18 nykyaikaista abstraktia taiteilijaa avautuu sukulaisuudestaan

Taiteen opettaminen on vaarallista ja mahdotonta. Silti se on myös välttämätöntä. Jotta taide voisi olla olemassa, taiteilijoiden täytyy oppia, miten heistä tulee juuri sitä, mitä he aikovat tulla, ja miten he luovat juuri sitä, mitä he aikovat luoda. Jotkut oppivat koulussa, muilta virheellisiltä ihmisiltä kuten he itse, jotka ovat jostain syystä ottaneet vastaan vaarallisen, mahdottoman ja välttämättömän tehtävän jakaa muille sitä, mitä he ovat oppineet. Toiset taiteilijat löytävät opettajia luokkahuoneen ulkopuolelta. He saattavat oppia, mitä taiteilijana oleminen tarkoittaa, viettämällä aikaa muiden taiteilijoiden kanssa avajaisissa tai baareissa. He saattavat oppia, mitä taiteen tekeminen tarkoittaa katsomalla videoita verkossa tai purkamalla nähtyä taidetta museoissa tai kirjoissa. Jotkut taiteilijat saattavat opettaa itselleen, mitä he ovat, seuraamalla arkkitehtuurista ja muotoilusta saamaansa inspiraatiota, yksinkertaisesti reagoimalla ajatuksiin ja tunteisiin, joita he kokevat ollessaan vuorovaikutuksessa jokapäiväisen rakennetun ympäristön ja sen lukemattomien tuotteiden ja tilojen kanssa. Toiset taas saattavat oppia olemaan taiteilijoita yksinkertaisesti omaksumalla – ja sitten vaalimalla – sisäistä pakkoaan luoda. Tekemisen prosessi voi opettaa meitä tekemään. Oleminen voi opettaa meille, mitä haluamme olla. Lopulta jokaisella, joka selviytyy oppimisprosessista siihen hetkeen, jolloin hän voi sanoa lauseen ”Olen taiteilija” ilman, että se tuntuu valheelta, on tarina kerrottavanaan opettajistaan. Tänään tuomme teille kokoelman tällaisia tarinoita taiteilijoilta, jotka ovat rohkeita jakamaan oppimisen perintönsä. He ovat rohkeita, koska ilmoittaa esteettinen tai konseptuaalinen perintönsä altistaa heidät kauhealle uhalle. Sinä, lukija, saatat huomata, että yksi taiteilija oli toisen taiteilijan opiskelija tai sai inspiraationsa tästä tai tuosta asiasta, ja erehtyä pitämään sitä oikotienä. Saatat sanoa: ”Ahaa! Nyt näen, ketä he kopioivat,” tai, ”Nyt ymmärrän heidän taiteensa!” Sen sijaan, kun luet näitä anekdootteja siitä, miten nämä 18 taiteilijaa tulivat sellaisiksi kuin ovat, anna tiedon laajentaa havaintojasi. Seuraa kutakin lankaa ja kaiva syvemmälle. Saatat nähdä vaarallisen, mahdottoman, välttämättömän kauneuden siitä, mitä taiteen opettaminen ja oppiminen todella tarkoittaa.

Anya Spielman

Spielman oli Wayne Thiebauldin opiskelija Kalifornian yliopistossa Davisissa. Muita opettajiaan hän kuvailee näin:

"Suurta vaikutusta minuun teki Hieronymus Boschin triptyykki, ”The Garden of Earthly Delights”, jonka näin Pradossa teini-ikäisenä. Olin vaikuttunut ikonografiasta sekä hänen työnsä rehevästä värimaailmasta ja monimutkaisista sommitelmista. Vastasin välittömästi Boschin työn kaksinaisuuteen: hänen karuun ja valaistuun palettiinsa: musteen mustan, umberin, vaaleanpunaisen, luun, vermilionin ja atsuriitin sävyihin; hänen läpikuultavien nautinnon pesäkkeidensä kaarevuuteen Edenissä, joka oli vastakkain läpitunkevan psykologisen ja fyysisen laskun kanssa hallusinatoriseen helvettiin. Boschin visionäärinen nerous kuvasi ihmisen luonnetta kaikissa muodoissaan, suoran intiimisti ja voimakkaasti, mikä on mielestäni uskomattoman harvinaista vielä tänäkin päivänä."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Öljy paneelille. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin opiskeli Louis Finkelsteinin kanssa ollessaan jatko-opiskelija Queens Collegessa, City University of New Yorkissa. Samassa koulussa hän opiskeli Benny Andrewsin kanssa, joka kouluttautui abstraktin ekspressionismin taiteilijaksi School of the Art Institute of Chicagossa 1950-luvulla; Clinton Hillin kanssa, joka oli Mark Rothkon työhuoneavustaja; taidekriitikko ja Artforumin apulaispäätoimittaja Robert Pincus-Wittenin kanssa, jonka Sirlin sanoo ”auttaneen kriittistä silmääni”; ja Charles Cajorin kanssa, joka oli Hans Hoffmannin oppilas. Sirlin sanoo:

"[Lineage] on todellakin monimutkainen kysymys. Yhteydet taiteilijoihin menevät myös sivuttain. Anne Truitt oli minulle tärkeä, kun olin nuori taiteilija Yaddossa. Melissa Meyer oli myös siellä sinä kesänä [1983]. Erin Lawlor oli työhuoneeni kaveri The Rothko Centre Latviassa. Jose Heerkins oli Rothko Centreissä samaan aikaan kanssamme [2016]. Kara Walker oli opiskelija, kun opetin The Atlanta College of Artissa, ja Kara ja minä osallistuimme samaan Atlanta Biennialiin vuonna 1992. Sitten on muita taiteilijoita – kirjailijoita ja näytelmäkirjailijoita. Hayden Herrera [Frieda Kahlon ja Arshile Gorkyn elämäkerran kirjoittaja] oli mentorini taidekirjoittajana. Chris Kraus [I Love Dick] ja minä olimme yhdessä Yaddossa... Olin läheinen ystävä näytelmäkirjailija Ronald Tavelin [Theatre of the Ridiculous] kanssa. Hän oli käsikirjoittaja Warholille... Toivon, etten sekoittanut asioita sinulle tässä lisävastauksessa."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Sekatekniikka kankaalle. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Kun aloitin maalaamisen, minuun vaikutti eniten Picasso. Minua viehätti hänen värien ja jälkien käyttö, erityisesti teoksessa ”Girl Before A Mirror” (1932). Myöhemmin, kun aloin maalata enemmän abstraktin ekspressionismin tyyliin, minua kiehtoivat enemmän Joan Mitchell ja Willem De Kooning. Kuitenkin aloin todella tutkia heidän töitään vasta sen jälkeen, kun olin maalannut tällä tavalla, en ennen."

Brenda Zappitell - Tällä hetkellä, 2017. Flashe ja akryyli kylmällä vahalla paneelilla. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

Vuoden 2006 haastattelussa Minus Space NY:lle maalari Chris Ashley kysyi Göttiniltä, mistä hän aloittaa taiteilijana. Göttin vastasi:

"Taidehistoria joskus esittää, että tietty taidesuuntaus on täydellinen kokonaisuus. Termiä ”konkreettinen” käyttäminen ei välttämättä sovi yhteen Konkrete Kunstin ideologisen taustan kanssa, joka perustui myös yhteiskuntaa ja politiikkaa koskeviin ajatuksiin. Minua kiinnostaa kokonaisuus, joka voi sisältää myös ristiriitoja—kyllä ja ei, ja jopa ehkä. Lähtökohtani on eri näkökulmien tai asemien synteesi samanaikaisesti, mikä minulle on tilallinen näkökulma. Se voi olla ilmeinen tai hienovarainen, symmetrinen tai epäsymmetrinen tai molempia yhdessä, ristiriidan kanssa tai ilman. Se voi olla sääntö ja poikkeama yhdessä. Jotkut aikaisemmista töistäni olivat kollaasit, jotka liittyivät Kurt Schwittersin työhön (Merz), mikä tahansa löydetty materiaali karkeasti liimattuna pahville—fyysinen, suora, improvisoitu, sattumanvarainen, värikäs, jopa dadaistinen. Myöhemmin kiinnostuin Minimal Artista, jossa taideteos on usein tarkasti suunniteltu ja täydellisesti ja selkeästi rakennettu määritellyllä materiaalien käytöllä ja yksityiskohtiin kiinnittämisellä. Molemmat suuntaukset ovat minulle tärkeitä, ja joskus näen työni kantavan molempien osia, vastaavan näiden kahden taidehistoriallisen aseman välillä."

Daniel Göttin - Nimetön 2 (Vaaleanpunainen), 1992. Akryyli pavatex-levylle. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"On melko vaikeaa ymmärtää omia vaikutteitaan, ainakaan minulle, koska työskentelen pitkälti intuitiosta enkä niin paljon tietoisuudesta. Uskon kuitenkin, että muotoutumisvuoteni taideopiskelijana UCLA:ssa (BA 74, MFA 77) muodostivat suuren osan siitä, kuka olen. Tuohon aikaan UCLA oli melko maalaajien koulu, jossa oli eurooppalainen/modernistinen suuntaus. Ensimmäiselle maalauskurssilleni olin ilmoittautunut Richard Diebenkornin johdattavalle maalauskurssille (en tiennyt kuka hän oli), mutta hänellä ja tiedekunnan johdolla oli ongelmia, ja hänen asemansa lopetettiin ennen kurssin alkua. Joten opiskelin Richard Josephin kanssa, uuden realistin, joka antoi minulle vankan perustan. Vasta kuusi kuukautta myöhemmin, työskennellessäni edistyneemmässä maalauskurssissa Charles Garabedianin kanssa, aloin kokeilla abstraktiota. Vuosien varrella professori, jolla oli minuun todennäköisesti eniten vaikutusta, oli William Brice. Bill oli hyvin selkeä, arvokas, antelias, ajatteleva, hauska opettaja ja ystävä. Ahkerana ja tuotteliaana taiteilijana hän puhui usein tarpeesta viettää aikaa studiossa kamppaillen asioiden kanssa, ja kaikki muu on vähemmän tärkeää. Ajattelen häntä usein ja tunnen olevani onnekas, että tunsin hänet pitkään. Kesti useita vuosia erottautua opiskelijan roolista ja kuulla vanhojen professoreideni ääniä päässäni aina maalatessani, mutta ajan myötä olen saavuttanut selkeän käsityksen siitä, kuka olen ja vastuusta tehdä työtä, joka täyttää visiomme. Näen usein muiden taiteilijoiden piirteitä työssäni, joskus tuntien, että on todella yhteys samojen ideoiden kautta ja toisinaan tuntuu, että kaikki samankaltaisuus on vain pinnallista. Lopulta antakoon taidekirjoittajien puhua vaikutteista."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Muste paperilla. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) oli painotaiteen opettajani 25 vuotta sitten. Tapasimme ensimmäisen kerran, kun olin Fine Arts Work Centerissä Provincetownissa, missä Michael piti viikon mittaista painotyöpajaa. Niin monet asiat erottuvat meidän ensikohtaamisestamme: Michael oli uskomattoman empaattinen ja yhteiskuntatietoinen henkilö, ei vain valitsemassaan aiheessa (piirroksia ja vedoksia kärsivistä potilaista psykiatrisessa sairaalassa ja häkeissä olevista eläimistä eläintarhassa), vaan myös kahdenkeskisissä keskusteluissamme elämästä. Hän opetti minulle anteliaisuutta esimerkin kautta tasapainottamaan studion itsekeskeisyyttä. Michael ei jakanut mitään tekniikastaan tai taiteilijan uran tavoittelusta. Michael vietti aikaa Kiinassa 80-luvun lopulla, ja hänen rakkautensa aasialaiseen maisemaan opetti minut yksinkertaistamaan eleitäni, maalaamaan ilmaisun taloudellisuudella, jotain mitä pidän hyvin lähellä sydäntäni. En koskaan unohda hänen huumorintajuaan, kun hän sanoi minulle: ”Tracey, tämä on ungepatchke!”, jiddiš-sana, joka tarkoittaa liian kiireistä ja koristeltua.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Guassi, lyijykynä ja muste rives-paperille. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee mainitsee ensimmäisen inspiraationsa olleen Paul Cézannen vesiväriteos, jonka hän näki 11-vuotiaana ja joka jätti "unohtumattoman vaikutelman." Hän jatkaa sanomalla:

"Professorini Klaus Stümpel oli niin lähellä luontoa, että häntä melkein kutsuttiin ’maanviljelijäksi’. Hän suositteli minua opiskelemaan Frantisek Kupkaa. Opiskelin hänen abstraktio-prosessiaan ja hänen kosmista ja mystistä näkökulmaansa. Ennen kaikkea opin hänen elämänrakkautensa ja tahtonsa pitää ajatuksensa. Kun palasin Koreaan, ajattelin Kandinskyä uudelleen. Mielestäni hänen halunsa löytää objektiivinen, universaali totuus taiteesta on mahdoton haaste. Mielestäni taide on subjektiivista ja henkilökohtaista ennemmin kuin mitään muuta. Kun etsin syvintä sisintäni, voin kommunikoida muiden sisäisyyden kanssa. Mielestäni taide voi olla väline, joka yhdistää mikrokosmoksen (ihmisen) ja makrokosmoksen (maailman). Erityisesti väri on tutkimukseni kohde. Etsin väriä adjektiivina. Pidän Richterin asenteesta työhön, hänen intohimostaan maalaamiseen ja kokeilun hengestä. Ehkä On Kawara? Pidän hänen työstään, jolla hän halusi todistaa olevansa elossa, ja haluan todistaa itselleni työskentelemällä joka päivä, että olen edelleen elossa tunnepohjaisesti ja järjellisesti. Ajatukseni Wassily Kandinskystä ja monista muista minimalisteista poikkeavat yleisestä näkökulmasta. En ole samaa mieltä heidän taiteellisesta näkemyksestään."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Akryyli kankaalle, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman mainitsee vaikutteina taiteilijoita (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman ja Andy Warhol), suunnittelijoita (Saul Bass ja Roy Kuhlman) sekä arkkitehtejä (Le Corbusier). Mutta hän puhuu myös henkilökohtaisista tavoista, joilla kulttuuri on vaikuttanut hänen taiteeseensa, kuten seuraavassa anekdootissa:

"Isäni yritys oli mainostauluja. Kuten useimmat amerikkalaiset kaupunkilapset, kasvoin auton takapenkillä, hyvin tietoisena mainostauluista ja neonvaloista. Huomiota herättävä suora visuaalinen ärsyke oli osa psyykeäni. Äskettäin vierailin MoMA:ssa New Yorkissa ja minut valtasi jälleen Barnett Newmanin maalaus “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51). Vatsanpohjasta tuleva reaktioni sen voimaan, välittömyyteen ja yksinkertaisuuteen oli ylivoimainen, vahvistaen omaa visuaalista menneisyyttäni ja identiteettiäni."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Guassi käsintehdylle Khadi-paperille. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"Minulle se oli Mondrian. Tuon ajan abstraktit taiteilijat työskentelivät enemmän konseptuaalisesti abstraktion kanssa, eli he pitivät siitä ideana, kun taas Mondrian työskenteli taaksepäin mekaniikan kautta ja tuli toisesta päästä uudelleen keksimään kuvatason. Harva on tehnyt niin sen jälkeen. Sitten aloin ajatella, että täytyy olla muitakin tapoja päästä tähän outoon tilaan, jonka Mondrian hallitsi niin selkeästi. [Ellsworth] Kelly ja [Robert] Mangold näyttivät muita tapoja ilmaista tätä ’toista’ tilaa. Näiden taiteilijoiden kokemus antoi minulle tilaa todella arvostaa ikätoverieni pyrkimyksiä ja pyrkiä pääsemään seuraavan kuoren läpi."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryyli paperilla. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Olen rakastanut ja ajatellut usein Vija Celminsin töitä. Hänen intensiivinen havainnointinsa ja rauhallinen toteutuksensa ovat minulle hyvin inspiroivia. Louise Bourgeois on aina inspiroinut minua päättäväisyydellään ilmaista itseään parhaiten ideoidensa mediumissa. Selvempänä inspiraationa voisi mainita Agnes Martinin, rakastan hänen itsevarmaa pidättyväisyyttään, ja Mark Rothkon, jonka työ voi vetää tunteellista iskua."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Lankaa, mustetta ja grafiittia paperilla. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville mainitsee toisen maailmansodan aikaiset saksalaiset bunkkerit, jotka reunustavat Ranskan Atlantin rannikkoa. Hän sanoo: "Useimmat ihmiset pitävät niitä rumina arpeina. Minun silmissäni niiden olemus oli osa maisemaa, aika sulautti ne hiekkaan, dyyniin ja mereen tai katutaiteilijoiden niihin maalaamiin teoksiin." Lisäksi Auvillea vaikutti nuoruuden kokemus:

"Kuusivuotiaana tai seitsemänvuotiaana minulla oli etuoikeus vierailla Lascaux'n luolassa Etelä-Ranskassa. Se oli minulle shokki. Vanhempani ostivat matkamuistoiksi joitakin jäljennöksiä, ja vietin tunteja katsellen niitä talomme kellarissa pohtien, mikä erottaa kuvat aidosta taideteoksesta. Ero oli ilmeinen, mutta yritin ymmärtää sen olemusta. Sytytin ja sammutin valon, liimasin hiekkaa kuviin yrittäen jäljitellä Lascaux'n maalauksien rakennetta, mutta en koskaan saavuttanut sitä, mitä ajattelin niiden sieluksi."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmentoitu sementti vaahtopaneeleilla. Rakenne ja ripustuskehys takana. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan mainitsee vaikutteita taiteilijoista (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly), levynkansien suunnittelijoista (Hipgnosis, Peter Saville) ja muusikoista (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Hän sanoo:

"Ennen murrosikääni Piet Mondriaanin visuaalinen kieli sai paljon huomiota Alankomaissa. Olin liian nuori ajattelemaan taiteen termein, mutta Mondriaan oli vain siellä, ja se oli kiehtovaa. Ja on yhä! Hiukan myöhemmin tutustuin suprematisteihin, jotka kuten minä, ottivat geometriset muodot lähtökohdakseen. Koska siskoni ovat noin viisi vuotta vanhempia, löysin (heidän poikaystäviensä kautta) teini-ikäni alussa ’progressiivisen’ musiikin ja siihen liittyvän kansitaiteen. Ei ole yllättävää, että halusin tulla kansitaiteilijaksi. Jos minun pitäisi valita yksi visuaalinen taiteilija, joka muutti tapaani nähdä asioita, se olisi Ellsworth Kelly. 80-luvun puolivälissä Amsterdamin Stedelijk Museum osti ”Blue Curve VI” (1982). Kävin säännöllisesti katsomassa sitä ja tutkin visuaalista kieltä. Mutta nyt, ehkä tärkeämpänä, minua ohjaa myös oma reaktioni taiteeseen... Aloin ajatella taidetta... tarkoitusta, merkitystä, voi hyvänen aika."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD -muste Hannemuhle-paperille. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albersin opetukset vaikuttavat siihen, miten ajattelen värien sijoittamista eri konteksteihin. Ja James Turrellin taivastilat vaikuttivat siihen, miten ajattelen ilmavärin sijoittamista eri konteksteihin. Yleisesti ottaen Paper Skies- ja Moving Pictures -sarjojeni kokonaisestetiikka on vahvasti vaikutteita saanut modernilta amerikkalaisilta maalareilta kuten Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella jne."

Brenda Biondo - Paper Sky nro 21 (Suuri), 2015. Väri-sublimaatiopainatus alumiinille (matta/kiiltävä viimeistely). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"Löysin yli 20 vuotta sitten Ronchampin kappelin, arkkitehti Charles Edouard Jeanneretin, tunnetun nimellä Le Corbusier, myöhäisen työn. En tuntenut, en ennen enkä jälkeen, sellaista käsitystä massiivisuuden ja kohoamisen mahdollisuuksien oikeellisuudesta. Silloin alkoi minulle tämä pitkä etsintä, joka ruokkii minua edelleen, pyrkien lähestymään sopivinta suhdetta täyden ja tyhjän välillä."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundumia ja kuivaneulaa kuparille. Painatus bfk rives -paperille 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Haluaisin puhua taiteilijasta, joka on inspiroinut minua vuosikymmenten ajan enemmän kuin kukaan muu taiteilija: Matisse, taiteilija, jota voisi tutkia koko elämänsä. Hänen työnsä kulkivat monia polkuja kokeilujensa ja maalauksen uusien mahdollisuuksien tutkimisen vuoksi. Ne ovat kauniita, kohottavia, monimutkaisia, toisinaan ihania ja rauhallisia, toisinaan vaikeita ja haastavia – heijastus siitä, millaista elämä on."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Vesiväri paperille. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

Sen sijaan, että listaisi vaikutteitaan, Cantrick mainitsee taiteilijat, joiden työ häntä eniten kiinnostaa, riippumatta siitä, onko niillä suoraa yhteyttä hänen omaan työhönsä. Hänen lyhyt listansa modernista ja nykytaiteesta:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé ja Per Kirkeby. Tämä on eklektinen eikä tyhjentävä lista, mutta mitä heillä on yhteistä, on selkeys, monimutkaisuus ja elinvoimaisuus—jotka ovat omia kiinnostuksen kohteitani—ilmaistuna vahvalla värillä ja rakenteella, erottuvilla muodoilla ja matalalla maalauksen tilalla. Esimodernin osalta Vermeer, Degas ja Manet ovat listani kärjessä, jälleen sen kolmen ominaisuuden vuoksi: selkeys, monimutkaisuus, elinvoimaisuus. Lisäksi: Vermeerin tiukka ja vankka esitys välittää uskomattoman aistittavan hiljaisuuden—ajan pysähtymisen. Degasin erityinen tapa korostaa tilaansa "äänettömillä", elottomilla alueilla ja/tai vahvalla pystysuoralla elementillä edistää pitkitettyä, rytmikästä katselua. Ja Manetissa on välittömyyttä ja raikkautta, joka kaiken muun mestaruuden ohella on parhaimmillaan vangitsevaa."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryyli pellavalle. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"Minun tapauksessani en ollut vaikutteiden alaisena yhdeltä taiteilijalta sinänsä, vaan pikemminkin taiteelliselta yhteisöltä, jossa kasvoin Chicagossa. Naapurustossani, joka tunnetaan nimellä Lincoln Park tai Old Town, oli taiteilijoita kaikkialla, ja kun osoitin kiinnostusta piirtämiseen ennen teini-ikää, minua kannustettiin menemään kouluun, joka liittyy upeaan Art Institute of Chicagoon hahmopiirustusta varten. Siellä sain kävellä suoraan museon läpi sen kuuluisan impressionistisen kokoelman ohi päästäkseni kouluun. Uskon, että tämä muodosti perustan kiinnostukselleni viivaan, eleeseen ja väriin."

Anne Russinof - Look See, 2014. Öljy kankaalle. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Taiteellinen perintöni löytyy taiteilijoista, jotka yhdistävät "reduktiivisen" lähestymistavan kuva-/esineen tekemiseen pinnan ja hienovaraisen yksityiskohdan huomioimisen kanssa. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros ja Sol Lewitt tulevat mieleen. Lisäksi Richard Serran, Carl Andre ja Fred Sandbackin veistoksellinen työ, heidän erityisellä kolmiulotteisen tilan käytöllään, jatkaa maalauslähestymistapani inspiroimista."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryyli kankaalle. 122 x 96.9 cm