Por qué el enfoque de Laura Owens hacia la pintura es tan innovador
Más de una vez he escuchado a un artista decir que Laura Owens salvó la pintura. Es una afirmación extraña. Implica que la pintura estuvo en peligro de desaparecer en algún momento, presumiblemente en las últimas cuatro décadas, ya que es el tiempo que Laura Owens ha vivido, y que por lo tanto necesitaba un salvador. Teorías académicas como las que dicen que la pintura está muerta, que está muriendo o que nunca ha vivido son indemostrables y, por ello, a veces pueden resultar tanto cómicas como dolorosas de escuchar. Pero tienen un punto. Pretenden transmitir la idea de que el arte debe seguir siendo relevante. Decir que la pintura necesita ser salvada simplemente significa que la pintura está en peligro de volverse irrelevante. Y decir que Laura Owens salvó la pintura significa que de alguna manera hizo que ese peligro disminuyera, al menos temporalmente. Pero una pregunta que vale la pena hacerse es: ¿a qué se supone que debe ser relevante la pintura? ¿A la sociedad? Tal vez. Pero más importante, la pintura debe siempre seguir siendo relevante para los pintores. Cada nuevo pintor que piensa en tomar un pincel, es a quien se debe convencer del significado y el potencial de lo que está a punto de hacer. Cuando la gente dice que Laura Owens salvó la pintura, eso es lo que principalmente quiere decir. Quieren decir que esta artista, con su ejemplo, es un testimonio de por qué importa que la gente siga tomando pinceles, siga estirando lienzos y siga dejando sus marcas. Por eso es citada por pintores de todas las edades como una inspiración. También es la razón por la que en 2003, apenas nueve años después de graduarse, se convirtió en la artista más joven en recibir una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles desde que ese museo abrió en 1979. Y es por eso que este año fue elegida para ser el tema de la primera retrospectiva de mitad de carrera de cualquier artista en la nueva sede del Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York.
No temas a nada
En conjunto con la actual retrospectiva de Laura Owens (en exhibición hasta el 4 de febrero de 2018), el Whitney publicó un libro monumental que detalla cada aspecto de la contribución que Owens ha hecho hasta ahora al arte. Es literalmente uno de los libros de arte más grandes que existen. Consta de más de 600 páginas de escritos históricos y académicos sobre su vida y arte, y presenta cientos de fotografías de su obra. Pero hay una entrada dentro de él que me parece esencial, no solo para entender a Laura Owens como persona o como pintora, sino también para comprender a quienes la consideran una heroína personal. Esa entrada es una copia de una lista que Owens escribió en su diario cuando tenía veinte años titulada, “Cómo ser la mejor artista del mundo.”
La lista, que está ganando rápida popularidad en las redes sociales gracias a una mención en un perfil reciente de Owens en The New Yorker escrito por Peter Schjeldahl, incluye consejos tan simples como “Piensa en grande” y “Habla muy poco”, y tan complejos como “Sabe que si no hubieras elegido ser artista, ciertamente habrías contemplado la dominación mundial, el asesinato en masa o la santidad.” Pero el punto más importante de esa lista, en mi opinión, es “No temas a nada.” Esa única directriz ha definido toda la obra que Owens ha realizado hasta ahora, y también ha definido las críticas que ha soportado, los errores de los que ha aprendido y las batallas de las que se ha negado a alejarse. Es la marca de su éxito y la razón por la que la gente dice que salvó la pintura.
Laura Owens - Sin título, 1997. Óleo, acrílico y óleo aerografiado sobre lienzo, 96 × 120 pulgadas (243.8 × 304.8 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; donación prometida de Thea Westreich Wagner y Ethan Wagner P.2011.274, © la artista
A qué temer
El primer temor que fácilmente pudo haber alejado a Owens de su carrera como pintora fue el sesgo inherente de lo que realmente debería llamarse el Complejo Industrial de la Academia de Arte. Como estudiante en la Rhode Island School of Design (RISD), enfrentó el sexismo de un profesor de pintura que solo animaba a los pintores varones de la clase a trabajar de forma abstracta. Como estudiante del programa de maestría en el California Institute of the Arts (CalArts), se enfrentó a una masa crítica de profesores y compañeros que predicaban que la pintura estaba pasada de moda, y que solo el “postconceptualismo” podía abordar las complejas maneras en que el formalismo, la historia del arte y los problemas sociales convergían en las orillas de la vida contemporánea.
Owens ignoró todos esos prejuicios, si no siempre sin miedo, al menos a pesar de su miedo, y esa es la verdadera definición de valentía. Formó un club con otras artistas abstractas en RISD. Y desafió a sus profesores y compañeros en CalArts y abrazó la pintura como su principal preocupación estética. Hizo pinturas que expresaban algo que verdaderamente nunca antes se había expresado en la pintura: Laura Owens. Cuando miras la variedad de obras incluidas en la retrospectiva actual del Whitney, ves lo que parece ser un rango fantástico de estilos y temas. Todo es diferente pero todo es igual, porque todo es personal. Como dijo Walt Whitman de sí mismo, Laura Owens contiene multitudes. Todos las tenemos. Owens salvó la pintura porque nos recuerda eso. Nos recuerda que la manera de no tener miedo frente a un lienzo es simplemente liberarte para pintar lo que es exclusivamente tuyo. Exprésate. Eso es lo que ella hace. Y entender su obra realmente es así de simple.
Laura Owens - Sin título, 2000. Acrílico, óleo y grafito sobre lienzo, 72 x 66 1/2 pulgadas (182.9 x 168.9 cm). Colección Giuseppe Iannaccone, Milán (izquierda) y Sin título, 2006. Acrílico y óleo sobre lino, 56 x 40 pulgadas (142.2 x 101.6 cm). Colección Charlotte Feng Ford (derecha), © la artista
356 Mission
Es especialmente apropiado que esta, la primera gran retrospectiva de Laura Owens en 14 años, sea organizada por el Museo Whitney de Arte Americano. Hay algo singularmente americano en Owens, más allá de su ciudadanía. En parte tiene que ver con su obra, que es valiente y libre, dos características sólidas y emblemáticas que están incrustadas en el alma de todos los estadounidenses, ya hayan nacido o vivan en América o no. Pero lo más profundamente americano que actualmente define a Owens es lo que ha estado haciendo además de pintar últimamente en su librería/galería/espacio de reunión pública en 356 South Mission Road en Los Ángeles.
En 2012, Owens buscaba en Los Ángeles, la ciudad que había sido su hogar durante décadas, un espacio lo suficientemente grande para exhibir un nuevo conjunto de obras, una serie de pinturas tan gigantescas que se construirían en el lugar, ya que sería ridículamente difícil transportarlas. Encontró un almacén vacío en el barrio de Boyle Heights en LA, que era perfecto. Con la ayuda de dos socios, alquiló el espacio y en 2013 montó la exposición planeada. Tuve el placer de asistir a esa muestra y salí de ella sintiendo que acababa de ver la exposición de pintura más poderosa de mi vida. La galería era cavernosa, industrial, y sin embargo era empequeñecida por la presencia de la obra. Frente al espacio había una librería, y en la parte trasera se servía comida, sonaba música y la gente hablaba y reía.
Laura Owens - Sin título (detalle), 2012. Acrílico, óleo, pintura vinílica, carbón, hilo y cuerda sobre lino teñido a mano, 33 paneles, 35 1/2 x 33 1/4 pulgadas (90.2 x 84.5 cm) cada uno. Colección de Maja Hoffmann/Fundación LUMA (izquierda) y Sin título (detalle), 2012. Acrílico, óleo, pintura vinílica, carbón, hilo y cuerda sobre lino teñido a mano, 33 paneles, 35 1/2 x 33 1/4 pulgadas (90.2 x 84.5 cm) cada uno. Colección de Maja Hoffmann/Fundación LUMA (derecha), © la artista
El modo americano
Después de esa exposición inaugural, Owens decidió continuar alquilando el espacio. Montó exposiciones de otros artistas, organizó clases y conferencias, y proyectó películas. ¿Y por qué no? El espacio estaba vacío. Esto es América. ¿Por qué alguien no debería poder alquilar cualquier espacio que desee? Pero su presencia en el barrio ha provocado una tormenta entre algunos residentes. Owens es vista como una ocupante no deseada y un presagio de la gentrificación. Manifestantes que representan los esfuerzos anti-gentrificación de Boyle Heights se congregaron en el Museo Whitney para protestar contra la retrospectiva de Owens. También protestan rutinariamente frente a su espacio en Boyle Heights.
Owens se ha reunido con representantes de los grupos de protesta en un esfuerzo por llegar a un entendimiento, pero ellos han exigido que se vaya y no aceptan menos. También quieren que declare públicamente que estuvo equivocada al venir allí y que ha aprendido la lección. Pero Owens no se va. Todavía no. Es valiente. Tiene derecho a estar allí. Esta intimidación por parte de los manifestantes anti-gentrificación no es diferente de las acciones que la historia nos ha mostrado de quienes intimidan a personas de color, a minorías religiosas o a refugiados, tratando de impedir que abran negocios o compren casas en “sus barrios.” América tiene una larga historia de este tipo de tonterías. Pero también tiene una larga tradición de diversidad y resistencia a los poderes de la división. Si tienes la oportunidad de ver su retrospectiva actual en el Whitney, por favor hazlo, no solo para descubrir por qué Laura Owens salvó la pintura, sino también para mostrar tu apoyo a alguien que ejemplifica valentía, inventiva, originalidad e individualidad, cuatro características que definen lo que significa ser artista, americano y un ser humano libre.
Imagen destacada: Laura Owens - Sin título, 1997. Acrílico y óleo sobre lienzo, 78 x 84 pulgadas (198.1 x 213.4 cm). Colección de Mima y César Reyes. © la artista
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
