Artikkeli: Syntetinen kubismi selitetty - Tasot, muodot ja näkökulmat
Syntetinen kubismi selitetty - Tasot, muodot ja näkökulmat
Kubismin isä Pablo Picasso tunnettiin innostuksestaan kehittyä. Keksittyään analyyttisen kubismin vuonna 1907 hän olisi helposti voinut jatkaa maalaamista samalla tyylillä vuosikymmenten ajan ja tulla silti rikkaaksi ja kuuluisaksi. Sen sijaan hän jatkoi kokeilujaan ja auttoi vuonna 1911 keksimään sen, mikä tuli tunnetuksi synteettisenä kubismina, lisäämällä analyyttiseen kubismiin laajemman väripaletin, uusia tekstuureja, yksinkertaisempia muotoja ja uusia materiaaleja sekä yksinkertaistamalla näkökulman ja tason käyttöä. Keksimisestään noin vuoteen 1920 asti synteettistä kubismia pidettiin avantgarden huippuna. Se laajensi tapoja, joilla maalarit saattoivat tutkia todellisuutta, ja vaikutti dadaistien, surrealistien ja jopa poptaiteen nousuun.
Synteettinen kubismi 200 sanalla
Synteettinen kubismi syntyi irtautumisena juuri näistä tekniikoista yrityksenä luoda jotain vielä todellisempaa. Picasso, Braque ja taidemaalari Juan Gris palauttivat teoksiinsa elävän värien kirjon, toivat syvyyden uudelleen esiin ja vähensivät kuvastonsa samanaikaisten näkökulmien ja tasojen määrää. Kaikkein tärkeintä oli, että antaakseen maalauksilleen lopullisen todellisuudentunnun he alkoivat lisätä teoksiinsa paperia, kangasta, sanomalehtipaperia, tekstiä ja jopa hiekkaa ja likaa pyrkien tuomaan aiheensa olemuksen kokonaisuudessaan esiin.
Pablo Picasso - Still Life with Chair Caning, 1912, öljy öljykankaalle köydellä reunustetulle kankaalle
Musée National Picasso, Pariisi, © Artists Rights Society (ARS), New York
Uudet materiaalit ja tekniikat
Vuonna 1912 Picasso loi teoksen, jota pidetään ensimmäisenä kollaasin esimerkkinä ja synteettisen kubismin määrittelevänä esimerkkinä: Still Life with Chair-Caning. Teos on kubistinen esitys kahvilan pöydästä, jolla on valikoima ruoka-aineita, sanomalehti ja juoma. Perinteisten materiaalien lisäksi Picasso lisäsi maalauksen pinnalle osan kahvilatuoleissa perinteisesti käytetystä koripunoksesta. Tällä näennäisen vähäpätöisellä lisäyksellä oli valtavat seuraukset modernille taiteelle. Tuolin maalaamisen sijaan osa tuolista asetettiin todellisuudessa maalauksen päälle. Sen sijaan että jokin olisi esitetty useista näkökulmista todentuntuisuuden saavuttamiseksi, Picasso asetti itse esineen tai ainakin osan siitä suoraan teokseen.
Picasso lisäsi tähän teokseen myös tekstiä kirjoittamalla pinnan poikki kirjaimet ”JOU”. Sana ”Jou” voidaan ranskasta kääntää kirjaimellisesti sanaksi ”peli”, mikä on vahvistanut monien käsitystä siitä, että Picasso halusi synteettisen kubismin palauttavan taiteeseen ripauksen keveyttä analyyttisen kubismin akateemisen vakavuuden jälkeen. ”JOU” saattoi kuitenkin yhtä hyvin olla tarkoitettu ranskankielisen päivälehteä tarkoittavan termin, journal, alkuosaksi eli viittaukseksi kuvassa näkyvään sanomalehden katkelmaan.
Vaikka Picasso saavutti ensimmäisenä mainitun tuolinpunoksen lisäämisellä teokseensa, hän ei ollut ensimmäinen kubisti, joka lisäsi tekstiä maalaukseen. Georges Braque oli vuonna 1911 luonut teoksen nimeltä Portugalilainen, joka oli ensimmäinen kubistinen teos, jossa käytettiin kirjaimia. Sekä Picasson ensimmäisessä kollaasissa että Braquen ensimmäisessä tekstiä sisältävässä teoksessa näkyy irtautuminen joidenkin heidän myöhempien analyyttisten kubististen teostensa vakavasta ja ylikompleksisesta luonteesta. Näiden teosten kuvastossa on leikittelevää yksinkertaisuutta. Perspektiivit pelkistyvät ja kuvat muuttuvat lähes leikkisiksi, samoin kuin mainoskuvien antropomorfiset hahmot.
Georges Braque - Portugalilainen, 1911, öljy kankaalle, Musée National Picasso, Pariisi
© Artists Rights Society (ARS), New York
Vuonna 1912 Braque uudisti taiteen rajoja vielä ainakin kahdesti. Tuona vuonna hänestä tuli ensimmäinen kubistimaalari, joka lisäsi maalaukseen hiekkaa tuodakseen teokseen tekstuurin ja syvyyden tasoja, ja hänestä tuli myös ensimmäinen, joka käytti papier collé -tekniikkaa, jossa leikattuja paperinpaloja liimataan pinnalle. Molempia tekniikoita käytettiin hänen teoksessaan Hedelmäastia ja lasi. Tässä maalauksessa hän kiinnitti leikattuja tapettipaloja suoraan pinnalle ja varjosti teosta sitten hiekkaa sisältävällä maalilla, mikä lisäsi kuvaan syvyyttä ja tekstuuria.
Braque sisällytti tähän teokseen myös tekstiä käyttäen selkeästi erottuvia ja helposti luettavia sanoja ”Ale” ja ”Bar”. Nämä sanat kyseenalaistavat mainoskuvaston ja niin sanotun korkeataiteen toisistaan erottavat rajat. Kaikkien näiden kolmen tekniikan yhdistelmä osoittautui myöhemmin merkittäväksi vaikutteeksi dadaisteille, jotka hyödynsivät voimakkaasti kollaasia ja tekstiä sekoittaakseen ja hämärtääkseen teostensa ilmeisiä merkityksiä sekä haastaakseen porvarilliset käsitykset taiteesta.
Georges Braque - Hedelmäastia ja lasi, 1912, 62.9 × 45.7 cm
© Artists Rights Society (ARS), New York
Tasot, muodot, näkökulmat ja värit
Eloisien värien tuomisesta synteettiseen kubismiin vastasi ennen kaikkea espanjalainen kubistimaalari Juan Gris. Gris hyödynsi myös huomattavasti pelkistetympää visuaalista kieltä, joka havainnollistaa erinomaisesti synteettiselle kubismille ominaisia vähäisempää näkökulmien määrää sekä pelkistettyä muotojen ja tasojen käyttöä. Gris’n teoksessa Newspaper and Fruit Dish näemme kaikki nämä elementit toiminnassa. Samassa maalauksessa näemme myös monia syitä siihen, miksi synteettinen kubismi nähdään usein poptaiteen edeltäjänä.
Synteettisen kubismin taiteilijat eivät ainoastaan leikittelleet hämärtyvällä rajalla matalan ja korkean taiteen sekä taiteen ja mainonnan välillä. Tämä maalaus tuo hämmästyttävällä tavalla mieleen myös Roy Lichtensteinin Ben-Day-pisteet, ja näyttää lähes identtisesti ennakoivan Robert Rauschenbergin teoksen Buffalo II toistoa, kuvien sijoittelua ja väripalettia.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, öljy ja silkkipainomuste kankaalle.
© Robert Rauschenberg Foundation / Artists Right Society (ARS), New York
Aiemmissa analyyttisen kubismin maalauksissa oli yhdistetty niin monia erilaisia näkökulmia, että kuvien monimutkaisuutta oli lähes mahdotonta selvittää. Niiden aihe näytti pelkistyneen niin pitkälle, ettei sitä voinut enää tunnistaa: kukin näkökulma esitettiin erillisinä geometrisina muotoina omalla tasollaan, ja kukin taso vaikutti olevan pinottu muiden päälle ja sitten jälleen litistetty. Analyyttisen kubismin maalauksissa käytetyt geometriset muodot vaikuttivat toisinaan lähes läpinäkyviltä. Ne maalattiin tavalla, joka ilmaisi nopeutta, värähtelyä ja liikettä. Ne edustivat eri vuorokaudenaikoja, erilaista valaistusta ja erilaisia näkökulmia.
Juan Gris - Newspaper and Fruit Dish, 1916, öljy kankaalle
Solomon R. Guggenheim -museo, New York
Tuomalla jälleen eloisan väripaletin kubistisiin kuviin Juan Gris antoi tyylille leikkisyyttä ja innostavuutta, joita aiemmista kubistisista teoksista puuttui. Gris’n pelkistetty visuaalinen sanasto puolestaan osoitti, että kubismi saattoi saavuttaa tavoitteensa suoraviivaisella, yksinkertaistetulla ja esteettisesti miellyttävällä tavalla. Gris’n maalauksessa The Violin, hän käyttää ehdottoman vähimmäismäärän näkökulmia, muotoja ja tasoja, jotta teosta voidaan edelleen pitää kubistisena. Lopputulos vaikuttaa pikemminkin esimerkiltä kubismin vihjauksesta kuin sen tiukasta määritelmästä.
Juan Gris - Viulu, 1916, Öljy kolmikerroksiselle levylle
Kunstmuseum, Basel
Synteettinen: toinen sana sanalle keinotekoinen?
Lisäämällä maalauksiinsa kirjoitusta ja palasia arkisista esineistä Picasso, Braque ja Gris pyrkivät yhdistämään teoksensa kohteet laajempaan todellisuuden tuntuun. Mutta lisäämällä keinotekoisia elementtejä teoksiinsa he loivat samalla jotakin ilmiselvän epätodellista, joka poikkesi kaikista aiemmista kubistisista taideteoksista. Joskus he maalasivat jopa muotoja, jotka näyttivät kollaasilta, yhdistäen samaan teokseen jäljiteltyjä ja todellisia kollaasielementtejä. Tätä uutta tyyliä kutsuttiin synteettiseksi kubismiksi juuri tästä syystä: käytettyjen tekniikoiden keinotekoisen luonteen vuoksi suhteessa sitä edeltäneen kubistisen työskentelyn vakavuuteen.
Synteettinen kubismi oli symbolisempaa kuin analyyttinen kubismi. Se ei pyrkinyt saavuttamaan neljänulotteisen todellisuuden terävöitynyttä näkymää. Sen sijaan se pyrki vihjaamaan todellisuuteen, mutta vääristyneellä tavalla. Tämä muutos vaikutti merkittävästi surrealismia ympäröiviin teorioihin ja tutkimuksiin.
Synteettinen kubismi kyseenalaisti myös maalauksen ja kuvanveiston väliset erot. Sen sijaan, että kuva olisi hajotettu osiin ja koottu sitten uudelleen useista eri näkökulmista, synteettinen kubismi kokosi kuvan rakentamalla sitä tasaisesta pinnasta monikerroksiseksi esineeksi, ikään kuin kolmiulotteiseksi esineeksi, joka lepää kaksiulotteisella pinnalla. Kaikilla näillä tavoilla synteettinen kubismi lähestyi saavutuksiaan selkeän ja harkitun paradoksin kautta: tekemällä teoksia, jotka olivat yhä keinotekoisempia, he saavuttivat jotakin yhä todellisempaa.
Väri, kollaasi ja rakennettu tila nykytaiteessa
Synteettinen kubismi tarjoaa myös tavan tarkastella nykytaiteen abstraktiota. Maalauksen ei tarvitse esittää kitaraa tai kahvilan pöytää herättääkseen kysymyksiä sommitelluista muodoista, toistensa päälle asettuvista tasoista ja kuvan suhteesta pintaansa. Seuraavat taiteilijat lähestyvät näitä kysymyksiä eri tavoin. Heidän teoksensa eivät ole historiallista synteettistä kubismia edustavia esimerkkejä, mutta ne kutsuvat vertailemaan niitä kubismin rakennetta ja väriä koskeviin kokeiluihin.
Jeremy Annear: Kerrostetut tasot ja kuvallinen tila
Jeremy Annear rakentaa maalauksensa muotojen, värin ja maalin kerroksista, ja hänen teoksillaan on tunnustettuja yhtymäkohtia Braqueen ja Picassoon sekä St Ivesin taiteilijoihin. Teoksessa Metrographic II No.8 kulmikas valkoinen taso keskeyttää maanläheisen kentän, kun taas mustat kehykset, punaiset kaaret ja tekstuurilaikut luovat keskenään kilpailevia tilallisia suhteita. Katse liikkuu muotojen näennäisen kiinteyden ja piirrettyjen viivojen avoimuuden välillä. Braquen pinnan ja rakenteen vuorovaikutuksesta kiinnostuneelle tämä tarjoaa nykytaiteellisen vertailukohdan toisintamatta kubistista aiheistoa.
Dana Gordon: Värimuotoja suuremman kokonaisuuden sisällä
Dana Gordonin kaleidoskooppisia sommitelmia on kuvattu suhteessa orfiseen kubismiin, joka on selkeä vertailukohta eikä synonyymi synteettiselle kubismille. Hänen teoksensa tarjoaa toisen tien tässä käsiteltyyn värin ja rakennetun muodon tuottamaan nautintoon. Teoksessa New Space yksiväriset neliöt rytmittävät maalattujen spiraalimotiivien tiheää ruudukkoa. Nämä rauhallisemmat muodot näyttävät leijuvan vilkkaan pinnan yllä ja luovat jännitteen yksittäisten muotojen ja koko sommitelman välille. Gordon ajattelee vierekkäisiä muotoja ja ryhmiä pieninä maalauksina suuremman maalauksen sisällä – ajatus palkitsee sekä läheltä että etäältä tarkastelevan katseen.
Anne Katrine Senstad: Kollaasi skannatuista värinegatiiveista
Anne Katrine Senstadin Cosmosis Collages -sarjassa rakentaminen saa valokuvallisen muodon. Kuten taiteilija kertoo, hänen lähdenegatiivinsa skannattiin ja koottiin sitten kollaaseiksi – niitä ei valokuvattu. Ne ovat peräisin hänen varhaisista abstrakteista värikenttävalokuvateoksistaan The Pink Project (2004–2007). Teoksessa Composition no 2C4 Blue ohuet vaaleanpunaiset, persikanväriset ja keltaiset palkit risteilevät syvänsinisellä kentällä, kun taas läpikuultavat suorakulmaiset tasot vihjaavat pinnan alla oleviin kerroksiin. Sommittelun tilalliset suhteet syntyvät väristä ja sommittelusta, eivät kuvatusta kohteesta. Toisin kuin Braquen liimattu paperi, nämä elementit on koottu skannatun valokuvaprosessin avulla. Dokumentoitujen suprematististen ja konstruktivististen vaikutteidensa ansiosta sarja tarjoaa nykytaiteellisen vertailukohdan kollaasin kyvylle synnyttää kuva erillisten elementtien välisten suhteiden kautta.
Nykyabstraktion keräily: materiaalit, hinta ja konteksti
Näitä vertailuja pohtimalla hankintaa harkitseva voi selkiyttää omaa makuaan. Viehättääkö sinua teksturoitu pinta, värien rytmikäs sommittelu vai päällekkäisten tasojen illuusio? Tämän mieltymyksen tunnistaminen on hyödyllisempi lähtökohta kuin nykyteoksen etsiminen vain siksi, että se muistuttaa kuuluisaa historiallista maalausta.
Mitä ennen ostamista kannattaa tarkastella?
Aloita yksittäisestä teoksesta: sen materiaaleista, mitoista, kunnosta ja dokumentaatiosta. Selvitä, miten se sijoittuu taiteilijan laajempaan tuotantoon, ja tutustu näyttelyhistoriaan sekä teoksen esittelyä tukeviin kokoelmatietoihin. Pyydä kerroksellisista maalauksista tai sekatekniikkateoksista lähikuvia ja tietoja pinnan rakenteesta. Senstadin valokuvavedoksen, kuten valikoidun Cosmosis-teoksen, kohdalla teos on saatavilla kuuden kappaleen painoksena sekä kahtena taiteilijan vedoksena; selvitä vedossarjan tiedot, painatusmääritykset ja mukana toimitettava dokumentaatio. Valokuvakollaasi ja ainutkertainen maalaus voivat käsitellä samoja visuaalisia aiheita, vaikka ne ovat omistettavina hyvin erilaisia esineitä.
Miten hintaa ja markkina-arvoa tulisi tarkastella?
Historiallinen merkitys, visuaalinen yhtäläisyys ja markkina-arvo ovat eri asioita. Nykytaiteilijan suhde kubistisiin ajatuksiin ei sijoita hänen teostaan samoille markkinoille kuin alkuperäinen Picasson, Braquen tai Grisin teos. Hintoja vertaillessasi etsi aidosti vertailukelpoisia saman taiteilijan teoksia ja ota huomioon tekniikka, koko, ajankohta sekä se, onko teos ainutkertainen vai vedos. Pyyntihinta ei ole sama kuin toteutunut myyntihinta, eikä rajoitettu painos itsessään takaa tulevaa kysyntää. Näyttelyhistoria ja kriittinen tunnustus tarjoavat kontekstia, eivät lupausta arvonnoususta tai helposta jälleenmyynnistä.
Mitä teoksen kanssa eläminen tarkoittaa?
Ota ostohinnan lisäksi huomioon kehystys, toimitus, vakuutus ja mahdollinen asiantuntijan suorittama asennus. Pyydä teoksen materiaaleihin sopivat hoito-ohjeet erityisesti valokuvapintojen ja kerroksellisten rakenteiden osalta ja mieti, millaisessa valossa ja tilassa teos tullaan esittelemään. Palkitsevin yhteys taidehistoriaan voi lopulta olla henkilökohtainen: ymmärtää, miksi teos kiinnittää huomiosi, ja huomata, miten sen väri, rakenne ja pinta muuttuvat edelleen toistuvan katselun myötä.
Pääkuva: Pablo Picasso - Kolme muusikkoa, 1921 (yksityiskohta), ©Artists Rights Society (ARS), New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistamista varten
Phillip Barcion kirjoittama (2016)
IdeelArtin toimituksen muokkaama (2026)
Aiheeseen liittyvät teokset
