El poder de la composición de Piet Mondrian con rojo, azul y amarillo

Piet Mondrian pintó “Composición con Rojo, Azul y Amarillo” en 1930. Marca un sutil punto de inflexión en la evolución de su estilo distintivo y singular de pintura, que él llamó Neoplasticismo. Su voz visual surgió a través de un esfuerzo meticuloso y diario hacia la abstracción completa, que él creía era una manera de expresar una pureza universal mediante las artes plásticas. Fue en 1920, el mismo año en que publicó su libro Le Néo-Plasticisme, cuando Mondrian pintó sus primeras obras con cuadrículas, que presentan las líneas negras horizontales y verticales y campos rectangulares de color puro por los que ahora es más conocido. Al principio de su exploración de esta posición única, Mondrian experimentó con múltiples colores y tonos, y exploró una gran variedad de configuraciones tanto para sus lienzos como para las formas dentro de sus composiciones. Para el momento de su muerte en 1944, había llegado a una visión fantásticamente compleja y madura, encarnada en su obra maestra, “Broadway Boogie Woogie.” Fue en medio de esa evolución que pintó “Composición con Rojo, Azul y Amarillo.” Puede que no sea obvio por qué esta obra es notable, o por qué marca un punto de inflexión importante. Pero hay algunos aspectos que claramente la distinguen de muchas otras pinturas que Mondrian hizo, y que señalan un momento en su desarrollo cuando el propio Mondrian estaba siendo transformado.

Leyendo las líneas

Algunas personas dicen que para entender el verdadero mensaje de lo que alguien dice, hay que leer entre líneas. En el caso de “Composición con Rojo, Azul y Amarillo” son las propias líneas las que llevan un mensaje oculto. Es bien sabido que Mondrian buscaba el equilibrio en su obra. Escribió extensamente sobre la armonía compositiva como reacción contra el caos. Lograba esa sensación de armonía buscando incansablemente el equilibrio entre los elementos plásticos de sus imágenes. La colocación de los colores, el tamaño de las formas y las cualidades de las superficies se influían mutuamente de maneras que lo hacían sentir desequilibrado o en equilibrio. La búsqueda siempre fue descubrir el punto perfecto en el que una composición alcanzaba una especie de quietud.

Sin embargo, con el tiempo, Mondrian comenzó a despreciar esa misma sensación de quietud que antes buscaba. Sus pinturas posteriores, creadas en Nueva York y que se inspiraron en el movimiento de la ciudad y la energía de la música jazz, parecen casi vibrar y zumbar. “Composición con Rojo, Azul y Amarillo” marca un punto de inicio en su capacidad para dotar a sus imágenes de esa energía. El secreto está en las líneas. Puede ser casi imperceptible a primera vista, pero si observas las líneas negras en esta pintura, verás que la línea en la parte superior izquierda de la composición tiene el doble de grosor que las otras líneas. Mondrian creía que esta elección, hacer una de las líneas doble de ancha, daba vida a su composición. Estaba transformando sus pensamientos alejándose de la creencia en la quietud como una necesidad universal, y hacia la idea de que incluso una composición completamente abstracta y armoniosa necesita energía para sentirse viva.

Pendiendo en el equilibrio

A pesar de la búsqueda de energía y movimiento que Mondrian expresó con su línea doble de ancho, “Composición con Rojo, Azul y Amarillo” es, no obstante, una manifestación suprema de armonía pictórica. De hecho, de una manera extraña, la energía infundida en la imagen por las líneas anchas equilibra los otros elementos pictóricos, que de otro modo podrían haber parecido demasiado concretos. Me refiero, en particular, al enorme cuadrado rojo que domina esta imagen. El peso visual de este cuadrado hace eco de la forma perfectamente cuadrada del lienzo. Casi evoca comparaciones con una pintura de Malevich de décadas anteriores. Es tentador ver el cuadrado rojo como el sujeto de la obra, lo que habría llevado esta pintura fuera del ámbito de la pura abstracción. Mondrian claramente intentaba usar la menor cantidad posible de otros elementos pictóricos en la composición. Fue al extremo opuesto con el pequeño rectángulo amarillo en la parte inferior del lienzo, y alcanzó un punto medio con el rectángulo azul. Pero es curiosamente la línea doble de ancho la que sugiere que en esta composición hay algo más que simples formas coloreadas.

Otro aspecto interesante de esta pintura, al menos para mí, es que Mondrian dejó los campos de color sin enmarcar en los bordes del lienzo. De ninguna manera siempre hacía esto. Frecuentemente, sus rectángulos están completamente cercados por líneas negras. Al dejar las formas abiertas en este caso, nos queda la idea de que tal vez las líneas nunca fueron pensadas como marcos. Quizá estaban destinadas a ser campos de color iguales a las otras formas coloreadas. O tal vez están destinadas a actuar como algo concreto, y el color debía percibirse más como luz—algo etéreo que llena el espacio vacío. En esta pintura, al no estar bordeadas por líneas negras, los espacios coloreados podrían expandirse para siempre en el espacio más allá del borde del lienzo. Si este es el caso, es casi como si Mondrian recortara una imagen que vio en su mente. Puedo imaginar que, en lugar de ser un narrador omnisciente de un mundo visual ficticio, Mondrian era más un documentalista, viendo lo que estaba ante él y editándolo de tal manera que todos pudiéramos entenderlo como él lo hacía. Quizá esa idea molestaría a Mondrian, ya que él era firme en su búsqueda de la pura abstracción. Pero eso es en parte lo que hace que “Composición con Rojo, Azul y Amarillo” sea una pintura tan transformadora. No solo transformó su propio desarrollo como pintor, sino que también transforma nuestra capacidad para interactuar con el legado de su obra de maneras que desafían incluso las expectativas que él tenía para sí mismo.

Imagen destacada: Piet Mondrian - Composición en Rojo, Azul y Amarillo. 1930. Óleo y papel sobre lienzo. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Por Phillip Barcio