18 nykyaikaista abstraktia taiteilijaa avautuu sukulaisuudestaan

Taiteen opettaminen on vaarallista ja mahdotonta. Silti se on myös välttämätöntä. Jotta taidetta voisi olla olemassa, taiteilijoiden on opittava tulemaan siksi, mitä heistä on tulossa, ja luomaan sitä, mitä he tulevat luomaan. Jotkut oppivat koulussa muilta kaltaisiltaan vajavaisilta ihmisiltä, jotka ovat jostain syystä ottaneet vastuulleen vaarallisen, mahdottoman ja välttämättömän tehtävän jakaa muille sen, minkä ovat oppineet. Toiset taiteilijat löytävät opettajansa luokkahuoneen ulkopuolelta. He saattavat oppia, mitä taiteilijana oleminen tarkoittaa, viettämällä aikaa muiden taiteilijoiden kanssa näyttelyiden avajaisissa tai baareissa. He saattavat oppia, mitä taiteen tekeminen tarkoittaa, katsomalla videoita verkossa tai purkamalla osiin taidetta, jota he näkevät museoissa tai kirjoissa. Jotkut taiteilijat saattavat opettaa itselleen, keitä he ovat, seuraamalla arkkitehtuurista ja muotoilusta saamiaan vaikutteita ja yksinkertaisesti reagoimalla ajatuksiin ja tunteisiin, joita he kokevat ollessaan vuorovaikutuksessa rakennetun arkiympäristön ja sen lukemattomien tuotteiden ja tilojen kanssa. Toiset taas saattavat oppia taiteilijoiksi yksinkertaisesti hyväksymällä - ja sitten vaalimalla - sisäistä pakkoaan luoda. Tekemisen prosessi voi opettaa meille, miten tehdä. Olemisen prosessi voi opettaa meille, mitä haluamme olla. Lopulta jokaisella, joka kulkee oppimisprosessin läpi siihen hetkeen asti, jolloin hän voi sanoa lauseen ”Olen taiteilija” tuntematta sen olevan valhe, on kerrottavanaan tarina opettajistaan. Tänään tuomme teille kokoelman tällaisia tarinoita taiteilijoilta, jotka ovat kyllin rohkeita jakaakseen oppimisen sukujuurensa. He ovat rohkeita, sillä esteettisen tai käsitteellisen perintönsä julkistaminen altistaa heidät hirvittävälle uhalle. Sinä, lukija, saatat huomata, että yksi taiteilija on ollut toisen taiteilijan oppilas tai saanut vaikutteita tästä tai tuosta asiasta ja erehtyä pitämään sitä oikotienä. Saatat sanoa: ”Ahaa! Nyt näen, ketä he matkivat” tai ”Nyt ymmärrän heidän taiteensa!” Sen sijaan, kun luet näitä anekdootteja siitä, kuinka näistä 18 taiteilijasta tuli sellaisia kuin he ovat, anna tiedon avartaa havaintokykyäsi. Seuraa jokaista säiettä ja kaivaudu syvemmälle. Saatat nähdä vilahduksen siitä vaarallisesta, mahdottomasta ja välttämättömästä kauneudesta, jota taiteen opettaminen ja oppiminen todella merkitsevät.

Anya Spielman

Spielman opiskeli Wayne Thiebaudin johdolla Kalifornian yliopistossa Davisissa. Muista opettajistaan hän sanoo:

”Minuun vaikutti suuresti se, kun näin teini-ikäisenä Pradossa Hieronymus Boschin triptyykin ”Maallisten ilojen puutarha”. Hämmästyin hänen teostensa ikonografiaa sekä niiden hehkuvia värejä ja monimutkaisia sommitelmia. Boschin teosten kaksijakoisuus puhutteli minua välittömästi: hänen jyrkkä ja valaistu palettinsa - musteenmusta, umbranruskea, haaleanpunainen, luunvalkoinen, sinooperinpunainen ja atsuriitin sininen - sekä hänen läpikuultavien nautintopalkojensa kaaret Eedenissä rinnastettuina pistävään psykologiseen ja fyysiseen laskeutumiseen hallusinatoriseen helvettiin. Boschin visionäärinen nerous kuvasi ihmisluontoa kaikissa muodoissaan suoran läheisesti ja voimakkaasti tavalla, jonka koen vielä nykyäänkin uskomattoman harvinaiseksi.”

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Öljy paneelille. 15.3 x 15.3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin opiskeli Louis Finkelsteinin johdolla jatko-opiskelijana Queens Collegessa, City University of New Yorkissa. Samassa oppilaitoksessa hän opiskeli Benny Andrewsin johdolla. Andrews kouluttautui abstraktiksi ekspressionistiksi School of the Art Institute of Chicagossa 1950-luvulla; Clinton Hill oli Mark Rothkon työhuoneavustaja; taidekriitikko ja Artforumin apulaispäätoimittaja Robert Pincus-Witten, jonka hän sanoo ”auttaneen kriittistä katsettani”; sekä Charles Cajori, joka oli Hans Hofmannin oppilas. Sirlin sanoo:

"[Lineage] on tosiaan monimutkainen kysymys. Yhteydet taiteilijoihin ovat myös mutkikkaita. Anne Truitt oli minulle tärkeä, kun olin nuori taiteilija Yaddossa. Melissa Meyer oli siellä myös sinä kesänä [1983]. Erin Lawlor oli työhuonenaapurini The Rothko Centressä Latviassa. Jose Heerkens oli Rothko Centressä samaan aikaan kanssamme [2016]. Kara Walker oli opiskelija, kun opetin The Atlanta College of Artissa, ja Kara ja minä osallistuimme samaan Atlantan biennaaliin vuonna 1992. Sitten ovat vielä muut taiteilijat - kirjailijat ja näytelmäkirjailijat. Hayden Herrera [Frida Kahlon ja Arshile Gorkyn elämäkerran kirjoittaja] oli mentorini taidekirjoittajana. Chris Kraus [I Love Dick] ja minä olimme yhdessä Yaddossa... Olin läheinen ystävä näytelmäkirjailija Ronald Tavelin kanssa [Theatre of the Ridiculous]. Hän oli Warholin käsikirjoittaja... Toivottavasti tämä lisävastaus ei sekoittanut asioita sinulle."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Sekatekniikka kankaalle. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

”Kun aloin ensimmäisen kerran maalata, sain voimakkaimmin vaikutteita Picassolta. Hänen värienkäyttönsä ja erityisesti teoksessa ”Girl Before A Mirror” (1932) käyttämänsä jälki vetivät minua puoleensa. Myöhemmin, kun aloin maalata enemmän abstraktin ekspressionismin tapaan, kiinnostuin enemmän Joan Mitchellistä ja Willem De Kooningista. Aloin kuitenkin todella tarkastella heidän teoksiaan vasta sen jälkeen, kun olin jo maalannut tällä tavalla, en ennen sitä.”

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe-maali ja akryyli kylmävahan kanssa paneelille. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Vuonna 2006 Minus Space NY:lle antamassaan haastattelussa taidemaalari Chris Ashley kysyi Göttiniltä, mistä hän aloittaa taiteilijana. Göttin vastasi:

Taidehistoria teeskentelee joskus, että tietty taidesuuntaus on kokonainen ja yhtenäinen kokonaisuus. Termin ”konkreettinen” käyttö ei välttämättä vastaa Konkrete Kunstin ideologista taustaa, joka perustui myös yhteiskuntaa ja politiikkaa koskeviin ajatuksiin. Minua kiinnostaa kokonaisuus, joka voi sisältää myös ristiriitoja - kyllä-vastauksen ja ei-vastauksen sekä jopa ehkä-vastauksen. Lähtökohtani on erilaisten näkemysten tai kantojen samanaikainen synteesi, joka on minulle tilallinen näkemys. Se voi olla ilmeinen tai hienovarainen, symmetrinen tai epäsymmetrinen tai molempia yhtä aikaa, ristiriidalla tai ilman. Se voi olla sääntö ja poikkeama samanaikaisesti. Jotkin aiemmista teoksistani olivat Kurt Schwittersin Merz-teoksiin liittyviä kollaaseja: mitä tahansa löydettyä materiaalia karkeasti pahvinpalalle liimattuna - fyysistä, suoraa, improvisoitua, sattumanvaraista, värikästä, jopa dadaistista. Myöhemmin kiinnostuin minimalismista, jossa taideteos on usein tarkasti suunniteltu ja täydellisen selkeästi rakennettu, materiaalien käyttö on määritelty ja yksityiskohtiin kiinnitetään huomiota. Molemmat suuntaukset ovat minulle tärkeitä, ja joskus näen työssäni piirteitä molemmista, ikään kuin se sijoittuisi näiden kahden taidehistoriallisen kannan välimaastoon.

Daniel Göttin - Nimetön 2 (Pink), 1992. Akryyliä pavatex-levylle. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"On melko vaikeaa ymmärtää omia vaikutteitaan, ainakin minun tapauksessani, koska työskentelen pitkälti intuition enkä niinkään tietoisuuden pohjalta. Uskon, että taideopiskelijana viettämäni muotoutumisvuodet UCLA:ssa (BA 74, MFA 77) muovasivat suuren osan siitä, kuka olen. Tuohon aikaan UCLA oli vahvasti maalaustaiteeseen keskittyvä koulu, jossa oli eurooppalainen/modernistinen suuntaus. Ensimmäiselle maalauskurssilleni minut ilmoitettiin Richard Diebenkornin vetämälle johdantokurssille (minulla ei ollut aavistustakaan, kuka hän oli), mutta hänen ja tiedekunnan johdon välillä oli erimielisyyksiä, ja hänen tehtävänsä päättyi ennen kurssin alkamista. Niinpä opiskelin uuden realistin Richard Josephin johdolla, ja hän loi minulle vankan perustan. Vasta kuusi kuukautta myöhemmin, työskennellessäni edistyneemmällä maalauskurssilla Charles Garabedianin kanssa, aloin kokeilla abstraktiota. Vuosien mittaan minuun todennäköisesti eniten vaikutti professori William Brice. Bill oli erittäin ilmaisuvoimainen, arvokas, antelias, harkitseva ja hauska opettaja ja ystävä. Ahkerana ja tuotteliaana taiteilijana hän puhui usein siitä, miten tärkeää on viettää aikaa studiossa ja työstää asioita perinpohjaisesti, sillä kaikki muu on vähemmän tärkeää. Ajattelen häntä usein ja tunnen itseni onnekkaaksi, että sain tuntea hänet pitkään. Kesti useita vuosia irtautua opiskelijan identiteetistä ja siitä, että vanhojen professoreideni äänet kaikuivat päässäni aina maalatessani, mutta ajan myötä olen saavuttanut selkeän käsityksen siitä, kuka olen ja millainen vastuu minulla on tehdä teoksia, jotka toteuttavat visioni. Näen teoksissani usein muiden taiteilijoiden piirteitä, ja joskus tuntuu, että yhteys syntyy todella samojen ajatusten kautta, kun taas toisinaan mikä tahansa samankaltaisuus vaikuttaa vain pinnalliselta. Lopulta taidekirjoittajat saavat puhua vaikutteista."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Muste paperille. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) oli 25 vuotta sitten grafiikanopettajani. Tapasimme ensimmäisen kerran, kun asuin Fine Arts Work Centerissä Provincetownissa, jossa Michael järjesti viikon mittaisen grafiikan työpajan. Ensimmäisestä yhteydenpidostamme jäi mieleen monia asioita: Michael oli uskomattoman empaattinen ja yhteiskunnallisesti valveutunut ihminen, ei ainoastaan valitsemansa aihepiirin vuoksi (piirrokset ja vedokset psykiatrisen sairaalan kärsivistä potilaista sekä eläintarhan häkeissä olevista eläimistä), vaan myös elämää koskeneiden kahdenkeskisten keskustelujemme ansiosta. Hän opetti minulle esimerkillään anteliaisuutta keinona tasapainottaa ateljeen itsekeskeisyyttä. Michael ei salannut mitään tekniikastaan tai taiteilijanuran tavoittelusta. Michael vietti aikaa Kiinassa 1980-luvun lopulla, ja juuri hänen rakkautensa aasialaiseen maisemaan opetti minut pelkistämään eleitäni ja maalaamaan ilmaisun taloudellisuudella - tätä pidän hyvin lähellä sydäntäni. En koskaan unohda hänen huumorintajuaan, kun hän sanoi minulle: ”Tracey, tämä on ungepatchke!”, jiddišin sana, joka tarkoittaa liian täyteen ahdettua ja koristeltua."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Guassi, grafiitti ja muste rives-paperille. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee mainitsee ensimmäiseksi inspiraatiokseen Paul Cézannen akvarellin, jonka hän näki 11-vuotiaana ja joka teki häneen ”unohtumattoman vaikutuksen”. Hän jatkaa:

"Professori Klaus Stümpel oli niin läheinen luonnon kanssa, että häntä kutsuttiin melkein leikkimielisesti ’maanviljelijäksi’. Hän suositteli, että tutustuisin František Kupkaan. Tutkin hänen abstraktioksi muuttamisen prosessiaan sekä hänen kosmista ja mystistä näkökulmaansa. Ennen kaikkea opin hänen elämänrakkaudestaan ja tahdostaan pitää kiinni ajatuksistaan enemmän kuin mistään muusta. Kun palasin Koreaan, ajattelin jälleen Kandinskya. Mielestäni hänen halunsa löytää taiteesta objektiivinen, universaali totuus on mahdoton haaste. Uskon, että taide on ennen kaikkea subjektiivista ja henkilökohtaista. Kun tavoitan sisimpäni syvimmän puolen, voin kommunikoida muiden sisimmän kanssa. Uskon, että taide voi toimia mikrokosmoksen (ihmisen) ja makrokosmoksen (maailman) yhdistävänä välineenä. Erityisesti väri on tutkimukseni aihe. Etsin väriä adjektiivina. Pidän Richterin asenteesta työhön, hänen intohimostaan maalaamiseen ja kokeilunhalustaan. Ehkä On Kawara? Pidän hänen teoksistaan, joiden avulla hän halusi todistaa olevansa elossa, ja haluan päivittäisellä työskentelyllä todistaa itselleni, että olen yhä elossa tunne-elämältäni ja aisteiltani. Ajatukseni Wassily Kandinskysta ja monista muista minimalisteista poikkeavat suuresti yleisestä näkemyksestä. En hyväksy heidän taiteellista näkökulmaansa."

Kyong Lee - Kuva valkoisen kanssa, 2008. Akryyli kankaalle, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman mainitsee vaikutteikseen taiteilijoita (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman ja Andy Warhol), suunnittelijoita (Saul Bass ja Roy Kuhlman) sekä arkkitehteja (Le Corbusier). Hän puhuu kuitenkin myös niistä henkilökohtaisista tavoista, joilla kulttuuri on vaikuttanut hänen taiteeseensa, kuten seuraavassa anekdootissa:

"Isäni yritys liittyi kylttien tekemiseen. Kuten useimmat amerikkalaiset kaupunkilaislapset, kasvoin auton takapenkillä, ja olin erittäin tietoinen mainostauluista ja neonvaloista. Huomiota herättävä suora visuaalinen ärsyke oli osa psyykeäni. Hyvin äskettäin vierailin MoMAssa New Yorkissa ja vaikutuin jälleen Barnett Newmanin maalauksesta “Vir Heroicus Sublimis” (Mies, sankarillinen ja ylevä) (1950-51). Välitön ruumiillinen reaktioni sen voimaan, välittömyyteen ja yksinkertaisuuteen oli valtava, ja se vahvisti omaa visuaalista menneisyyttäni ja identiteettiäni."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Guassi käsintehdylle khadi-paperille. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"Minulle se oli Mondrian. Sen ajan abstraktit taiteilijat työskentelivät abstraktion parissa käsitteellisemmin, eli he pitivät sen ajatuksesta, kun taas Mondrian työskenteli mekanismien kautta takaperin ja päätyi toisessa päässä keksimään kuvapinnan uudelleen. Harva on tehnyt niin sen jälkeen. Sitten aloin ajatella, että täytyy olla muitakin tapoja päästä siihen outoon tilaan, jota Mondrian hallitsi niin selkeästi. [Ellsworth] Kelly ja [Robert] Mangold osoittivat muita tapoja ilmaista tätä ’toista’ tilaa. Näiden taiteilijoiden kokemus antoi minulle tilaa arvostaa todella vertaisteni pyrkimyksiä ja pyrkiä pääsemään seuraavan kuoren läpi."

Brent Hallard - Pilvet, 2013. Akryyli paperille. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Olen rakastanut Vija Celminsin teoksia ja ajatellut niitä usein. Hänen intensiivinen havainnointinsa ja rauhallinen toteutuksensa inspiroivat minua suuresti. Louise Bourgeois on aina inspiroinut minua päättäväisyydellään ilmaista itseään ideoilleen parhaiten sopivalla välineellä. Ilmeisempi innoittaja olisi Agnes Martin; rakastan hänen itsevarmaa pidättyväisyyttään, ja Mark Rothkoa hänen teostensa tunnevoiman vuoksi."

Audrey Stone - Nro 61, 2011. Lanka, muste ja grafiitti paperille. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville mainitsee toisen maailmansodan aikaiset saksalaiset bunkkerit, jotka reunustavat Ranskan Atlantin rannikkoa. Hän sanoo: ”Useimmat pitävät niitä rumina arpeina. Minun silmissäni niiden olemus oli osa maisemaa; aika sulautti ne hiekkaan, dyyneihin ja mereen tai katutaiteilijoiden niille tekemiin maalauksiin.” Lisäksi Auvilleen vaikutti tämä hänen nuoruudestaan peräisin oleva kokemus:

"Kuusitai­seitse­män­vuotiaana sain kunnian vierailla Lascaux’n luolassa Lounais-Ranskassa. Se oli minulle järkytys. Vanhempani ostivat matkamuistoiksi jäljennöksiä, ja vietin tuntikausia katselemalla niitä kotimme kellarissa ja pohtimalla, mikä erotti kuvat todellisesta taideteoksesta. Ero oli ilmeinen, mutta yritin selvittää, mistä se pohjimmiltaan johtui. Sytytin ja sammutin valoja, liimasin hiekkaa kuvien päälle yrittäen jäljitellä Lascaux’n maalausten olemusta, mutta en koskaan saavuttanut sitä, minkä ajattelin olevan niiden sielu."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentoitu sementti vaahtomuovilevyillä. Rakenteellinen ripustuskehys teoksen takana. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan mainitsee vaikutteikseen taiteilijoita (Piet Mondriaan, Kazimir Malevitš, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly), levynkansisuunnittelijoita (Hipgnosis, Peter Saville) sekä muusikoita (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Hän sanoo:

"Murrosikää edeltävinä vuosina Piet Mondriaanin visuaalinen kieli herätti Alankomaissa paljon huomiota. Olin liian nuori ajattelemaan taiteen termein, mutta Mondriaan oli yksinkertaisesti läsnä, ja se kiehtoi. Kiehtoo edelleen! Hieman myöhemmin tutustuin suprematisteihin, jotka ottivat geometriset muodot lähtökohdakseen aivan kuten minäkin. Koska sisareni ovat noin viisi vuotta minua vanhempia, löysin jo teini-ikäni alkuvuosina heidän poikaystäviensä kautta ”progressiivisen” musiikin ja siihen liittyvän levynkansisuunnittelun. Ei siis yllätä, että halusin levynkansisuunnittelijaksi. Jos minun pitäisi nimetä yksi kuvataiteilija, joka muutti tapaani katsoa asioita, se olisi Ellsworth Kelly. Amsterdamin Stedelijk-museo osti 1980-luvun puolivälissä teoksen ”Blue Curve VI” (1982). Kävin säännöllisesti katsomassa sitä ja tutkin sen visuaalista kieltä. Mutta nyt, ehkä vielä tärkeämpää, myös oma reaktioni taiteeseen ohjaa minua... Aloin ajatella taidetta... sen tarkoitusta, merkitystä, voi hyvänen aika."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD -muste Hahnemühle-paperille. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albersin opetukset vaikuttavat siihen, miten ajattelen värien sijoittamista erilaisiin asiayhteyksiin. James Turrellin skyspace-teokset ovat vaikuttaneet siihen, miten ajattelen ilmakehän värin sijoittamista erilaisiin asiayhteyksiin. Yleisesti ottaen Paper Skies- ja Moving Pictures -sarjojeni yleiseen estetiikkaan ovat voimakkaasti vaikuttaneet modernit yhdysvaltalaiset maalarit, kuten Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella ja muut."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Värisublimaatiovedos alumiinille (mattapintainen/kiiltävä viimeistely). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Yli 20 vuotta sitten löysin Ronchampin kappelin, arkkitehti Charles Edouard Jeanneret’n, joka tunnetaan nimellä Le Corbusier, myöhäisen työn. Ennen sitä tai sen jälkeen en ole kokenut tällaista käsitystä massiivisuuden ja kohoamisen välisten mahdollisuuksien oikeellisuudesta. Silloin alkoi minulle tämä pitkä etsintä, joka ravitsee minua edelleen ja jonka tavoitteena on lähestyä täyden ja tyhjän mahdollisimman sopivaa suhdetta."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundumi ja kuivaneula kuparille. Painettu bfk rives -paperille, 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Haluaisin puhua taiteilijasta, joka on inspiroinut minua vuosikymmenten ajan enemmän kuin kukaan muu taiteilija: Matissesta, taiteilijasta, jonka tuotantoa voisi tutkia koko elämän ajan. Hänen työnsä kulki niin moniin suuntiin, koska hän kokeili ja tutki maalaamisen uusia mahdollisuuksia. Ne ovat kauniita, kohottavia ja monimutkaisia – toisinaan ihastuttavia ja seesteisiä, toisinaan vaikeita ja haastavia – heijastaen sitä, millaista elämä on."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarelli paperille. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Sen sijaan että hän luettelisi vaikutteitaan, Cantrick mainitsee taiteilijat, joiden työ kiinnostaa häntä eniten, riippumatta siitä, liittyvätkö he suoraan hänen omaan työhönsä. Hänen lyhyt listansa modernin ja nykytaiteen puolelta:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé ja Per Kirkeby. Lista on eklektinen eikä suinkaan tyhjentävä, mutta heitä yhdistävät selkeys, monimutkaisuus ja elinvoimaisuus – omatkin keskeiset pyrkimykseni – jotka ilmenevät vahvana värinä ja rakenteena, erottuvina muotoina sekä matalana maalaustilana. Esimodernin ajan taiteilijoista Vermeer, Degas ja Manet ovat listani kärjessä, jälleen tuon saman kolmikon vuoksi: selkeys, monimutkaisuus ja elinvoimaisuus. Lisäksi: Vermeerin kiinteän esitystavan jäntevyys välittää uskomattoman käsinkosketeltavaa pysähtyneisyyttä – ajan suspensiota. Degasin erityinen tapa rytmittää tilaansa ”hiljaisilla”, elottomilla alueilla ja/tai vahvalla pystysuuntaisella elementillä kannustaa pitkittyneeseen, rytmiseen katseluun. Ja Manet’ssa on välittömyyttä ja raikkautta, joka kaikesta muusta mestarillisuudesta huolimatta on parhaimmillaan vangitsevaa."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryyli pellavalle. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Minun tapauksessani en saanut vaikutteita yhdeltä tietulta taiteilijalta sinänsä, vaan pikemminkin Chicagon taiteilijayhteisöltä, jossa kasvoin. Naapurustossani, jota kutsuttiin Lincoln Parkin alueeksi tai Old Towniksi, oli taiteilijoita joka puolella. Kun kiinnostuin piirtämisestä varhaisteininä, minua kannustettiin menemään Chicagon hienon taideinstituutin yhteydessä toimivaan kouluun piirtämään mallista. Kouluun päästäkseni kuljin suoraan museon läpi, ja siellä oli kuuluisa impressionistisen taiteen kokoelma. Uskon, että se pohjimmiltaan muovasi kiinnostukseni viivaan, eleeseen ja väriin."

Anne Russinof - Look See, 2014. Öljy kankaalle. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Taiteellinen perintöni juontaa juurensa taiteilijoihin, jotka yhdistävät kuvan tai esineen tekemisessä ”pelkistävän” lähestymistavan huomioon pintaa ja hienovaraisia yksityiskohtia kohtaan. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros ja Sol Lewitt tulevat mieleen. Lisäksi Richard Serran, Carl Andren ja Fred Sandbackin veistokset ja niiden erityinen tapa käyttää kolmiulotteista tilaa inspiroivat edelleen maalaustapaani."

Macyn Bolt - Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryyli kankaalle. 122 x 96,9 cm

Lähteet

• Maallisten ilojen puutarha -triptyykki, Museo Nacional del Prado: Tukee triptyykin paratiisia, maallisia iloja ja helvettiä kuvaavien paneelien kuvausta.