¿Qué es la Pintura Conceptual?

Cada obra de arte fue alguna vez solo una idea en la mente de alguien. Es un pensamiento curioso considerando lo efímeras que pueden ser las ideas y lo difícil que puede ser convertir incluso las mejores ideas en realidad. La pintura conceptual, como campo de práctica artística, intenta enfrentar la brecha entre las ideas y la realidad física. Considera la posibilidad de que por cada pintura que termina colgada en una pared, haya innumerables otras que nunca llegaron al lienzo, y muchas formas alternativas de pintar la que sí llegó a la pared. Incluso llega a decir que la pintura puede no importar en absoluto; que lo único que realmente importa es la idea.

Solo Piénsalo

A veces, la mejor manera de hacer algo es no pensar en ello. Simplemente hacerlo, como dice el lema. Cuando nos detenemos a pensar en la naturaleza de lo que estamos haciendo, puede paralizarnos, al cuestionar si lo que hacemos vale el esfuerzo o tiene algún valor. Cuando los primeros pintores abstractos comenzaron su búsqueda para crear obras puramente abstractas, había mucho pensamiento y estaban llenos de ideas. Pero al mismo tiempo, algunos artistas se preguntaban sobre el valor de esas, o de cualquier otra idea.

En 1917, Marcel Duchamp creó una obra titulada “Fountain.” Era un urinario volteado y firmado como “R. Mutt.” Duchamp tomó un objeto ordinario y lo transformó, en este caso al voltearlo y sacarlo de su entorno utilitario, haciendo obsoleta su función original e invitándolo a nuevas posibilidades de significado. “Fountain” fue rechazado por la exposición a la que fue enviado, pero se convirtió en el referente de lo que eventualmente se conocería como Arte Conceptual, una tendencia a valorar las ideas del artista por encima de sus procesos u objetos.

Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 pulgadas, © Sarah Hinckley

La Imagen No Es Nada

Muchas de las primeras pinturas conceptuales ni siquiera eran pinturas. En 1953, el artista Robert Rauschenberg tuvo la idea de borrar una pintura. Su intención era hacer desaparecer el objeto real, dejando solo la idea, y así elevarla a una nueva reverencia. Creía que para lograr la plena manifestación de su idea, alguien más debía valorar el objeto. Necesitaba borrar la obra de otro pintor, de lo contrario sería como negar algo que nunca existió.

Rauschenberg recurrió a su amigo Willem de Kooning y le pidió que donara una pintura querida para su concepto. Aunque de Kooning se resistió al principio, terminó entregándole un dibujo, uno que odiaba ver desaparecer y que sería difícil de borrar. Rauschenberg usó más de una docena de borradores durante más de un mes, logrando finalmente borrar toda la imagen. El resultado, llamado “Erased de Kooning Drawing,” afirmaba con confianza la noción de que la idea de una obra de arte es lo más importante, y que la obra no necesita existir en absoluto.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Restos de medios de dibujo sobre papel, 64.14 cm x 55.25 cm x 1.27 cm, Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, © Fundación Robert Rauschenberg

Haciendo lo Invisible

La noción de la importancia primaria de la idea se difundió rápidamente por el mundo occidental. Los artistas comenzaron a experimentar con todas las posibles manifestaciones de una idea, creyendo que si una idea debe manifestarse, puede hacerlo de muchas maneras. El arte sobre la imagen de un árbol podría manifestarse como una fotografía de un árbol, una pintura de un árbol, un dibujo de un árbol, una pintura abstracta de un árbol, las palabras “imagen de un árbol” escritas en una superficie, un intérprete señalando un árbol real, una danza interpretativa imitando un árbol, o incluso un artista sentado en el suelo con los ojos cerrados pensando en la imagen de un árbol.

En 1958, el artista Yves Klein realizó una exposición de pintura en París a la que a menudo se le llama “El Vacío.” El título completo de la muestra fue “La Especialización de la Sensibilidad en el Estado de Materia Prima hacia una Sensibilidad Pictórica Estabilizada, El Vacío.” Según la leyenda, más de 3000 visitantes acudieron a ver la exposición. Al entrar a la galería, los espectadores se encontraron con una sala blanca sin pinturas, que contenía solo un gabinete vacío. Klein dijo sobre la muestra, “Mis pinturas ahora son invisibles y me gustaría mostrarlas de manera clara y positiva.”

Fieroza Doorsen - Sin título (Id. 1281), 2017, óleo sobre papel, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

En 1968, el pintor abstracto Sol LeWitt añadió otra dimensión al ámbito de la pintura conceptual. Teorizó que no solo no importa si una idea se manifiesta alguna vez como una pintura física, sino que tampoco importa cómo se pinta ni quién la pinta. Lo único que importa es la idea original expresada por el artista. Como demostración de este concepto, LeWitt comenzó a diseñar murales que podían ser, y usualmente eran, realizados por personas distintas a él.

La idea de LeWitt era que cada mano individual dibujaría cada línea de manera diferente, por lo que aunque trabajaran con los mismos planos, cada artista dibujaría el mural de forma distinta a los demás. Los productos terminados variarían del diseño original y entre sí, pero dado que solo importa el diseño original, la variación es irrelevante, al igual que los medios de producción. El legado de la idea de LeWitt es que sus pinturas murales conceptuales aún se reproducen hoy, después de su muerte.

John Monteith - El Cielo Nocturno, 2010, grafito sobre papel hecho a mano, 24 x 17.7 pulgadas, © John Monteith

El Futuro de las Ideas

La pintura conceptual contemporánea continúa ampliando nuestra apreciación de las ideas que forman la base de una obra de arte. La obra de la pintora abstracta estadounidense contemporánea Debra Ramsay está basada en ideas fundamentales para nuestro tiempo. Su proceso consiste en seguir los cambios de color de la naturaleza, como los de la flora estacional, y luego analizar esos cambios de color en un programa informático. Los datos resultantes se usan para crear una paleta que hace referencia a los colores naturales cambiantes. Luego usa esa paleta para crear una representación abstracta de objetos en el espacio que cambian con el tiempo.

La obra de Ramsay evoca dos ideas fundamentales que dominan nuestra cultura actual. La primera es la idea de los datos, y la noción de que cada aspecto de nuestras vidas está siendo monitoreado, digitalizado, calculado y analizado en una monumental búsqueda de comprensión. La otra es la idea de que la naturaleza está cambiando, y que ahora solo podemos observar ese cambio y de alguna manera encontrar belleza estética en ello. Las ideas de Ramsay están bellamente plasmadas en forma de pinturas abstractas, pero son las ideas mismas las que hacen que su obra sea tan relevante para nuestra cultura actual.

Debra Ramsay- Un Año de Color, Ajustado por la Duración del Día, 2014, acrílico sobre película de poliéster, 39.8 x 59.8 pulgadas.

H7

El pintor abstracto canadiense John Monteith trabaja en varios medios diferentes mientras busca la manifestación física más exitosa de sus conceptos artísticos. Un ámbito que explora a menudo es el del texto. Monteith extrae fragmentos de texto de otras fuentes que encuentra mientras trabaja, como las noticias diarias, un libro o una conversación. Luego presenta el texto fuera de contexto en un entorno de galería, lo que invita a nuevas interpretaciones conceptuales de las ideas contenidas en las palabras.

Al recurrir a múltiples fuentes mediáticas para el texto que usa en sus obras, los dibujos basados en texto de Monteith aportan un punto de vista contemporáneo a las obras de artistas conceptuales de primera generación como Robert Barry, quien también trabaja frecuentemente con texto. La obra de Barry consiste en mostrar fragmentos de texto en papel, lienzo, paredes, pisos o cualquier otra superficie adecuada para la idea. Sus palabras suelen ser propias, pero a veces provienen de otros textos, y se presentan de manera que invitan a nuevas asociaciones y significados. A menudo, estas obras conceptuales presentan mucha más información que una pintura tradicional al requerir la participación de la imaginación del espectador.

Materia y Significado

En 1965, en una obra seminal del arte conceptual llamada Una y Tres Sillas, el artista conceptual Joseph Kosuth presentó una silla real, una fotografía de una silla y una descripción escrita de lo que es una silla. Como muchas otras obras conceptuales, puso en primer plano la cuestión de cuál es la diferencia entre ideas, objetos y abstracciones.

Ahora aceptamos que una pintura conceptual no necesita ser una pintura, ni siquiera necesita existir en forma material. Pero cuando existe, ¿es eso importante? ¿Importa que esté aquí, en el ámbito físico? ¿Realmente no hay diferencia entre el objeto y la idea? ¿Valoramos realmente más la idea? Si estuviéramos hambrientos, ¿preferiríamos una receta, una pintura de comida o comida real? En términos prácticos, la pintura conceptual plantea y responde una de las preguntas más importantes de la humanidad: ¿Importa lo que hacemos?

Imagen destacada: Robert Barry - Sin título (Algo que nunca puede ser algo específico), 1969, mecanografía sobre papel, 4 x 6 pulgadas, © Robert Barry

Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos