Nämä taiteilijat jatkavat 3D-tulostetun taiteen uudelleenmäärittelyä

Kuulin kerran vitsin taideavauksessa, jossa esiteltiin 3D-tulostettua taidetta. Se meni jotenkin näin: "Mistä tiedät, että katsot 3D-tulostettua taidetta?" Vastaus: "Koska kaikki kertovat siitä." Se sai minut nauramaan ensinnäkin siksi, että se on totta, ihmiset ovat niin innoissaan tästä välineestä, etteivät he voi vastustaa siitä puhumista. Ja toiseksi nauroin, koska lähes kaikissa näkemissäni 3D-tulostetuissa taideteoksissa se, että ne oli tehty 3D-tulostimella, vaikutti minusta olevan merkityksetöntä. Mikään näistä teoksista ei tuntunut vaativan teknologiaa. Kaikki olisi voitu tehdä jollain muulla tavalla. Tämä herättää kysymyksen: Mistä kaikki puhuvat? 3D-tulostimet ovat vain työkaluja, eivät luonteeltaan erilaisia kuin esimerkiksi projektorit. En ole koskaan nähnyt, että joku kävelisi luokseni galleriassa, osoittaisi piirustusta ja sanoisi: "Se on tehty projektorilla." Mutta toisaalta, en ole koskaan kuullut kenenkään sanovan: "Se on tehty täysin avustajien toimesta, kun taiteilija oli lomalla." Pisteenä on, ettei sillä ole väliä. Kun taideidean muodostaminen on tapahtunut ja askeleet sen toteuttamiseksi on otettu, ei ole väliä, onko itse työ toteutettu tällä koneella tai tuolla koneella, tai tällä parilla käsiä tai tuolla parilla käsiä. Se, että 3D-tulostinta on käytetty taiteen tekemiseen, ei millään tavalla validoi teosta – se on vain yksi osa kokemusta, ja yleensä se on vähiten tärkeä osa. Tämä on ainakin minun mielipiteeni. Joten kun minulta kysyttiin, haluaisinko kirjoittaa taiteilijoista, jotka määrittelevät 3D-tulostettua taidetta uudelleen, otin näkökulman, että minun tulisi esitellä taiteilijoita, joilla on mielenkiintoisia ideoita ja jotka tekevät teoksia, joista haluaisin puhua riippumatta siitä, miten teos on tehty. Joten tämän varauksen myötä, tässä on seitsemän taiteilijaa, jotka käyttävät 3D-tulostusteknologiaa teostensa tekemiseen ja jotka ideoidensa voimalla määrittelevät tämän uuden työkalun paikkaa nykyaikaisessa estetiikassa.

Rirkrit Tiravanija

Jos olet koskaan kuullut termiä Relational Aesthetics tai Relational Art, olet todennäköisesti kuullut thaimaalaisesta taiteilijasta Rirkrit Tiravanijasta. Hänen työnsä oli olennaista tämän tyyppisen taidekokemuksen suosion nousussa 1990-luvulla. Hänen kuuluisin relaatio-taidenäyttelynsä oli nimeltään pad thai. Näyttelyssä, joka pidettiin Paula Allen Galleryssa New Yorkissa vuonna 1990, taiteilija ei luonut tai esittänyt teoksia, vaan kokkasi pad thaita tilassa ja tarjoili sitä gallerian vierailijoille. Näyttely auttoi määrittelemään relaatioestetiikkaa tutkimuksena ajatuksesta, että taiteilijat eivät ole niinkään tekijöitä, vaan kokemusten mahdollistajia. Niistä kokemuksista syntyvät inhimilliset suhteet ovat kaikkein tärkeimpiä.

Viime aikoina Tiravanija on saanut huomiota immersiivisestä installaatiostaan Art Basel Hong Kong 2017 -tapahtumassa, joka kyseenalaisti taiteen ja taidehistorian roolin ihmiskokemuksessa. Teos oli käytännössä valtava labyrintti, joka oli rakennettu perinteisesti sidotusta bambusta. Vieraat astuivat labyrinttiin, ja etsiessään tietään sen sisällä he kohtasivat vähitellen viisi 3D-tulostettua bonsai-puuta, joista jokainen oli asetettu puupedestaalille, joka oli saanut inspiraationsa taiteilijan Constantin BrâncuÈ™i aikaisemmin luomista veistoksellisista perustuksista. Se, että bonsai-puut on 3D-tulostettu, ei ole tärkein asia. Tärkeää on se, että ne ovat keinotekoisia. Bonsai-puun tarkoitus on, että se on luonnollinen asia, johon ihmiskädet ovat puuttuneet siten, että ihmisen puuttuminen on tunnistamatonta. Tässä tapauksessa puiden keinotekoisuus yhdistettynä labyrintista inspiroituneisiin herättäviin käsityksiin, kaikki sekoitettuna taidehistoriallisiin viittauksiin, toimii yhdessä antaakseen katsojille abstraktin, avoimen kokemuksen, joka vaatii sosiaalista vuorovaikutusta ymmärtääkseen sen mahdollisia merkitystasoja.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Ages Somers

Sana vanitas tulee latinasta ja tarkoittaa tyhjyyttä. Sitä käytettiin Alankomaissa 1500- ja 1600-luvuilla nimityksenä eräälle still life -maalauksen tyypille. Vanitas-maalaukset ovat periaatteessa still life -maalauksia, jotka esittävät kokoelmia banaaleista, materiaalisista esineistä, yleensä yhdessä ihmisten kallojen kanssa, havainnollistaen maallisten asioiden tavoittelun merkityksettömyyttä. Hollantilainen taiteilija ja suunnittelija Wieki Somers käytti Vanitas-maalausten visuaalista kieltä sarjassa 3D-tulostettuja taideteoksia, jotka hän loi vuonna 2010 vastauksena suunnittelukilpailuun, jossa pyydettiin suunnittelijoita "ajattelemaan edistyksen käsitettä." Sarjan, jonka nimi on Consume or Conserve, koostui kolmesta still life -veistostaulusta. Jokainen taulu koostui banaaleista, jokapäiväisistä tuotteista, kuten vaa'asta, imurista ja leivänpaahdosta, jotka oli täysin 3D-tulostettu ihmisten jäännöksistä tehdyistä tuhkista.

Selityksessään työstä Somers huomautti, että ihmisteknologia on edistynyt siihen pisteeseen, että voimme pian kohdata ikuisen elämän mahdollisuuden. "Mutta," hän kysyi, "mikä on ikuisen elämän tarkoitus, jos käytämme sitä vain jatkaaksemme pelkkinä kuluttajina, jotka pyrkivät yhä enemmän ja enemmän tuotteisiin, riippumatta seurauksista? Jatkamme tällä kritisoimattoman innovaation tiellä, ja eräänä päivänä saatamme löytää itsemme muuttuneina niiksi tuotteiksi, joita kokoamme." Hän seurasi tätä käsitettä sen loogiseen päätelmään, luoden kirjaimellisesti tuotteita kerran arvokkaiden ihmishenkien jäännöksistä.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

New Yorkissa toimiva taiteilija Stephanie Lempert tekee teoksia viestinnästä. Hän toivoo kiinnittävänsä huomiomme kieleen ja tapoihin, joilla käytämme sitä kertoaksemme tarinoitamme, historiamme ja muistojamme luodaksemme merkitystä elämällemme. Moniulotteisena taiteilijana Lempert käyttää erilaisia medioita. Yksi hänen tiiviimmistä teossarjoistaan on nimeltään Reconstructed Reliquaries, jonka puitteissa hän loi veistoksellisia reliikkejä, jotka on kirjaimellisesti rakennettu kielestä. Nämä esineet puhuvat puolestaan useilla tasoilla. Lempert loi ne 3D-tulostusohjelmiston avulla. Hän kuitenkin mieluummin käyttää alan standardia, mutta vähemmän huomiota herättävää terminologiaa, rapid prototype sculpture.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Hollantilainen taiteilija Theo Jansen tuli tunnetuksi 1990-luvulla, kun hän alkoi luoda Strandbeestejä, valtavia, kinetiisiä olentoja, jotka näyttävät kävelevän itsestään. Ne ovat, kuten hän niitä kutsuu, "itsestään liikkuvia rannalla eläviä eläimiä." Olet ehkä nähnyt kuvamateriaalia niistä, kun ne ryömivät runollisesti ympäri maailmaa sijaitsevilla rannoilla. Osittain suunnittelija, osittain insinööri ja osittain taiteilija, Jansen on kerran sanonut: "Taiteen ja insinööritaidon väliset seinät ovat olemassa vain mielissämme." Normaalisti hänen suuret luomuksensa on valmistettu PVC-putkista. Mutta äskettäin hän on alkanut tehdä luomuksensa saataville lähes kaikille tarjoamalla pienoismalleja, 3D-tulostettuja Strandbeesteja, myyntiin vain 160,00 eurolla. Ihmeellisesti kuka tahansa, joka saa käsiinsä suunnitelmat, voi saada yhden tulostettua. Kuten hänen verkkosivustollaan todetaan: "Theo Jansenin Strandbeestit ovat löytäneet tavan lisääntyä ruiskuttamalla digitaalista DNA:ta suoraan 3D-tulostusjärjestelmiin."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Belgialaisen taiteilijan Nick Ervinckin työ huutaa eloisilla väreillä ja jännittävillä muodoilla, ilmentäen käsitystä siitä, että jollain tavalla tilaavievä esine voi myös luoda tilaa. Hänen veistoksensa ovat kaikenkokoisia, miniatyyreistä monumentaalisiin julkisiin teoksiin. Suunnittelemalla omia 3D-tulostustyökalujaan ja -tekniikoitaan hän työntää tämän työkalun rajoja, käyttäen sitä ei vain päämääränä sinänsä, vaan omaperäisenä menetelmänä henkilökohtaisten visionääristen luomustensa toteuttamiseen.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Brooklynilainen taiteilija Shane Hope käyttää 3D-tulostettuja solurakenteita yhtenä elementtinä abstrakteissa maalauksissaan. Kaukaa katsottuna ne näyttävät olevan maalauksellisia teoksia, jotka on pinottu korkealle impasto-maalipinnoilla, mutta lähempää tarkasteltaessa paljastuvat koottujen nano-rakenteiden pinot. Se, että tämä elementti on 3D-tulostettu, ei ole ilmeistä eikä välttämätöntä teosten arvostamiselle, mutta teknologian vaikutusten pohtiminen lisää kerroksia niiden mahdolliseen merkitykseen.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Tšekkiläisen taiteilijan Monika Horcicovan työ on kummittelevaa ja kaunista. Hän palaa ihmisluiden ja luustorakenteiden teemoihin, luoden sävellyksiä, jotka haastavat käsityksemme omasta tarkoituksestamme ja potentiaalistamme. Vaikka hän ei työskentele pelkästään tässä mediassa, hän käyttää usein 3D-tulostusteknologiaa luodakseen kipsikomposiittiveistoksiaan.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Esittelykuva: Rirkrit Tiravanija - Untitled 2013 (indeksivarjo nro 1), 2013-2017. Ruostumattomasta teräksestä valmistettu jalusta (3 x paneelia), 3D-tulostettu muovi (bonsaipuu), ruostumattomasta teräksestä valmistettu kuutio (jalusta). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 tuumaa, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija ja Pilar Corrias -galleria, Lontoo
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park