Asuntos de Libertad - Una Mirada Atrás al Arte Concreto
Junto con el Suprematismo, el Constructivismo, De Stijl, el Arte Neo-Concreto y el Minimalismo, Arte Concreto es uno de los media docena de movimientos de arte abstracto geométrico que surgieron en el siglo XX, aproximadamente entre 1913 y 1970. Pero es claramente diferente de todos los demás en esta lista. La diferencia puede no ser fácilmente aparente. Visualmente, los seis movimientos produjeron trabajos similares. Eso se debe a que todos se basaron en la misma sintaxis: un lenguaje visual arraigado en elementos formales no objetivos como líneas, formas y colores. La diferencia esencial entre ellos era casi completamente semántica, lo que significa que la intención y el significado subyacentes de cada uno eran únicos. El Suprematismo utilizó la abstracción geométrica para comunicar la "supremacía del sentimiento o percepción pura." El Constructivismo la utilizó para construir nuevos símbolos útiles para un mundo moderno. De Stijl utilizó elementos geométricos para explorar la armonía intrínseca del universo. El Arte Concreto era puramente plástico: cada elemento visual que empleaba fue creado de manera mecánica y carecía de cualquier significado simbólico, emocional, espiritual o naturalista. El Arte Neo-Concreto utilizó el mismo lenguaje visual que el Arte Concreto, pero rechazó su pureza plástica, enfocándose en cambio en el potencial fenomenológico que surge cuando las personas interactúan con el arte. El Minimalismo estuvo de acuerdo en que los elementos plásticos debían ser autorreferenciales, pero llevó esa creencia a su extremo, dotando a los componentes estéticos de un poder autónomo hasta el punto de sublimar al artista, eliminando toda evidencia de autoría, narrativa, biografía o cualquier otra cosa que pudiera interferir con la presencia totalitaria de la obra. De todos estos movimientos, solo uno—el arte concreto—puede reclamar ser puramente abstracto. Solo él buscó activamente eliminar cualquier significado externo, liberando a los artistas de tener que comunicar algo más allá de lo que era claramente visible en la obra.
Moviendo Hacia la Concreción
La tendencia hacia un arte puro y plástico echó raíces en Europa alrededor de mediados del siglo XIX. Fue entonces cuando los pintores asociados con movimientos como el Impresionismo y el Divisionismo comenzaron a aislar elementos como la luz y el color como cosas dignas de consideración individual. Pero el tema y el significado seguían siendo importantes para la gente de esa época, si no para los propios artistas, al menos para sus mecenas. Se necesitaron movimientos como el Cubismo y el Futurismo para comenzar a cambiar esa perspectiva, allanando el camino para que artistas como Wassily Kandinsky y Kazimir Malevich pintaran obras completamente abstractas a principios de 1900.
Pero incluso Kandinsky y Malevich hicieron obras que hacían referencia a fuentes externas de significado, como la espiritualidad y el simbolismo. No fue hasta 1930 que el primer europeo verbalizó con éxito el deseo de abrazar una forma de arte visual abstracto verdaderamente carente de significado y pura. Ese artista fue el pintor y escritor holandés Theo van Doesburg. Van Doesburg se había hecho prominente alrededor de 1917, cuando cofundó De Stijl con Piet Mondrian. Pero él y Mondrian pronto se separaron, porque Mondrian, como muchos otros artistas abstractos, estaba fuertemente influenciado por la espiritualidad utópica. Van Doesburg quería escapar de todas esas influencias, junto con todas las referencias naturalistas o figurativas. Así que, en 1930, junto con el artista suizo Otto Gustaf Carlsund, el pintor francés Jean Hélion, el pintor armenio Léon Arthur Tutundjian y el tipógrafo francés Marcel Wantz, coescribió el Manifiesto del Arte Concreto.
Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian
El Manifiesto del Arte Concreto
El manifiesto expuso seis principios: “1) El arte es universal. 2) Una obra de arte debe ser concebida y moldeada completamente por la mente antes de su ejecución. No debe recibir nada de los datos formales de la naturaleza, la sensualidad o la sentimentalidad. Queremos excluir el lirismo, el drama, el simbolismo, y así sucesivamente. 3) La pintura debe estar completamente construida con elementos puramente plásticos, a saber, superficies y colores. Un elemento pictórico no tiene ningún significado más allá de “sí mismo”; como consecuencia, una pintura no tiene ningún significado diferente a “sí misma”. 4) La construcción de una pintura, así como la de sus elementos, debe ser simple y visualmente controlable. 5) La técnica de pintura debe ser mecánica, es decir, exacta, antiimpresionista. 6) Un esfuerzo hacia la claridad absoluta es obligatorio.”
Van Doesburg murió un año después de que se publicara el Manifiesto del Arte Concreto, por lo que no estuvo presente el tiempo suficiente para defenderlo del ejército de críticos que lo atacaron en las décadas siguientes. Las quejas de esos críticos se centraron principalmente en lo que percibían como la frialdad, la falta de alma y la esterilidad del Arte Concreto. Pero, por supuesto, esa era la intención del movimiento desde el principio. De hecho, es difícil imaginar que, si van Doesburg hubiera vivido más tiempo, se hubiera molestado en discutir con sus críticos. Es probable que hubiera interpretado la palabra "sin alma" como un cumplido, y las palabras "frío" y "estéril" como un gran elogio.
Manifiesto del Arte Concreto, mayo de 1930, a través de wikiart.org
La claridad es esquiva
Para entender por qué el Arte Concreto atrajo tan fuertemente a muchos artistas, es esencial comprender que van Doesburg formaba parte de una generación que se había cansado tras décadas de violencia. La muerte y destrucción masivas que acompañaron a la guerra moderna los impactaron. Y muchos intelectuales llegaron a la conclusión de que la violencia no había surgido de un vacío. Por el contrario, la vieron como el resultado inevitable del conflicto político, religioso e ideológico. El Arte Concreto fue un llamado a los artistas para desconectarse de la realidad que había llevado al mundo al borde de la destrucción.
Incluso hoy, muchos artistas, como Daniel Göttin y Tilman, abrazan los principios del Arte Concreto, esforzándose por alcanzar una claridad absoluta. Pero sigue siendo un objetivo complejo. Las audiencias contemporáneas no pueden evitar encontrar significado en el Arte Concreto. La intención del artista significa poco para nosotros, porque vemos la obra en el contexto de la historia del arte y con nuestras historias personales. Eso es lo que artistas brasileños como Lygia Pape, Hélio Oiticica y Lygia Clark, quienes establecieron el Movimiento Neo-Concreto, también comprendieron. Sabían que incluso si un color, una forma o una línea no hace referencia a nada más que a sí misma, adquiere un nuevo significado cuando la experimentamos por nosotros mismos. A pesar de los mejores esfuerzos de los Artistas Concretos, la claridad absoluta en el arte abstracto es esquiva, porque la mente humana siempre está felizmente al lado, lista para enturbiar las aguas.
Imagen destacada: Tilman -Sin título (257.11), 2011, 25.6 x 19.7 in.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
