18 nykyaikaista abstraktia taiteilijaa avautuu sukulaisuudestaan

On vaarallista ja mahdotonta opettaa taidetta. Silti se on myös välttämätöntä. Jotta taide voisi olla olemassa, taiteilijoiden on opittava, miten heistä tulee sitä, mitä he aikovat tulla, ja miten luoda sitä, mitä he aikovat luoda. Jotkut oppivat koulussa, muiden virheellisten ihmisten, kuten itsensä, luona, jotka ovat, jostain syystä, ottaneet vaarallisen, mahdottoman, välttämättömän tehtävän jakaa muille sen, mitä he ovat oppineet. Toiset taiteilijat löytävät opettajia luokkahuoneen ulkopuolelta. He saattavat oppia, mitä taiteilijana oleminen tarkoittaa, viettäessään aikaa muiden taiteilijoiden kanssa avajaisissa tai baareissa. He saattavat oppia, mitä taiteen tekeminen tarkoittaa, katsomalla videoita verkossa tai purkamalla taidetta, jota he näkevät museoissa tai kirjoissa. Jotkut taiteilijat saattavat opettaa itselleen, mitä he ovat, seuraamalla inspiraatiota, jota he saavat arkkitehtuurista ja muotoilusta, yksinkertaisesti reagoimalla ajatuksiin ja tunteisiin, joita he kokevat vuorovaikutuksessa jokapäiväisen rakennettavan ympäristön ja sen lukemattomien tuotteiden ja tilojen kanssa. Vielä toiset saattavat oppia olemaan taiteilijoita yksinkertaisesti omaksumalla - ja sitten vaalimalla - sisäistä pakkoaan luoda. Luomisprosessi voi opettaa meille, miten tehdä. Oleminen voi opettaa meille, mitä haluamme olla. Lopulta jokaisella, joka pääsee oppimisprosessin läpi hetkeen, jolloin he voivat sanoa lauseen: "Olen taiteilija", ilman että se tuntuu valheelta, on tarina kerrottavanaan opettajistaan. Tänään tuomme teille kokoelman tällaisia tarinoita taiteilijoilta, jotka ovat tarpeeksi rohkeita jakamaan oppimisen sukulinjojaan. He ovat rohkeita, koska esteettisen tai käsitteellisen perinnön ilmoittaminen altistaa heidät kauhealle uhkalle. Sinä, lukija, saatat huomata, että yksi taiteilija oli toisen taiteilijan oppilas tai sai inspiraatiota tästä tai tuosta asiasta, ja sekoittaa sen oikopoluksi. Saatat sanoa: "Aha! Nyt näen, ketä he kopioivat," tai: "Nyt ymmärrän heidän taiteensa!" Sen sijaan, kun luet näitä anekdootteja siitä, miten nämä 18 taiteilijaa tulivat sellaisiksi kuin he ovat, anna tiedon laajentaa käsitystäsi. Seuraa jokaista lankaa ja kaiva syvemmälle. Saatat nähdä vaarallisen, mahdottoman, välttämättömän kauneuden siitä, mitä todella tarkoittaa opettaa ja oppia taidetta.

Anya Spielman

Spielman oli Wayne Thiebauldin opiskelija Kalifornian yliopistossa Davisissa. Muista opettajistaan hän sanoo:

"Suuri vaikutus minulle oli nähdä Hieronymus Boschin triptyykki "Maallisten nautintojen puutarha" Pradossa teini-ikäisenä. Olin hämmästynyt ikonografiasta sekä hänen teostensa herkullisista väreistä ja monimutkaisista kompositioista. Reagoin välittömästi Boschin teosten kaksinaisuuteen: hänen jyrkkä ja valaistu väripalettinsa: mustan, umberin, vaaleanpunaisen, luun, vermilionin ja azuriitin sävyt; Eedenin läpikuultavien nautintopodien kaaret, jotka ovat vastakkain läpitunkevan psykologisen ja fyysisen laskun kanssa hallusinatoriseen helvettiin. Boschin visionäärinen nerous kuvasi ihmisen luontoa kaikissa sen muodoissa, suoran intiimiyden ja voiman kanssa, jota pidän uskomattoman harvinaisena jopa tänä päivänä."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Öljy paneelilla. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin opiskeli Louis Finkelsteinin kanssa ollessaan maisteriopiskelija Queens Collegessa, New Yorkin osavaltion yliopistossa. Samassa koulussa hän opiskeli Benny Andrewsin kanssa, joka kouluttautui abstraktin ekspressionismin parissa Chicagon taideinstituutissa 1950-luvulla; Clinton Hillin, joka oli Mark Rothkon studioassistentti; taidekriitikko ja Artforumin apulaispäätoimittaja Robert Pincus-Witten, joka hänen mukaansa "auttoi kehittämään kriittistä silmääni"; ja Charles Cajorin, joka oli Hans Hoffmannin opiskelija. Sirlin sanoo:

"[Lineage] on todellakin monimutkainen kysymys. Yhteydet taiteilijoihin kulkevat myös sivusuunnassa. Anne Truitt oli minulle tärkeä, kun olin nuori taiteilija Yaddossa. Melissa Meyer oli myös siellä sinä kesänä [1983]. Erin Lawlor oli työhuonekaverini Rothko-keskuksessa Latviassa. Jose Heerkins oli Rothko-keskuksessa samaan aikaan kanssamme [2016]. Kara Walker oli opiskelija, kun opetin Atlanta College of Artissa, ja Kara ja minä näytimme samassa Atlanta Biennialissa vuonna 1992. Sitten on muita taiteilijoita—kirjailijoita ja näytelmäkirjailijoita. Hayden Herrera [Frieda Kahlon ja Arshile Gorkyn elämäkerran kirjoittaja] oli mentorini taidekirjoittajana. Chris Kraus [I Love Dick] ja minä olimme Yaddossa yhdessä...Olin läheinen ystävä näytelmäkirjailija Ronald Tavelin [Theatre of the Ridiculous] kanssa. Hän oli käsikirjoittaja Warholille...Toivottavasti en sekoittanut asioita teille tässä lisävastauksessa."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Sekatekniikka kankaalla. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Kun aloin ensimmäisen kerran maalata, Picasso vaikutti minuun eniten. Olin viehättynyt hänen värien ja viivanteon käytöstään, erityisesti teoksessa "Tyttö peilin edessä" (1932). Myöhemmin, kun aloin maalata enemmän abstraktin ekspressionismin tyyliin, kiinnostuin enemmän Joan Mitchellista ja Willem De Kooningista. Kuitenkin aloin todella tarkastella heidän teoksiaan vasta sen jälkeen, kun olin maalannut tällä tavalla, en ennen."

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe ja akryyli kylmällä vahalla paneelilla. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Vuonna 2006 Minus Space NY:ssä käydyssä haastattelussa taiteilija Chris Ashley kysyi Göttiniltä, mistä hän aloittaa taiteilijana. Göttin vastasi:

"Taidehistoria joskus teeskennellään, että tietty taidesuuntaus on täydellinen kokonaisuus. Termiä "konkreetti" ei välttämättä liitetä Konkrete Kunstin ideologiseen taustaan, joka perustui myös ajatuksiin yhteiskunnasta ja politiikasta. Huoleni on kokonaisuudesta, joka voi myös sisältää ristiriitoja—kyllä ja ei, ja jopa ehkä. Lähtökohtani on erilaisten näkemysten tai positioiden synteesi samanaikaisesti, mikä minulle on tilallinen näkemys. Se voi olla ilmeinen tai hienovarainen, symmetrinen tai epäsymmetrinen tai molemmat yhdessä, ristiriidalla tai ilman. Se voi olla sääntö ja poikkeama yhdessä. Osa aikaisemmista teoksistani oli kollaasit, jotka liittyivät Kurt Schwittersin työhön (Merz), mitä tahansa löydettyä materiaalia karkeasti liimattuna pahvilaatikolle—fyysinen, suora, improvisoitu, sattumanvarainen, värikäs, jopa dadaistinen. Myöhemmin kiinnostuin Minimal Artista, jossa taideteos on usein tarkasti suunniteltu, ja täydellisesti ja selkeästi rakennettu määritellyn materiaalin käytön ja yksityiskohtiin kiinnitetyn huomion kanssa. Molemmat suuntaukset ovat minulle tärkeitä, ja joskus näen työni kantavan osia molemmista, vastaten näiden kahden taidehistoriallisen aseman välillä."

Daniel Göttin - Nimetön 2 (Vaaleanpunainen), 1992. Akryyli pavatexilla. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Pallets

"On melko vaikeaa ymmärtää omia vaikutteitaan, ainakin minulle, koska työskentelen suurelta osin intuitiosta enkä niinkään tietoisuudesta. Uskon, että muotoutumisvuoteni taideopiskelijana UCLA:ssa (BA 74, MFA 77) muodostivat suuren osan siitä, kuka olen. Noina päivinä UCLA oli melko maalauskoulu, jossa oli eurooppalainen/modernistinen suuntaus. Ensimmäiseen maalauskurssiini olin ilmoittautunut Richard Diebenkornin johdolla (en ollut lainkaan tietoinen siitä, kuka hän oli), mutta hänellä ja tiedekunnan johdolla oli joitakin ongelmia, ja hänen asemansa päättyi ennen kurssin alkua. Joten opiskelin Richard Josephin kanssa, uuden realistin, joka antoi minulle vahvan perustan. Vasta kuuden kuukauden kuluttua, työskennellessäni edistyneemmässä maalauskurssissa Charles Garabedianin kanssa, aloin kokeilla abstraktiota. Vuosien varrella professori, jolla oli todennäköisesti eniten vaikutusta minuun, oli William Brice. Bill oli erittäin artikuloitu, arvokas, antelias, ajatteleva, hauska opettaja ja ystävä. Ahkerana ja tuotteliaana taiteilijana hän puhui usein siitä, kuinka tärkeää on viettää aikaa studiossa asioita vatvoen, ja kaikki muu on vähemmän tärkeää. Ajattelen häntä usein ja tunnen itseni niin onnekkaaksi, että olen tuntenut hänet pitkään. Kesti useita vuosia erottaa itseni opiskelijan ideasta ja kuulla vanhojen professoreideni ääniä päässäni aina kun maalasin, mutta ajan myötä olen saavuttanut selkeän käsityksen siitä, kuka olen ja vastuusta, joka minulla on tehdä työtä, joka toteuttaa visioni. Näen usein muita taiteilijoita omassa työssäni, joskus tuntuu, että yhteys on todella olemassa samojen ideoiden kautta ja toisinaan näyttää siltä, että kaikki samankaltaisuus on vain pinnallista. Lopulta, antakaa taidekirjoittajien puhua vaikutteista."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Muste paperilla. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) oli painotaiteen opettajani 25 vuotta sitten. Tapasimme ensimmäisen kerran, kun olin Fine Arts Work Centerissä Provincetownissa, jossa Michael piti viikon mittaista työpajaa painotaiteesta. Niin monet asiat erottuvat ensimmäisestä yhteydestämme: Michael oli uskomattoman empaattinen ja sosiaalisesti tietoinen henkilö, ei vain valitsemansa aihepiirin (piirustukset ja painatukset kärsivistä potilaista psykiatrisessa sairaalassa ja eläimistä häkeissä eläintarhassa) vuoksi, vaan myös henkilökohtaisissa keskusteluissamme elämästä. Hän opetti minulle anteliaisuutta esimerkin kautta tasapainottamaan studion itsekeskeisyyttä. Michael ei jättänyt mitään kertomatta tekniikastaan tai taiteen uran tavoittelusta. Michael vietti aikaa Kiinassa 80-luvun lopulla, ja hänen rakkautensa aasialaista maisemaa kohtaan opetti minulle yksinkertaistamaan eleitäni, maalaamaan taloudellisesti ilmaisun suhteen, mikä on minulle hyvin tärkeää. En koskaan unohda hänen huumorinsa, kun hän sanoi minulle: "Tracey, tämä on ungepatchke!", joka on jidišinkielinen sana, joka tarkoittaa liian kiireistä ja koristeltua."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafiitti ja muste rivesillä. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee mainitsee ensimmäiseksi inspiraationsa Paul Cézannen akvarellin, jonka hän näki ollessaan 11-vuotias, ja joka jätti "unohtumattoman vaikutelman." Hän jatkaa sanomalla:

"Professori Klaus Stümpel oli niin lähellä luontoa, että hänet melkein nimettiin 'maajussiksi'. Hän suositteli minulle Frantisek Kupkan tutkimista. Tutkin hänen prosessiaan abstraktiosta ja hänen kosmista ja mystistä näkökulmaansa. Ennen kaikkea opin enemmän kuin mitään hänen elämänrakkaudestaan ja halustaan pitää kiinni ajatuksistaan. Kun palasin Koreaan, ajattelin taas Kandinskya. Mielestäni hänen halunsa löytää objektiivinen, universaali totuus taiteessa on mahdoton haaste. Ajattelen, että taide on subjektiivista ja henkilökohtaista enemmän kuin mitään muuta. Kun etsin syvintä sisintäni, voin kommunikoida muiden sisimmän kanssa. Mielestäni taide voi olla väline, joka yhdistää mikrokosmoksen (ihminen) ja makrokosmoksen (maailma). Erityisesti väri on tutkimukseni aihe. Etsin väriä adjektiivina. Pidän Richterin asenteesta työhön, hänen intohimostaan maalaamiseen ja kokeilun hengestä. Ehkä On Kawara? Pidän hänen työstään, jonka hän halusi todistaa olevan elossa, ja haluan todistaa itselleni työskentelemällä joka päivä, että olen edelleen elossa, emotionaalisesti ja järjellisesti. Ajatukseni Wassily Kandinskysta ja monista muista minimalisteista ovat hyvin erilaisia yleisestä näkökulmasta. En ole samaa mieltä heidän taiteellisesta näkemyksestään."

Kyong Lee - Kuva valkoisella, 2008. Akryyli kankaalle, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman mainitsee vaikutteita, jotka sisältävät taiteilijoita (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman ja Andy Warhol), suunnittelijoita (Saul Bass ja Roy Kuhlman) ja arkkitehtejä (Le Corbusier). Mutta hän puhuu myös henkilökohtaisista tavoista, joilla kulttuuri on vaikuttanut hänen taiteeseensa, kuten seuraavassa anekdootissa:

"Isäni liiketoiminta oli opasteita. Kuten useimmat kaupunkilapset Amerikassa, kasvoin auton takapenkillä, tietoisena mainostauluista ja neonvaloista. Huomiota herättävä suora visuaalinen ärsyke oli osa psyykeeni. Äskettäin vierailin MoMA:ssa New Yorkissa ja minut valtasi jälleen Barnett Newmanin maalaus "Vir Heroicus Sublimis" (Mies, Sankari ja Sublime) (1950-51). Viskeraalinen reaktioni sen voimaan, välittömyyteen ja yksinkertaisuuteen oli valtava, vahvistaen omaa visuaalista menneisyyttäni ja identiteettiäni."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache käsintehdyllä Khadi-paperilla. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Minulle se oli Mondrian. Tuon ajan abstraktit taiteilijat työskentelivät enemmän käsitteellisesti abstraktion parissa, mikä tarkoitti, että he pitivät ideasta, kun taas Mondrian työskenteli taaksepäin mekanismien kautta ja tuli ulos toisesta päästä uudistaen kuvapinnan. Harvat ovat tehneet niin sen jälkeen. Sitten aloin miettiä, että täytyy olla enemmän tapoja päästä tähän outoon tilaan, jota Mondrianilla oli niin selkeä käsitys. [Ellsworth] Kelly ja [Robert] Mangold näyttivät muita tapoja ilmaista tätä 'toista' tilaa. Näiden taiteilijoiden kokemus antoi minulle tilaa todella arvostaa kollegojeni ponnistuksia ja pyrkiä läpi seuraavan kirjekuoren."

Brent Hallard - Pilvet, 2013. Akryyli paperilla. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Olen rakastanut ja usein miettinyt Vija Celminsin työtä. Hänen intensiivinen havainnointinsa ja rauhallinen toteutuksensa ovat minulle erittäin inspiroivia. Louise Bourgeois on aina inspiroinut minua päättäväisyydellään ilmaista itseään parhaassa mediassa ideoilleen. Ilmeinen inspiraatio olisi Agnes Martin, rakastan hänen itsevarmaa pidättyvyyttään, ja Mark Rothkoa hänen teostensa emotionaalisen iskun vuoksi."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Lankaa, mustetta ja grafiittia paperilla. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville mainitsee toisen maailmansodan aikaiset saksalaiset bunkkerit, jotka reunustavat Ranskan Atlantin rannikkoa. Hän sanoo: "Useimmat ihmiset pitävät niitä rumina arpineen. Minun silmissäni niiden olemus oli osa maisemaa, aika sulautti ne hiekkaan, dyyniin ja mereen tai katutaiteilijoiden niille maalaamiin teoksiin." Lisäksi Auvillea vaikutti tämä kokemus nuoruudestaan:

"Kuusi- tai seitsemänvuotiaana minulla oli etuoikeus vierailla Lascaux'n luolassa Etelä-Ranskassa. Se oli minulle shokki. Vanhempani ostivat muutamia jäljennöksiä matkamuistoiksi, ja vietin tunteja katsellen niitä talomme kellarissa miettien, mikä teki eron kuvien ja oikean taiteen välillä. Ero oli ilmeinen, mutta yritin selvittää sen olemusta. Kytkin valoa päälle ja pois, liimasin hiekkaa kuvien päälle yrittäessäni jäljitellä Lascaux'n maalauksien ainetta, mutta en koskaan saavuttanut sitä, mitä ajattelin olevan niiden sielu."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentoitu sementti vaahtopaneeleilla. Rakenteellinen ja ripustettava kehys takana. 120 x 120 x 6 cm

Luke de Haan

De Haan mainitsee vaikutteita, jotka vaihtelevat taiteilijoista (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) albumisuunnittelijoihin (Hipgnosis, Peter Saville) ja muusikoihin (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Hän sanoo:

"Ennen murrosikääni Piet Mondriaanin visuaalinen kieli sai paljon huomiota Alankomaissa. Olin liian nuori ajattelemaan taiteen termein, mutta Mondriaan oli vain siellä, ja se oli kiehtovaa. Ja on edelleen! Vähän myöhemmin tutustuin suprematisteihin, jotka, kuten minä, ottivat geometriset muodot lähtökohdakseen. Koska sisareni ovat noin viisi vuotta vanhempia kuin minä, löysin (heidän poikaystäviensä kautta) varhain teini-iässäni 'progressiivista' musiikkia ja siihen liittyvää kansitaidetta. Ei ole yllättävää, että halusin tulla kansitaiteilijaksi. Jos minun pitäisi valita yksi visuaalinen taiteilija, joka muutti tapaani katsoa asioita, se olisi Ellsworth Kelly. 80-luvun puolivälissä Stedelijk-museo Amsterdamissa osti "Blue Curve VI":n (1982). Kävin säännöllisesti katsomassa sitä ja tutkin visuaalista kieltä. Mutta nyt, ehkä tärkeämpää, minua ohjaa myös oma reaktioni taiteeseen... Aloin miettiä taidetta... tarkoitusta, merkitystä, voi hyvä."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD -muste Hannemuhle-paperilla. 29,7 x 21 cm

Brenda Blondi

"Josef Albersin opetukset vaikuttavat siihen, miten ajattelen värien asettamista eri konteksteihin. Ja James Turrellin taivastilat vaikuttivat siihen, miten ajattelen ilmavien värien asettamista eri konteksteihin. Yleisesti ottaen Paper Skies ja Moving Pictures -sarjani kokonaisestetiikka on voimakkaasti vaikuttanut modernin amerikkalaisen maalaustaiteen mestareilta, kuten Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella jne."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Suuri), 2015. Värisublimaatiopainatus alumiinille (matti/kiiltävä pinta). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Löysin yli 20 vuotta sitten Ronchampin kappelin, arkkitehti Charles Edouard Jeanneretin, tunnetun nimellä Le Corbusier, myöhäisen teoksen. En tuntenut, ei ennen enkä jälkeen, sellaista käsitystä mahdollisuuksien oikeellisuudesta massiivisuuden ja korkeuden välillä. Sitten alkoi minulle tämä pitkä etsintä, joka ravitsee minua edelleen tänään, pyrkimyksenä lähestyä sopivinta suhdetta täyden ja tyhjän välillä."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundumia ja kuivapistepainantaa kuparilla. Painaminen bfk rives -paperille 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Haluaisin puhua taiteilijasta, joka on inspiroinut minua vuosikymmenten ajan, enemmän kuin mikään muu taiteilija: Matisse, taiteilija, jota voisi opiskella koko elämänsä. Hänen työnsä kulki niin monia reittejä kokeilujensa ja kyselyjensä vuoksi uusista mahdollisuuksista maalaamisessa. Ne ovat kauniita, kohottavia, monimutkaisia, joskus ihania ja rauhallisia, joskus vaikeita ja haastavia – heijastellen sitä, millaista elämä on."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarelli paperilla. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Sen sijaan, että luettelisi vaikutteitaan, Cantrick mainitsee taiteilijat, joiden työ kiinnostaa häntä eniten, riippumatta siitä, onko hänen omalla työllään suoraa yhteyttä. Hänen lyhyt listansa modernista ja nykytaiteesta:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé ja Per Kirkeby. Tämä on eklektinen ja ei-tyhjentävä lista, mutta mitä heillä on yhteistä, on selkeys, monimutkaisuus ja elinvoima—jotka ovat myös omia huolenaiheitani—ilmaistuna voimakkaalla värillä ja rakenteella, erottuvilla muodoilla ja matalalla maalaustilalla. Ennen modernia aikaa Vermeer, Degas ja Manet ovat listani kärjessä, jälleen kerran, tuo kolmoisominaisuus: selkeys, monimutkaisuus, elinvoima. Lisäksi: Vermeerin tiukka toteutus välittää uskomattoman käsinkosketeltavaa hiljaisuutta—ajan pysäyttämistä. Degasin erityinen tapa korostaa tilaansa "hiljaisilla", elottomilla alueilla ja/tai vahvalla pystysuoralla elementillä edistää pitkää, rytmistä katsomista. Ja Manet'ssa on välittömyyttä ja raikkautta, joka, erona kaikesta muusta mestaruudesta, on parhaimmillaan vangitsevaa."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryyli pellavalle. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Oma tapaukseni ei ollut niin, että olisin ollut yhden taiteilijan vaikutuksen alaisena, vaan pikemminkin taiteellinen yhteisö, jossa kasvoin Chicagossa. Naapurustossani, joka tunnetaan nimellä Lincoln Park tai Old Town, oli taiteilijoita ympäriinsä, ja kun osoitin kiinnostusta piirtämiseen esiteini-ikäisenä, minut kannustettiin menemään kouluun, joka oli yhteydessä upeaan Chicagon taideinstituuttiin figuuripiirustusta varten. Siellä pääsin kulkemaan suoraan museon läpi, jossa on kuuluisa impressionistinen kokoelma, päästäkseni kouluun. Luulen, että se perusti periaatteessa kiinnostukseni viivaan, eleeseen ja väriin."

Anne Russinof - Look See, 2014. Öljy kankaalle. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Taiteellinen sukuni löytyy taiteilijoista, jotka yhdistävät "reduktiivisen" lähestymistavan kuvien/objektien tekemiseen pinnan ja hienovaraisen yksityiskohdan huomioimiseen. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros ja Sol Lewitt tulevat mieleen. Lisäksi Richard Serran, Carl Andren ja Fred Sandbackin veistoksellinen työ, heidän erityisellä tavallaan kolmiulotteista tilaa hyödyntäen, inspiroi edelleen lähestymistapaani maalaamiseen."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryyli kankaalle. 122 x 96.9 cm