto visual de la obra misma. Dio el salto de ser un artista que representaba la naturaleza en imágenes a ser un artista que es un representante vivo de la naturaleza. Las posiciones de artistas tan diversos en su enfoque estético como Yves Klein, Joseph Beuys, el Grupo Gutai, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle y Carolee Schneemann, están todas arraigadas en esta misma noción antimaterialista, que el relicario estético es menos importante que el acto creativo mismo. Este es un aspecto poco valorado del legado de Pollock, quizás porque sus obras de arte están entre las cosas materiales más caras del mundo. No obstante, considero que es lo más importante que demostró: que el método es significado.

Imagen destacada: Jackson Pollock - Mural, 1943. Óleo y caseína sobre lienzo, 242.9 x 603.9 cm. Museo Stanley de Arte de la Universidad de Iowa, Donación de Peggy Guggenheim, 1959.6 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio