Los Relieves Espaciales de Hélio Oiticica

Una exposición de las primeras obras de Hélio Oiticica en Galerie Lelong & Co. de Nueva York merece el viaje, ya que ofrece un vistazo al puro esteticismo plástico que sentó las bases de la obra de este fascinante artista. A medida que evolucionó su carrera, Oiticica se inspiró menos en el formalismo y más en la sensualidad y las interacciones sociales con el público. El artista alcanzó fama mundial por obras como sus «Penetrables», estructuras en las que los espectadores entran caminando; sus «parangolés», obras de arte portátiles que los espectadores podían ponerse mientras bailaban; y sus entornos, como la monumental «Tropicália», una isla de arena y piedra dentro de la galería sobre la que se construyen varios «Penetrables» con el aspecto de las favelas familiares para cualquiera que haya visitado los barrios marginales de Río de Janeiro. Todas estas obras posteriores se basan en el concepto de que las experiencias del público con el arte son más memorables y vitales si son participativas. Sin embargo, el lenguaje visual que sustenta estas obras participativas tiene sus raíces en algo puramente plástico. Surgió de años de investigación temprana que Oiticica llevó a cabo mientras intentaba descubrir los elementos esenciales del medio que había elegido. Esa investigación es la base de «Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59», en Galerie Lelong. La exposición presenta tres cuerpos de obra distintos. En primer lugar, hay ejemplos de la serie «Grupo Frente», composiciones de gouache sobre cartón surgidas de los vestigios del movimiento del arte concreto, como si examinaran cuáles podrían ser las estructuras visuales fundamentales del arte abstracto geométrico. A continuación, se presentan varios ejemplos de la serie «Metaesquemas». En estas pinturas de gouache sobre cartón, Oiticica reduce su lenguaje visual a sus elementos más simples y autorreferenciales: cajas de colores dispuestas en retículas poco convencionales. Por último, la exposición ofrece al público una obra de la serie «Relevo Espacial». Esta serie marcó un momento decisivo, cuando las formas y los colores que Oiticica había desarrollado en sus pinturas saltaron al espacio tridimensional y se convirtieron en objetos que coexistían con los espectadores en una zona de participación igualitaria.

El auge del no-objeto

Hélio Oiticica nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1937. Durante toda su infancia, un feroz optimismo se extendió por la vanguardia sudamericana. En Argentina, el Arte Concreto Invención fue fundado en 1945 por artistas que creían que las ideas utópicas y universalistas del arte abstracto geométrico podían ayudar a transformar el sistema político corrupto de su país. Mientras tanto, en Brasil, los artistas que regresaban después de haberse formado en Europa traían consigo muchos de los mismos pensamientos idealistas. Creían firmemente que podían movilizar las filosofías formales del arte abstracto geométrico para transformar de algún modo la sociedad brasileña tradicional, dando lugar a una cultura más equitativa y progresista. Su fervor optimista encontró su máxima expresión en la creación de la ciudad de Brasilia, la nueva y moderna capital de Brasil: una metrópolis futurista de resplandeciente arquitectura modernista blanca, cuyo plan maestro fue diseñado por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer.

Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59, en Galerie Lelong, 2018. Fotografía cortesía de Galerie Lelong

Brasilia fue fundada oficialmente en 1960, pero la cruda realidad de su fracaso resultó evidente de inmediato para jóvenes artistas como Oiticica. Aunque los edificios, costosos y hermosos, eran gloriosos a la vista, las personas empobrecidas y sus hijos seguían pidiendo limosna en las calles. El movimiento del arte concreto que había inspirado esta visión utópica a arraigarse en Brasil resultó no ser más que el último privilegio cultural de las élites. La decepción de esta época llevó a Oiticica, junto con Lygia Clark y Lygia Pape, a fundar el Movimiento Neoconcreto. Su nuevo movimiento tenía como objetivo mejorar la vida de los ciudadanos comunes de Brasil. Se inspiró en las ideas expresadas en un ensayo de Ferreira Gullar titulado «Teoría del no-objeto». El ensayo postulaba que los objetos materiales, como las obras de arte, no son valiosos por sí mismos para los seres humanos que buscan significado. Solo son valiosos en la medida en que puede comprenderse su condición de no-objetos: objetos materiales que permiten que «tengan lugar experiencias sensoriales y mentales...».

Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59, en Galerie Lelong, 2018. Fotografía cortesía de Galerie Lelong

Una esperanza contenida

Al centrarse en la creación de «no-objetos» en lugar de obras de arte tradicionales, Oiticica y otros artistas neoconcretos esperaban inspirar una esperanza nueva, aunque contenida, sobre las formas en que el arte podía relacionarse con las necesidades y los valores de la gente común. Oiticica se esforzó por exhibir sus obras fuera de los museos. Mientras vivió, solo tuvo una exposición en un museo tradicional. El resto se celebró en espacios de galerías más informales y menos intimidantes para el público. Animaba a la gente a tocar sus obras. Los espectadores bailaban y reían mientras se ponían sus «parangolés». Se reunían en sus «Penetrables», comiendo, bebiendo e incluso haciendo el amor. Pero incluso este periodo optimista pronto llegó a su fin para Oiticica. Se trasladó a Nueva York y transformó una vez más su obra, creando entornos privados dentro de su propio apartamento, donde se invitaba a pequeños grupos de personas a vivir experiencias íntimas durante las cuales consumían cocaína y veían proyecciones de vídeo que Oiticica había realizado.

Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59, en Galerie Lelong, 2018. Fotografía cortesía de Galerie Lelong

Cuando Oiticica dejó Nueva York y regresó a Brasil, estaba desencantado por los extremos a los que había llevado su concepto. Dejó de consumir drogas y volvió a abrazar el formalismo, como demuestran proyectos tardíos como «Magic Square nº 3» (1979). Sin embargo, como también muestra esta obra en particular, Oiticica seguía decidido a crear obras con las que la gente pudiera interactuar y participar. Es tentador imaginar qué obras aún más grandes habría logrado Oiticica si no hubiera muerto en 1980, a los 42 años, a causa de un derrame cerebral provocado por la hipertensión. La otra gran tragedia de su legado es que, en 2009, muchas de las obras y efectos personales que Oiticica dejó atrás fueron destruidos en un incendio en la casa de su hermano. Por eso es aún más valioso aprovechar cualquier oportunidad de ver ejemplos auténticos de su obra cuando se exhiben. Son un vistazo a una mente brillante que comprendió realmente la importancia de la intersección entre el arte y la vida cotidiana. «Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59», en Galerie Lelong & Co. de Nueva York, se puede visitar hasta el 26 de enero de 2019.

Imagen destacada: Hélio Oiticica: Relieves espaciales y dibujos, 1955–59, en Galerie Lelong, 2018. Fotografía cortesía de Galerie Lelong
Por Phillip Barcio