¿Qué se puede considerar abstracto en la obra de Robert Rauschenberg?

Una abstracción es un punto de partida. Es la semilla de una idea que podría, bajo las circunstancias contemplativas adecuadas, circunstancias que requieren apertura para manifestarse, crecer hasta convertirse en un bosque de pensamiento. La respuesta corta, por lo tanto, a la pregunta de si la obra de Robert Rauschenberg puede considerarse abstracta, es sí. Todo en ella puede interpretarse como abstracto. Cada elemento de cada obra que Rauschenberg creó a lo largo de más de 60 años de su carrera profesional fue pensado como un instigador del pensamiento. Tenemos como prueba las palabras del artista en innumerables entrevistas, en las que señaló repetidamente la importancia del papel del espectador individual para establecer el significado de sus experimentos. Y como una demostración adicional y decisiva de la naturaleza abstracta de su obra, tenemos la retrospectiva de Robert Rauschenberg que se inauguró el 1 de diciembre de 2016 en la Tate Modern de Londres. Es la primera exposición completa de su trabajo desde la muerte del artista en 2008, e incluye más de 200 obras que abarcan toda la línea temporal de su carrera y toda la gama de medios con los que experimentó. La exposición viajará luego a San Francisco para una estancia en el SFMoMA, y después al MoMA en Nueva York. Las obras de su catálogo ofrecen la oportunidad de contemplar plenamente la vida y obra de un artista que, por encima de todo, esperaba convencernos de mirar de cerca nuestro mundo y nuestro tiempo, y determinar su significado por nosotros mismos.

Arte de Su Tiempo

La mencionada retrospectiva de Robert Rauschenberg actualmente en exhibición en la Tate Modern presenta la obra de Robert Rauschenberg en orden secuencial, según el año en que fue realizada. Esta fue una decisión no tomada por razones de simplicidad. El tiempo es un elemento esencial en todo lo que Rauschenberg creó. En cada etapa de su carrera, Rauschenberg fue un artista de su momento. No es que simplemente hiciera obras sobre su tiempo. Más bien, su obra fue un subproducto de su tiempo. Se manifestó a través de su interacción con la cultura del presente y emergió como una definición del ahora.

El primer conjunto de obras que Rauschenberg creó y que definió audaz y acertadamente el ahora fue una serie de pinturas monocromas de gran formato que pintó en varios colores, incluyendo blanco, negro, rojo y dorado. Era principios de los años 50 y estaba inmerso en la escena artística de Nueva York, dominada por el Expresionismo Abstracto. Rauschenberg era amigo de muchos de los pintores de Ab Ex. Bebía con ellos, los llevaba a casa cuando bebían demasiado y compartía sus conversaciones diarias sobre arte y vida. Sus monocromos fueron el resultado inevitable de su drama. Demuestran, aunque de forma abstracta, el simple valor inherente a hacer algo completamente diferente a lo que todos los demás están haciendo.

Robert Rauschenberg - Sin título (monocromo negro mate, tríptico), 1951, óleo sobre lienzo, 72 x 108 pulgadas. © Robert Rauschenberg Foundation

Fuerzas Combinadas

Después de hacerse un nombre con sus monocromos, Robert Rauschenberg comenzó sus primeros Combines, ensamblajes de desechos del mundo real que habitan un terreno intermedio entre varias formas artísticas tradicionales. Son parte pintura, parte escultura, parte objeto encontrado, y parte collage. Anunciaron la conclusión ya prevalente e inevitable de que las clasificaciones formales tradicionales se habían vuelto irrelevantes y que todo arte podía ser un arte total.

Mientras que el Expresionismo Abstracto estaba impregnado de las emociones individuales de los propios artistas, los Combines que Rauschenberg creó fueron una expresión de toda la cultura. Estaban hechos de recortes de prensa, basura, objetos encontrados, curiosidades, madera de desecho y, por supuesto, pintura. Son una imagen exacta y representativa del mundo, tal como existía en los días en que fueron hechos. Expresan simultáneamente la suma total de la sociedad humana mientras extienden una invitación abierta a contemplar su naturaleza y valores.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, óleo, acuarela, lápiz, crayón, papel, tela, fotografías, reproducciones impresas, plano en miniatura, periódico, metal, vidrio, hierba seca y lana de acero con almohada, poste de madera, luces eléctricas y gallo sobre estructura de madera montada en cuatro ruedas. © Robert Rauschenberg Foundation

Un Mundo de Imágenes

Aunque fue su contemporáneo Andy Warhol quien se hizo más famoso por esta práctica, fue Robert Rauschenberg quien pioneró el uso del proceso industrial de serigrafía para crear pinturas que incorporan fotografías tomadas de la cultura contemporánea, como deja claro la actual retrospectiva de Tate. La icónica Retroactive II, una serigrafía de Rauschenberg que presenta una imagen prominente de John F. Kennedy junto a una imagen de un astronauta, un medidor meteorológico, una Polaroid de un vaso de agua tomada por el artista y varias otras imágenes, parece ser especialmente valorada por Tate, ya que se usó en todos sus materiales publicitarios, incluida la portada del catálogo.

Además de la serigrafía, Rauschenberg también utilizó una variedad de otros procesos de impresión, como la litografía, a lo largo de su carrera. Algunas de sus estampas (Retroactive II en particular) se leen como una entrada de diario, como si simplemente dijeran: “esto es en lo que estoy pensando hoy, aunque no sé qué significa”. Otras, como Earth Day, una litografía de 1970, se leen más como propaganda, expresando una postura activista social directa. Otras, como Renascence, una serigrafía de 1962, parecen ser totalmente abstractas. Independientemente de su contenido aparente, las estampas de Rauschenberg demuestran la intención general que siempre tuvo, que era expresar su tiempo. Como dijo, “Siempre quise que mis obras—pase lo que pase en el estudio—parecieran más a lo que estaba sucediendo fuera de la ventana. El trabajo del artista es ser testigo de su tiempo en la historia.”

Robert Rauschenberg - Renascence, 1962, óleo y tinta de serigrafía sobre lienzo. © Robert Rauschenberg Foundation

El Mundo es un Escenario

Además de su trabajo en el estudio, Robert Rauschenberg también fue un colaborador activo en el mundo de la representación escénica. A lo largo de su carrera, creó utilería, telones de fondo y vestuarios para diversas producciones teatrales y de danza. Incluso actuó ocasionalmente en algunas de estas producciones. Una de sus piezas más famosas, un combine de 1954 titulado Minutiae, fue creada como pieza escénica para un ballet de Merce Cunningham. (Una filmación del ballet se presenta en la retrospectiva de Tate.)

La forma en que interactúan específicamente con una obra mayor hace que sus trabajos relacionados con la representación escénica se destaquen de sus otros esfuerzos. Su marco conceptual nos ofrece un contexto ampliado desde el cual interpretarlos. Si consideramos Minutiae puramente como un objeto de arte abstracto, podemos llegar a cualquier número de interpretaciones personales basadas en nuestra relación individual con su forma y sus diversos elementos estéticos. Pero como un elemento de un ballet, podemos liberarnos de la responsabilidad de la interpretación personal y verlo simplemente como decoración o una declaración sobre la narrativa que se desarrolla en el escenario. De hecho, es tentador preguntarse qué abstracciones adicionales podrían obtenerse al leer toda la obra que Rauschenberg creó como decoración o utilería en lugar de arte.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, óleo, papel, tela, periódico, madera, metal y plástico con espejo sobre alambre trenzado en estructura de madera. © Robert Rauschenberg Foundation

Lo Que No Se Muestra

Aunque sus monocromos, Combines, estampas y diseños escénicos son por lo que Robert Rauschenberg es más conocido, su prolífica creatividad se manifestó también en otros medios. Como ocurre con muchos artistas famosos, si los intereses financieros del mercado no valoran suficientemente un cierto conjunto de obras, a veces estas no se discuten en el contexto más amplio de su obra. La actual exposición en Tate ayuda a los espectadores a escapar de esa visión miope al ofrecer una bienvenida mirada a muchos de los primeros esfuerzos que Rauschenberg realizó y que preceden a esas pinturas monocromas que primero le dieron fama. Por ejemplo, se exhibe un hermoso ejemplo de sus inquietantes monoprints de planos expuestos. La exposición también presta la debida atención a sus esfuerzos fuera del estudio, ofreciendo una mirada a algunas de las reliquias archivísticas de su trabajo benéfico, ejemplificado por la organización sin fines de lucro Rauschenberg Foundation.

En su vida privada, Robert Rauschenberg fue un realista. Aunque tenía la mente de un filósofo, también era conocido por su pasión, amabilidad, generosidad y sentido del humor. Y a veces mostró todas esas cualidades en su obra. Había elementos realistas, apasionados, amables y humorísticos en cada uno de los experimentos de Rauschenberg, mientras intentaba sin reservas mostrar a su generación su mundo. Lo que felizmente no se muestra en la actual retrospectiva de Tate son respuestas concluyentes sobre el significado de sus muchos experimentos. El elemento más obviamente abstracto del legado que Rauschenberg creó es que cada una de sus obras tiene un número potencialmente infinito de significados, limitados solo por la imaginación individual de cada espectador. Como dijo Rauschenberg, “Me gustaría hacer una pintura y una situación que deje tanto espacio para la persona que la mira como para el artista.”

Imagen destacada: Robert Rauschenberg - Charlene (detalle), 1954, óleo, carbón, papel, tela, periódico, madera, plástico, espejo y metal sobre cuatro paneles de Homasote, montados en madera con luz eléctrica. © Robert Rauschenberg Foundation
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio