Nämä taiteilijat jatkavat 3D-tulostetun taiteen uudelleenmäärittelyä

Kuulin kerran vitsin taidenäyttelyn avajaisissa, joissa esiteltiin 3D-tulostettua taidetta. Se meni jotakuinkin näin: ”Mistä tiedät, että katsot 3D-tulostettua taideteosta?” Vastaus: ”Koska kaikki kertovat sen sinulle.” Se sai minut nauramaan ensinnäkin siksi, että se on totta; ihmiset ovat niin innoissaan tästä tekniikasta, etteivät voi olla puhumatta siitä. Toiseksi nauroin, koska melkein jokaisessa näkemässäni 3D-tulostetussa taideteoksessa se, että teos oli tehty 3D-tulostimella, tuntui minusta merkityksettömältä. Mikään näissä teoksissa ei tuntunut vaativan tätä teknologiaa. Ne olisi voitu tehdä jollain muulla tavalla. Tämä herättää kysymyksen: mistä kaikki oikein puhuvat? 3D-tulostimet ovat vain työkaluja, eivätkä luonnoltaan eroa esimerkiksi heittimistä. Minulle ei ole koskaan tullut kukaan näyttelyssä osoittamaan piirrosta ja sanomaan: ”Tuo on tehty heittimellä.” Mutta toisaalta, minulle ei ole koskaan kukaan sanonut: ”Tuo on tehty kokonaan avustajien toimesta, kun taiteilija oli lomalla.” Pointti on, että sillä ei ole merkitystä. Kun taideteoksen idea on muodostunut ja sen toteuttamiseksi on ryhdytty toimiin, ei ole väliä, tekeekö työn tämä kone tai tuo kone, tämä käsi tai tuo käsi. Se, että 3D-tulostinta on käytetty taiteen tekemiseen, ei millään tavalla vahvista teosta – se on vain yksi osa kokemusta, ja yleensä vähiten tärkeä osa. Tämä on ainakin minun mielipiteeni. Joten kun minua pyydettiin kirjoittamaan taiteilijoista, jotka määrittelevät 3D-tulostettua taidetta uudelleen, otin näkökulman, että esittelen taiteilijoita, joilla on kiinnostavia ajatuksia ja jotka tekevät teoksia, joista haluan puhua riippumatta siitä, miten teokset tehdään. Tämän varoituksen jälkeen tässä on seitsemän taiteilijaa, jotka käyttävät 3D-tulostustekniikkaa teostensa tekemiseen ja jotka ideoidensa voimalla uudelleen määrittelevät tämän uuden työkalun asemaa nykytaiteen estetiikassa.

Rirkrit Tiravanija

Jos olet koskaan kuullut termin Relational Aesthetics eli Suhteellinen estetiikka tai Relational Art eli Suhteellinen taide, olet todennäköisesti kuullut myös thaimaalaisesta taiteilijasta Rirkrit Tiravanijasta. Hänen työnsä oli keskeinen tämän taidekokemuksen suosion nousussa 1990-luvulla. Hänen kuuluisin suhteellinen taidenäyttelynsä oli nimeltään pad thai. Näyttelyssä, joka pidettiin Paula Allen -galleriassa New Yorkissa vuonna 1990, taiteilija ei luonut tai esitellyt teoksia, vaan valmisti pad thaia tilassa ja tarjosi sitä galleriavieraille. Näyttely auttoi määrittelemään suhteellista estetiikkaa tutkimuksena siitä ajatuksesta, että taiteilijat eivät ole niinkään tekijöitä vaan kokemusten mahdollistajia. Tärkeintä ovat ihmisten väliset suhteet, jotka syntyvät näiden kokemusten kautta.

Viime aikoina Tiravanija on saanut huomiota immersiivisellä installaatiollaan Art Basel Hong Kongissa 2017, joka kyseenalaisti taiteen ja taidehistorian roolin ihmiskokemuksessa. Teos oli käytännössä jättimäinen labyrintti, joka oli rakennettu perinteisesti sidotusta bambusta. Vierailijat astuivat labyrinttiin ja löytäessään tiensä sen sisällä he kohtasivat vähitellen viisi 3D-tulostettua bonsaipuuta, jokainen asetettuna puiselle jalustalle, joka oli saanut vaikutteita taiteilija Constantin Brâncușin veistoksellisista jaloista. Se, että bonsaipuut ovat 3D-tulostettuja, ei ole tärkein asia. Tärkeää on se, että ne ovat keinotekoisia. Bonsain idea on, että se on luonnollinen asia, johon ihmiskädet ovat puuttuneet niin, että ihmisen vaikutus on tunnistamaton. Tässä tapauksessa puiden keinotekoisuus yhdistettynä labyrintin herättämiin mielikuviin ja taidehistoriallisiin viitteisiin luo katsojille abstraktin, avoimen kokemuksen, joka vaatii sosiaalista vuorovaikutusta ymmärtääkseen sen mahdolliset merkitystason kerrokset.

Rirkrit Tiravanija - Nimetön 2017 (ei vettä ei tulta), 2017. 3D-tulostettu bonsaipuu puisella jalustalla. © Rirkrit Tiravanija, Neugerriemschneider-gallerian luvalla, Berliini

Wieki Somers

Sana vanitas tulee latinasta ja tarkoittaa tyhjyyttä. Sitä käytettiin Alankomaissa 1500- ja 1600-luvuilla eräänlaisen asetelman nimenä. Vanitas-maalaukset ovat käytännössä asetelmia, joissa on kokoelmia arkisista, merkityksettömistä esineistä, usein ihmisen kallojen kanssa, kuvaten maallisten asioiden tavoittelun turhuutta. Alankomaalainen taiteilija ja suunnittelija Wieki Somers käytti Vanitas-maalausten visuaalista kieltä sarjassa 3D-tulostettuja teoksia, jotka hän loi vuonna 2010 vastauksena suunnittelukilpailuun, jossa pyydettiin suunnittelijoita ”pohtimaan edistymisen käsitettä.” Sarjan nimi oli Consume or Conserve (Kuluta vai säästä), ja se sisälsi kolme asetelmaa. Jokainen asetelma koostui arkisista tuotteista, kuten vaa’asta, imurista ja leivänpaahtimesta, jotka oli kokonaan 3D-tulostettu ihmisten jäänteiden tuhkasta.

Teoksen selityksessään Somers totesi, että ihmisteknologia on kehittynyt siihen pisteeseen, että kohta saatamme kohdata ikuisen elämän mahdollisuuden. ”Mutta,” hän kysyi, ”mihin ikuisuus on hyvä, jos käytämme sitä vain jatkaaksemme kuluttajina, jotka tavoittelevat yhä enemmän tuotteita seurauksista välittämättä? Jatkamalla tätä arvostelematonta innovaatiota, saatamme jonain päivänä muuttua itse niiksi tuotteiksi, joita kokoamme.” Hän vei tämän ajatuksen loogiseen päätökseensä luomalla kirjaimellisesti tuotteita entisten arvokkaiden ihmishenkien jäänteistä.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D-tulostetut ihmisen jäänteet. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

Newyorkilainen taiteilija Stephanie Lempert tekee töitä viestinnästä. Hän toivoo kiinnittävänsä huomiomme kieleen ja siihen, miten käytämme sitä kertomaan tarinoitamme, historiaamme ja muistojamme luodaksemme merkitystä elämäämme. Monipuolinen taiteilija Lempert käyttää monenlaisia välineitä. Yksi hänen tiiviimmistä teossarjoistaan on nimeltään Reconstructed Reliquaries (Uudelleenrakennetut reliikit), jossa hän loi veistoksellisia reliikkejä, jotka ovat kirjaimellisesti rakennettu kielen avulla. Nämä esineet puhuvat itsestään monella tasolla. Lempert loi ne 3D-tulostusohjelmiston avulla. Hän kuitenkin mieluummin käyttää alan vakiintunutta, mutta vähemmän kohua herättävää termiä, rapid prototype sculpture (nopea prototyyppiveistos).

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Nopea prototyyppiveistos. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

Alankomaalainen taiteilija Theo Jansen tuli tunnetuksi 1990-luvulla, kun hän alkoi luoda Strandbeestejään, jättimäisiä, liikkuvia olentoja, jotka näyttävät kävelevän itsestään. Hän kutsuu niitä ”itseään liikuttaviksi rantakaloiksi.” Olet ehkä nähnyt videoita, joissa ne ryömivät runollisesti rannoilla ympäri maailmaa. Osittain suunnittelija, osittain insinööri ja osittain taiteilija, Jansen on sanonut: ”Seinät taiteen ja tekniikan välillä ovat vain mielessämme.” Tavallisesti hänen suuret luomuksensa tehdään PVC-putkista. Mutta viime aikoina hän on alkanut tarjota luomuksiaan lähes kenelle tahansa myymällä pienoiskoossa 3D-tulostettuja Strandbeestejä hintaan 160 euroa. Ihanin asia on, että kuka tahansa, joka saa käsiinsä suunnitelmat, voi teettää sellaisen tulostettuna. Kuten hänen verkkosivustollaan todetaan, ”Theo Jansenin Strandbeestit ovat löytäneet tavan lisääntyä ruiskuttamalla digitaalista DNA:taan suoraan 3D-tulostusjärjestelmiin.”

Theo Jansen - Pienoiskoossa 3D-tulostettu Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Belgialaisen taiteilijan Nick Ervinckin työt huutavat kirkkain värein ja jännittävin muodoin, ilmentäen ajatusta, että esine, joka vie tilaa, voi myös luoda tilaa. Hänen veistoksensa ovat kaiken kokoisia, pienoismalleista monumentaalisiin julkisiin teoksiin. Suunnittelemalla omat 3D-tulostustyökalunsa ja -menetelmänsä hän työntää tämän työkalun rajoja, käyttäen sitä ei pelkästään päämääränä vaan omalaatuisena tapana toteuttaa henkilökohtaisia visioitaan.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyuretaani ja polyesteri. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

Brooklynissa asuva taiteilija Shane Hope käyttää 3D-tulostettuja solurakenteita yhtenä elementtinä abstrakteissa maalauksissaan. Kaukaa katsottuna ne näyttävät maalauksilta, joissa on paksuja siveltimen vetoja, mutta lähempää tarkasteltuna paljastuu kasa kokoonpantuja nanorakenteita. Se, että tämä elementti on 3D-tulostettu, ei ole ilmeistä eikä välttämätöntä teosten arvostamiseksi, mutta teknologian vaikutusten pohtiminen lisää teosten mahdollisten merkitysten kerroksia.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-tulostetut PLA-molekyylimallit akryylialustalla. © Shane Hope, Winkleman-gallerian luvalla, New York

Monika Horcicova

Tšekkiläisen taiteilijan Monika Horcicovan työt ovat vangitsevia ja kauniita. Hän palaa ihmisen luihin ja luurankorakenteisiin liittyviin teemoihin luoden sommitelmia, jotka haastavat käsityksiämme omasta tarkoituksestamme ja mahdollisuuksistamme. Vaikka hän ei työskentele yksinomaan tällä tekniikalla, hän on usein käyttänyt 3D-tulostustekniikkaa luodakseen kipsiyhdistelmistä veistoksia.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D-tulostettu kipsiyhdistelmä. © Monika Horcicova

Kuvassa: Rirkrit Tiravanija - Nimetön 2013 (indeksivarjo nro 1), 2013-2017. Ruostumattomasta teräksestä tehty jalusta (3 paneelia), 3D-tulostettu muovinen bonsaipuu, ruostumattomasta teräksestä tehty kuutio (jalusta). 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija ja Pilar Corrias Gallery, Lontoo
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio