Abstraktit valokuvatulosteet myynnissä, joita et saa missata!

Rajojen rikkomisessaan abstrakti valokuvaus ylitti yksinkertaiset määritelmät ja luonnehdinnat. Vaikka se alun perin juurtui realismiin, valokuvauksen väline omaksui ei-edustavan ilmaisun vuosisatojen aikana, legendaaristen taiteilijoiden kuten Man Rayn, William Kleinin, Hiroshi Sugimoton sekä myöhemmin Wolfgang Tillmansin, Thomas Ruffin ja Jessica Eatonin teoksissa. Osa tästä monipuolisesta teoskokonaisuudesta on esillä omassa erinomaisessa valikoimassamme korkealaatuisia abstrakteja valokuvataidevedoksia myytävänä alla. Olemme ylpeitä voidessamme kiinnittää huomionne kuuteen merkittävään taiteilijaan, joiden työ muuttaa syvällisesti sekä valokuvauksen välinettä että abstraktia taidetta itseään. Alta löydät yhdeksän korkealaatuista abstraktia valokuvataidevedosta myytävänä, joita et halua jättää väliin!

Richard Caldicott - Untitled 153

Richard Caldicott saavutti maailmanlaajuisen tunnustuksen abstraktilla värien ja geometristen muotojen sommitelmalla, joka kumpuaa (uudelleen)järjestellyistä ja esineellistetyistä Tupperware-astioista, jotka hänen valokuvissaan sulautuvat puhtaaseen abstraktioon. Hänen jatkuvat ja rohkeat pyrkimyksensä haastaa valokuvauksen kaanon eivät ole vuosien saatossa laantuneet, sillä hänen taiteensa ulottuu myös piirustukseen ja veistokseen, joissa korostuu sama hienostuneisuus ja hillitty tyyli. Caldicottin uudempi työ paljastaa asteittaista irtautumista modernistisen tyyneyden tilasta kohti sommitelmia, jotka jäljittelevät häiriöitä ja murtumia.

Untitled 153:ssa Caldicott noudattaa perinteistä analogista valokuvausmenetelmäänsä luodakseen minimalistisen, värikkään ja eloisan osakokonaisuuden. Nämä muodot, pinnat ja värit kumpuavat hänen henkilökohtaisimmasta kokemuksestaan ja houkuttelevat katsojan hänen intiimiin maailmankaikkeuteensa. Untitled 153 noudattaa havaittavaa lineaarista sommittelun logiikkaa ja kehittyy upeaksi abstraktiksi teokseksi, joka on sekä itsestään selittävä että osa laajempaa keskustelua. Korostamalla toistoa, jäljentämistä ja hienovaraisia värisävyjen muutoksia Caldicott vaatimattomasti julistaa uutta esteettistä ja symbolista aikomustaan, joka perustuu ikoniseen minimalismiin, Color Field -maalauksiin ja pop-taiteen uudelleen omaksumiseen.

Richard Caldicott - Untitled 153, 2000. C-vedos. 61 x 50,8 cm.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010

Caldicottin uudempi työ merkitsee lopullista irtautumista modernistisen tyyneyden tilasta kohti dynaamisuutta ja voimaa. Chance/Fall (4), 2010 esittää päällekkäisiä ja ajelehtivia kerroksia hohtavia värejä, jotka säteilevät elinvoimaa ja intensiteettiä valaisevasta, houkuttelevasta energiasta. Sen kirkas hehku vetää katsojan puoleensa, kun se luottaa vahvasti läpinäkyvyyteen ja kylläisyyteen. Sarjan luonteeseen kuuluva toisto tekee Caldicottista 'sarjallisen asenteen' (Derek Horton) omaksujan, ja se kaikuu minimalismia, joka siirtää katsojan abstraktin valokuvauksen mietiskelevään sokkeloon.

Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. C-vedos. 127 x 101,6 cm.

Luuk De Haan - Color Field 12

Yhdistämällä historialliset valokuvaustekniikat ja nykyaikaisen digitaalisen kuvankäsittelyohjelmiston Luuk De Haan, hollantilainen kuvataiteilija, on kehittänyt oman erottuvan ilmaisunsa. De Haan luo geometrisen sommitelman käyttämällä digitaalista kuvankäsittelyohjelmaa, josta hän valokuvaa suoraan näytöltä. Hän muuttaa valokuvauksen fyysisiä olosuhteita korostaen epävarmuutta ja arvaamatonta yllätyksellisyyttä, joka paljastuu vuorovaikutuksessa digitaalisen kuvan kanssa. Uudet kuvat vangitsevat luonnollisen ja orgaanisen visuaalisen ilmaisun sekä tarkan graafisen tutkimuksen muodosta, väristä, geometriasta ja viivasta.

Color Field 12 on hämmästyttävä esimerkki huolellisesta värin tutkimisesta, jota ovat inspiroineet abstraktit ekspressionistit kuten Ellsworth Kelly, Barnett Newman ja Kenneth Noland. Tämä teos vaikuttaa olevan muutoksessa, mutta muutos pakenee tarkempaa tulkintaa ja selittävää tarkkuutta. De Haan paljastaa taitavasti minimalistisen estetiikkansa ja sommitelmansa, jotka määrittelevät itsevarmat, geometriset muodot, selkeät viivat ja sileät pinnat, jotka resonoivat eloisasti hänen visuaalisen sanastonsa kanssa. Hänen työnsä huokuu vapaata liikettä ja syvyyksien virtausta samalla kun se herättää katoavan rauhallisuuden tunteen, joka haihtuu värien ja muotojen utopistiseen tyyneyteen.

Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. UltraChrome HD -mustetta Hahnemühle-paperille. 100 x 72,5 cm.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11

De Haan osoittaa ainutlaatuista lahjakkuuttaan tässä yrityksessä muuntaa kaksiulotteiset muodot kolmiulotteisiksi kuviksi tutkiessaan kameran aiheuttamaa muodon vääristymistä ja muutosta. Hän valitsee diaesityksen kahdesta tai useammasta kuvasta, jotka hän valokuvaa yhdellä otoksella liikuttaen ja zoomaten linssiä sisään ja ulos, luoden näin kolmiulotteisen kuvan. Nämä kuvat onnistuvat vangitsemaan liikkeen, geometrian ja dynaamiset värisuhteet niiden synnyssä. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (Älä työnnä käsiä pyörivään rumpuun), varoituskyltti pyörivän koneen päällä, toimi De Haanin inspiraationa.

Luuk De Haan - Nicht in die Laufende Trommel Greifen 11, 2015. UltraChrome HD -mustetta Hahnemühle-paperille. 59,4 x 42 cm.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium)

Monipuolisesti eri taidemuotoihin ja välineisiin perehtynyt Seb Janiak viihtyy vaihdellen valokuvauksen ja videotuotannon välillä. Hänen valokuvausretkensä ulottuvat varhaisista mattateoksista uusimpiin prismojen läpi otettuihin laserkuviin. Hän ei ole uskollinen millekään koulukunnalle tai dogmalle, vaan tutkii ympäröivän maailman monimutkaisuutta. Hänen valokuvansa tunnetaan poikkeuksellisesta jännityksen ilmentymästä, joka syntyy maailman kaksinaisuuksista ja vastakohdista. Hänen työnsä kulkee villin fantasian ja tieteiskirjallisuuden kautta kohti kärsivää luontoa ja utopistista ihmisyyttä. Janiak on ranskalainen video- ja musiikkituottaja, joka on maailmanlaajuisesti arvostettu nykyanalogisen valokuvauksen edistäjänä.

Gravity liquid 04 (Medium) sisältää syvällisesti Janiakin oman metafyysisen väitteen, että muoto ei voi olla olemassa ilman ympäristöä ja että näkyvät muodot riippuvat olosuhteista, jotka sallivat niiden olemassaolon. Visuaalisesti haastamaan tätä väitettä Janiak keskittyi painovoimaan piilevänä voimana, joka muovaa maailmankaikkeuttamme. Tässä valokuvasarjassa hän tutkii painovoiman muuntavaa vaikutusta nesteisiin ja kaasuisiin aineisiin. Hän käytti valokuvausprosessia muodon jäädyttämiseen, mutta koska ympäristö on jatkuvassa muutoksessa, myös tämä prosessi on muuttuva.

Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medium), 2014. Kromogeeninen vedos. 110 x 86 cm.

Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language

Gianfranco Pezzot on italialainen abstrakti taiteilija, jota syvästi inspiroivat tavat, joilla koemme ja vaikutamme ympäristöömme. Hänen kiinnostuksensa ulottuvat syvälle monimutkaisiin vuorovaikutustapoihimme maailman kanssa, ja hänen työnsä kietoutuu yhä enemmän historian, politiikan ja talouden alueille. Näin Pezzot luo uuden nykyvalokuvauksen kielen, joka yhdistää erilaisia kuvia ja välineitä ja muodostaa monikerroksisen kuvan, joka esitetään lopullisessa muodossaan digitaalisena C-vedoksena. III.

Deceit of Language on osa hänen sarjaansa Dichotomy of a Human Brain, jossa Pezzot kaivaa syvälle aivojen rakentamiin kertomuksiin eri kuvien havaitsemisesta. Pezzot pyrkii tarjoamaan tulkinnallisen kehyksen kertomuksille, jotka vääristyvät, kun kuvia muutetaan, järjestellään uudelleen tai yhdistetään muihin kuviin. Teoksessa III. Deceit of Language hän yhdistää kukkien, rantamaiseman ja murskattujen paperiarkkien palasia kokoonpanoon, joka kutsuu lisätaiteelliseen käsittelyyn. Tämä on yksi hänen vakuuttavimmista yrityksistään tutkia valokuvauksen muuttuvaa roolia nykytaiteen välineenä.

Gianfranco Pezzot - III. Deceit of Language, 2017. Digitaalinen C-tyypin vedos Kodak Endura -valokuvapaperille. 240 x 180 cm.

Paul Snell - Intersect # 201701

Tasmanialainen taiteilija Paul Snell yhdistää perinteisiä ja digitaalisia tekniikoita laajentaen abstraktion ja minimalismin rajoja. Hänen luomisprosessinsa alkaa kohteen tai paikan tallentamisesta perinteisellä kameralla, jota seuraa digitaalinen purku. Värien ja muotojen vähentämisen ja yksinkertaistamisen jälkeen Snell kääntää prosessin uudelleen koodaten kuvan – nämä yksinkertaistetut värit ja muodot muuttuvat itseään viittaaviksi uudessa sommitelmassa, kunnes ottamisen ja tekemisen prosessi hämärtyy käsitteellisesti ja käytännöllisesti. Lopputulos esitetään hänen kromogeenisissa vedoksissaan, jotka levittävät hohtavaa, elävää painatusta metallipaperille, joka on kiinnitetty pleksilasiin. Intersect # 201701 kiteyttää Snellin erottuvan visuaalisen sanaston, jota inspiroivat modernistinen maalaus, erityisesti minimalismi ja teräväreunainen abstraktio. Hän kuvaa luomisprosessiaan etsintänä “aistilliselle ymmärrykselle fyysisestä esineestä” ja tunnustaa abstraktin maailman aineellisen olemuksen. Tämä valokuva ilmentää hänen ihastustaan värisuhteisiin ja tilallisiin todellisuuksiin – niiden dynaamisiin suhteisiin, eloiseen ja yllättävään vuorovaikutukseen. Hänen työnsä sisältää vakuuttavan mietiskelevän näkemyksen, joka rajautuu metafyysiseen maailmaan.

Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Kromogeeninen vedos, pleksilasiin kiinnitetty 4,5 mm. 118 x 118 cm.

Paul Snell - Hover # 201909

Snellin uusin ja syvästi lumoava työ käyttää rytmikkäitä, harmonisia visuaalisia rakenteita, jotka siirtävät katsojan puhtaan ajatuksen kaukaisiin syvyyksiin. Hän luo visuaalisia vihjeitä, jotka muuttavat pohdinnan aidosti mietiskeleväksi tilaksi. Hover # 201909 paljastaa Snellin värisuhteiden dynaamisuuden, joka syntyy hänen sommitelmiensa arkkitehtonisten piirteiden ja hänen eloisten, hohtavien pintojensa yhdistelmästä. Metasemantiikan ja esityksen puuttuminen vetää katsojan alkuperäisen ja sävyllisen esteettisen aineksen keskelle. Tässä alkuperäisessä kokemuksessa katsoja uppoutuu väriin, rytmiin ja tilaan, jotka avaavat tulkinnallisen pohdinnan polun ja näin puhtaan ylittymisen tien.

Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Kromogeeninen vedos, mattapintainen 3 mm pleksilasiin kiinnitetty. 80 x 80 cm.

Tenesh Webber - Boxy

Tenesh Webber, kanadalainen taiteilija, on laajalti arvostettu rohkeista yrityksistään luoda erottuva risteys valokuvauksen ja veistoksen välille. Hän luo taitavasti kaksiulotteisia esineitä kerrostamalla ja leikkaamalla ompelulankaa tai toistuvaa viivapiirrosta pleksilasin päälle. Näitä esineitä käytetään luomaan kamerattomia valokuvakuvia, jotka vangitsevat käden liikkeen aiheuttaman arvaamattomuuden ja epävarmuuden elementin. Viimeisimmissä töissään hän sukeltaa syvälle valokuvauksen piilevään luonteeseen välineenä ja jatkaa pohdintaa negatiivisen ja positiivisen tilan, liikkeen ja täydellisen liikkumattomuuden havainnoinnista.

Boxy on esimerkki Webberin ikonista tutkimuksesta perinteisen mustavalkoisen valokuvauksen haasteista ja tavoista. Hän päätyy luomaan rytmikkään, intuitiivisen sommitelman, joka vangitsee sekä jännitteen että tasapainon orgaanisen ja suoraviivaisen välillä. Boxyn hienostunut sommitelma huokuu ristiriitaisia makro- ja mikronäkymiä luonnosta ja niiden suhdetta ihmiseen.

Tenesh Webber - Boxy, 2005. Mustavalkoinen valokuva. 50,8 x 50,8 cm.

Kuvassa: Richard Caldicott - Untitled 153, installaationäkymä.
Jovana Vuković