Por qué el enfoque de Laura Owens hacia la pintura es tan innovador

Más de una vez he oído a un artista decir que Laura Owens salvó la pintura. Es una afirmación extraña. Implica que la pintura estaba en peligro de ser destruida en algún momento, presumiblemente en las últimas cuatro décadas, ya que ese es el tiempo que Laura Owens ha estado viva, y que por lo tanto necesitaba un salvador. Teorías académicas como las que dicen que la pintura está muerta o que la pintura está muriendo o que la pintura nunca ha vivido son irrebatibles y, por lo tanto, a veces pueden ser tanto cómicas como agonizantes de escuchar. Pero tienen un punto. Se pretende transmitir la actitud de que el arte debe seguir siendo relevante. Decir que la pintura necesita ser salvada simplemente significa que la pintura está en peligro de volverse irrelevante. Y así, decir que Laura Owens salvó la pintura solo significa que de alguna manera hizo que ese peligro disminuyera, al menos temporalmente. Pero una pregunta que vale la pena hacer es: ¿A qué se supone que debe ser relevante la pintura? ¿A la sociedad? Quizás. Pero más importante aún, la pintura siempre debe seguir siendo relevante para los pintores. Cada nuevo pintor que está pensando en tomar un pincel—esa es la persona que debe ser convencida del significado y el potencial de lo que está a punto de hacer. Cuando la gente dice que Laura Owens salvó la pintura, eso es lo que principalmente quieren decir. Quieren decir que esta artista, por su ejemplo, es un testimonio de por qué importa que la gente siga tomando pinceles, siga estirando lienzos y siga dejando su huella. Esa es la razón por la que es citada por pintores de todas las edades como una inspiración. También es por eso que en 2003, apenas nueve años después de graduarse, se convirtió en la artista más joven en recibir una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles desde que ese museo abrió en 1979. Y es por eso que fue elegida este año para ser el tema de la primera retrospectiva de medio carrera de cualquier artista en la nueva ubicación del Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York.

No tengas miedo de nada

En conjunto con su actual retrospectiva de Laura Owens (en exhibición hasta el 4 de febrero de 2018), el Whitney publicó un monumental libro que detalla cada aspecto de la contribución que Owens ha hecho hasta ahora al arte. Es, literalmente, uno de los libros de arte más grandes jamás creados. Consiste en más de 600 páginas de escritos históricos y académicos sobre su vida y su arte, y presenta cientos de fotografías de su trabajo. Pero hay una entrada dentro de él que se destaca como esencial para mí, no solo para entender a Laura Owens como persona o a Laura Owens como pintora, sino también para entender a aquellos que la consideran una heroína personal. Esa entrada es una copia de una lista que Owens escribió en su diario cuando tenía 20 años titulada, “Cómo ser el mejor artista del mundo.”

La lista, que está ganando rápidamente tracción en las redes sociales gracias a una mención en un reciente perfil de Owens en The New Yorker escrito por Peter Schjeldahl, incluye consejos tan simples como "Piensa en grande" y "Di muy poco", y tan complicados como "Sabe que si no hubieras elegido ser artista, seguramente habrías considerado la dominación mundial o el asesinato en masa o la santidad." Pero el ítem más importante de esa lista, en mi opinión, es "No tengas miedo de nada." Esa única directriz ha definido todo el trabajo que Owens ha realizado hasta ahora, y también ha definido la crítica que ha soportado, los errores de los que ha aprendido y las batallas de las que se ha negado a alejarse. Es la marca de su éxito y la razón por la que la gente dice que salvó la pintura.

Laura Owens - Sin título, 1997. Óleo, acrílico y óleo aerografiado sobre lienzo, 96 × 120 in. (243.8 × 304.8 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; regalo prometido de Thea Westreich Wagner y Ethan Wagner P.2011.274, © la artista

Lo Que Hay Que Temer

La primera cosa temible que fácilmente podría haber asustado a Owens de su carrera como pintora fue el sesgo inherente de lo que realmente debería llamarse el Complejo Industrial de la Academia del Arte. Como estudiante en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD), enfrentó el sexismo de un profesor de pintura que solo animaba a los pintores masculinos de la clase a trabajar abstractamente. Como estudiante en el programa de Maestría en el Instituto de las Artes de California (CalArts), se enfrentó a una masa crítica de profesores y compañeros que predicaban que la pintura era pasada, y que solo el “Post Conceptualismo” podría abordar las complejas formas en que el formalismo, la historia del arte y los problemas sociales estaban convergiendo en las costas de la vida contemporánea.

Owens ignoró todos esos prejuicios, si no siempre con valentía, al menos a pesar de su miedo—y esa es la verdadera definición de coraje. Formó un club con otras artistas abstractas en RISD. Y desafió a sus profesores y compañeros en CalArts y abrazó la pintura como su principal preocupación estética. Hizo pinturas que expresaban una cosa que realmente nunca se había expresado antes en la pintura: Laura Owens. Cuando miras la variedad de obras incluidas en la actual retrospectiva de Whitney, ves lo que parece ser una gama fantástica de estilos y temas. Todo es diferente, pero todo es lo mismo, porque todo es personal. Como dijo Walt Whitman de sí mismo, Laura Owens contiene multitudes. Todos lo hacemos. Owens salvó la pintura porque nos recuerda eso. Nos recuerda que la forma de no tener miedo frente a un lienzo es simplemente liberarte para pintar lo que es exclusivamente tuyo. Exprésate. Eso es lo que ella hace. Y entender su trabajo realmente es así de simple.

Laura Owens - Sin título, 2000. Acrílico, óleo y grafito sobre lienzo, 72 x 66 1/2 in. (182.9 x 168.9 cm). Colección Giuseppe Iannaccone, Milán (Izquierda) y Sin título, 2006. Acrílico y óleo sobre lino, 56 x 40 in. (142.2 x 101.6 cm). Colección Charlotte Feng Ford (Derecha), © la artista

Misión 356

Es especialmente apropiado que esta, la primera gran retrospectiva de Laura Owens en 14 años, esté siendo organizada por el Museo Whitney de Arte Americano. Hay algo singularmente americano en Owens, más allá del hecho de su ciudadanía. En parte tiene que ver con su trabajo, que es valiente y libre—dos características sólidas y emblemáticas que están incrustadas en la psique de todas las almas americanas, ya sea que hayan nacido en América o vivan en ella o no. Pero lo más ardientemente americano que actualmente define a Owens es lo que ha estado haciendo además de pintar últimamente en su librería/galería/espacio de reunión pública en 356 South Mission Road en Los Ángeles.

En 2012, Owens estaba buscando en Los Ángeles, la ciudad que había sido su hogar durante décadas para entonces, un espacio lo suficientemente grande para exhibir un nuevo cuerpo de trabajo: una serie de pinturas tan gigantescas que se construirían en el lugar, ya que serían absurdamente difíciles de transportar. Encontró un almacén vacío en el vecindario Boyle Heights de LA, que era perfecto. Con la ayuda de dos socios, alquiló el espacio y en 2013 montó su exposición planificada. Tuve el placer de asistir a esa muestra y salí de allí sintiendo que acababa de ver la exposición de pintura más poderosa de mi vida. La galería era cavernosa, industrial, y sin embargo, se veía pequeña ante la presencia de la obra. Frente al espacio había una librería, y en la parte trasera se servía comida, sonaba música y la gente hablaba y reía.

Laura Owens - Sin título (detalle), 2012. Acrílico, óleo, pintura vinílica, carbón, hilo y cuerda sobre lino teñido a mano, 33 paneles, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) cada uno. Colección de Maja Hoffmann/Fundación LUMA (Izquierda) y Sin título (detalle), 2012. Acrílico, óleo, pintura vinílica, carbón, hilo y cuerda sobre lino teñido a mano, 33 paneles, 35 1/2 x 33 1/4 in. (90.2 x 84.5 cm) cada uno. Colección de Maja Hoffmann/Fundación LUMA (Derecha), © la artista

El estilo americano

Después de esa exposición inaugural, Owens decidió continuar alquilando el espacio. Montó exposiciones de otros artistas, organizó clases y conferencias, y proyectó películas. ¿Y por qué no? El espacio estaba vacío. Esta es América. ¿Por qué alguien no debería poder alquilar cualquier espacio que desee? Pero su presencia en el vecindario ha desatado desde entonces una tormenta de críticas entre algunos residentes del barrio. Owens es vista como una ocupante no bienvenida y un presagio de la gentrificación. Los manifestantes que representan los esfuerzos anti-gentrificación de Boyle Heights se concentraron en el Museo Whitney para protestar contra la retrospectiva de Owens. También protestan rutinariamente fuera de su espacio en Boyle Heights.

Owens se ha reunido con representantes de los grupos de protesta en un esfuerzo por llegar a un entendimiento, pero han exigido que se vaya, y no aceptarán nada menos. También quieren que ella declare públicamente que estaba equivocada por haber ido allí y que ha aprendido su lección. Pero Owens no se va. No todavía. Ella es valiente. Tiene derecho a estar allí. Esta intimidación por parte de los manifestantes anti-gentrificación no es diferente de las acciones que la historia nos ha mostrado de aquellos que intimidan a las personas de color, o a las minorías religiosas, o a los refugiados, tratando de forzarlos a no abrir negocios o comprar casas en "sus vecindarios". América tiene una larga historia de este tipo de tonterías. Pero también tiene una larga tradición de diversidad y resistencia a los poderes de la divisividad. Si tienes la oportunidad de ver su actual retrospectiva en Whitney, por favor hazlo, no solo para descubrir por qué Laura Owens salvó la pintura. Sino también para mostrar tu apoyo a alguien que ejemplifica valentía, inventiva, originalidad e individualidad—cuatro características que definen lo que significa ser un artista, un estadounidense y un ser humano libre.

Imagen destacada: Laura Owens - Sin título, 1997. Acrílico y óleo sobre lienzo, 78 x 84 in. (198.1 x 213.4 cm). Colección de Mima y César Reyes. © la artista

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio