Por qué Naum Gabo fue fundamental para la escultura del siglo XX

Naum Gabo fue uno de los "artistas importantes" por excelencia del siglo XX. Estuvo moldeado por su tiempo y desarrolló una posición artística que a su vez moldeó su época y la nuestra. Lo que hace que su contribución sea especialmente impresionante es que sufrió circunstancias que fácilmente podrían haber hecho que alguien se volviera melancólico. Pero en lugar de sucumbir a la depresión o la derrota, descubrió las formas en que el arte se entrelazaba con la vida cotidiana y creó obras que mejoraron su perspectiva y la de muchos otros. Además, Gabo fue parte de la generación de artistas que imaginó que un artista no necesitaba estar atado a un tipo particular de salida creativa. Las obras que Gabo creó abarcan muchas disciplinas, desde la escultura hasta la pintura, la arquitectura y el diseño teatral. Él veía al artista no como una figura aislada sola en una habitación con su genialidad, sino como un embajador creativo socialmente comprometido, cuya imaginación podría ser un canal para la difusión de una amplia variedad de experiencias y conceptos. Pionero del constructivismo; miembro clave de Abstraction-Création; pionero del arte cinético; Gabo es verdaderamente un ejemplo para artistas de todas las generaciones sobre cómo no solo expresarse a través de su trabajo, sino cómo incorporar su trabajo y su ser en el mismo tejido de su cultura.

El camino hacia el constructivismo

Nacido en una familia de siete hijos en Bryansk, Rusia, Gabo fue expulsado de la escuela a los 14 años por escribir poesía "subversiva". A los 15 años, fue testigo de atrocidades de primera mano durante la Revolución Rusa de 1905, que duró un año y medio. Las imágenes que vio de trabajadores golpeados en las calles solidificaron su conciencia como revolucionario social y un inconformista. Pero a esa edad tan joven, Gabo aún no era un artista. Su primer contacto con el arte no fue hasta que estuvo en sus 20 años. A los 21 años, se inscribió en la escuela de medicina, diciendo que quería poder curar a su madre, que sufría de dolores de cabeza. Pronto cambió su enfoque, moviéndose rápidamente entre materias, estudiando primero matemáticas, luego ciencias, filosofía e ingeniería. No fue hasta que tomó un curso de historia del arte en 1912 y leyó Concerning the Spiritual in Art de Wassily Kandinsky que Gabo tuvo una epifanía y se dio cuenta de cómo los artistas de su generación estaban intersectando sus creencias con otros aspectos de la vida moderna. Inspirado para comenzar su vida creativa, se mudó a París con su hermano, Antoine Pevsner, quien también se estaba convirtiendo en artista.

Naum Gabo - Fundición de bronce del alabastro en ‘Construcción con tallado de alabastro’, 1966. Bronce y perspex. 15 × 18 1/5 × 5 1/10 in; 38 × 46.2 × 12.9 cm. Edición 4/6. Foto cortesía de Annely Juda Fine Art, Londres.

Mientras estaba en París, Gabo visitó el Salon des Indépendants y se conectó con el trabajo de los principales artistas abstractos y modernistas de su generación. Esa experiencia transformó sus opiniones sobre lo que el arte podría lograr social y políticamente. Comenzó a hacer esculturas figurativas, pero rápidamente llegó a ver los métodos anticuados del arte histórico como "muertos". Junto con su hermano, Gabo publicó el Manifiesto Realista en 1920. Denuncia el pasado en favor del futuro, repudiando el color como un elemento pictórico; rechazando la línea como un elemento gráfico e imaginario; despojando el volumen en lugar de la "profundidad continua" de la realidad; rechazando la masa como una necesidad escultórica; y desautorizando el arte estático en favor de "los ritmos cinéticos". Termina con la declaración de que, "El arte está llamado a acompañar al hombre en todas partes donde su incansable vida tiene lugar y actúa: en el banco de trabajo, en la oficina, en el trabajo, en el descanso y en el ocio; días laborables y festivos, en casa y en la carretera, para que la llama de la vida no se apague en el hombre." En el momento en que publicó esta proclamación épica, Gabo tenía 30 años. Ya había vivido una vida épica, una que lo preparó perfectamente para emerger como un revolucionario en el mundo del arte abstracto de principios del siglo XX.

Naum Gabo - Tema esférico: variación negra, 1937. Rhodoide transparente y celuloide negro.
16 7/10 de diámetro; 42.5 cm de diámetro. Foto cortesía de Galerie Natalie Seroussi

Creando espacio

Una idea clave que Gabo añadió a la historia de la escultura fue que una masa no tiene que ser tallada o fundida para que una escultura exista. Su método era uno de "construcción", construyendo una forma a partir de elementos dispares de una manera que permite que exista espacio entre los elementos—un significado del término Constructivismo. Otro significado de esa palabra, constructivismo, tiene que ver con crear literalmente arte que sea constructivo, lo que significa que es utilitario, o útil para la sociedad. Gabo creía que su método de construir esculturas también encajaba en esa descripción, ya que encarnaba la idea del espacio, una idea moderna expresada por Albert Einstein en su Teoría General de la Relatividad, que fue publicada en 1915, y el tiempo, un elemento que Gabo añadió a sus obras cinéticas, ya que veía el movimiento como una expresión tanto literal como artística del paso de los momentos.

Naum Gabo - Construcción Lineal en el Espacio No. 1, 1943. Lucite con hilo de nylon.
24 1/8 × 24 1/4 × 9 7/8 in; 61.3 × 61.6 × 25.1 cm. Phillips Collection

Cuando Gabo regresó a Rusia, donde esperaba llevar sus ideas constructivistas a la madurez en servicio a su país natal, la era del Realismo Socialista estaba ganando impulso. Su trabajo abstracto no tenía valor para su patria, por lo que una vez más se vio obligado a viajar. Pasó tiempo en Alemania, donde hizo amistad con miembros clave de la Bauhaus; en París, donde diseñó decorados y vestuarios para el ballet y se hizo amigo de artistas como Piet Mondrian; y en Inglaterra, donde hizo amistad con miembros de la Escuela de St. Ives, como Barbara Hepworth y Ben Nicholson. Finalmente, después de la Segunda Guerra Mundial, Gabo llegó a América, donde continuó evolucionando su posición estética hasta su muerte en 1977. La obra que dejó atrás es tanto un resultado de sus experiencias como una respuesta a ellas. Su visión se formó a partir de la idea de que, históricamente, la civilización humana había sido poco más que caos y violencia. Demostró a través de su arte que las cosas superficiales no son tan importantes como la sustancia interior y los ritmos universales. Su importancia radica no solo en la singularidad de su visión estética, sino en las formas en que su trabajo ejemplifica cómo el arte abstracto puede interactuar con la vida cotidiana en servicio a un mundo más armonioso.

Imagen destacada: Naum Gabo - Piedra Blanca, 1963-1964. Mármol gris pálido sobre mármol pintado de negro. 18 1/10 × 23 1/5 in; 46 × 59 cm. Foto cortesía de Annely Juda Fine Art, Londres.

Por Phillip Barcio