Un Art Autre - Abstraktio sodanjälkeisessä Pariisissa Levy Gorvyssä
Vuonna 1952 ranskalainen taidekriitikko ja kuraattori Michel Tapié lanseerasi termin "Un Art Autre", joka tarkoittaa "toisenlaista taidetta", viitatakseen suuntaukseen, jonka hän havaitsi abstraktissa taiteessa rationaalisuudesta kohti spontaanisuutta. Tämä suuntaus ei ilmennyt vain Ranskassa, jossa Tapié oli, vaan Ranskaan matkusti monia taiteilijoita ympäri maailmaa 1950- ja 60-luvuilla jakamaan tutkimuksiaan tästä esteettisestä ilmiöstä. Jotkut heistä olivat toisen maailmansodan veteraaneja, jotka joko jäivät Eurooppaan sodan jälkeen tai palasivat sinne opiskellakseen ja työskennelläkseen. Toiset olivat yksinkertaisesti vetovoimaisia kaupungin ja kulttuurin jännitykselle, joka yritti jälleenrakentaa itseään. Hyödyntäen Pariisin ainutlaatuista "kahvilakulttuuria", tämä kansainvälinen taiteilijoiden ja ajattelijoiden kollektiivi jakoi ideoitaan vapaasti, luoden jännittävän, primitiivisen kohtauksen. Tämä kiehtova kulttuuri on tällä hetkellä esillä Levy Gorvyssa Lontoossa, joka on nimetty liikkeen mukaan, jolle Tapié antoi nimen. Un Art Autre esittelee 22 maalausta viideltä taiteilijalta— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell ja Sam Francis—joista jokainen kutsui Pariisia kodikseen jossain vaiheessa 1950- ja 60-luvuilla. Ranskaa, Kiinaa, Kanadaa ja Yhdysvaltoja edustavat nämä taiteilijat toivat mukanaan yksilöllisen maailmankuvan ja henkilökohtaisen historian. Jokaisella oli täysin erilainen suhde maalaamiseen ja elämään. Kuitenkin he kaikki jakoivat halun yhdistyä johonkin intuitiiviseen ja vapaaseen. Nämä viisi taiteilijaa eivät suinkaan olleet ainoat "toisenlaisen taiteen" äänet, jotka kehittyivät Euroopan sodanjälkeisinä vuosina, mutta heidän teostensa näkeminen yhdessä tässä näyttelyssä tarjoaa osuvan sisäänkäynnin liikkeeseen, johon he kuuluivat. Se antaa myös nykyaikaisille katsojille mahdollisuuden tarkastella eroja tämän liikkeen ja muiden samankaltaisten suuntausten välillä, jotka ilmenivät muissa paikoissa tuona aikana, kuten abstraktissa ekspressionismissa Yhdysvalloissa.
Väri ja mustavalkoinen
Tänään, Pierre Soulagesia pidetään monien mielestä suurimpana elävänä taiteilijana. Hän on rakastettu eleganttien ja usein emotionaalisesti ylivoimaisten mustien maalauksensa vuoksi. Jo silloin, kun Soulages kehitti ainutlaatuista ääntään Pariisissa sodan jälkeen, hänellä oli syvällinen ymmärrys siitä, miten musta väri toimi hänen maalauksissaan. Hän ei nähnyt sitä tapana näyttää pimeyttä, vaan tapana "luoda valoa". Vastakkain asettamalla kiiltävät ja matta pinnat sekä luomalla suhteita mustien ja valkoisten alueiden välillä kankaalla, hän loi mahdollisuuksia valon vuorovaikutukseen tekstuurien ja sävyjen kanssa. Eri alueiden väliset suhteet kankaalla ovat osa sitä, mikä tekee hänen maalauksistaan niin säihkeitä. Tässä näyttelyssä näemme viisi hänen kangastaan. Huolimatta tiukasta komposition rakenteesta maalauksissa kuten "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) ja "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), niiden elävät mustat ja voimakkaat siveltimenvedot herättävät pinnat eloon. Ne eivät ole mitään muuta kuin puhdasta mustaa, mutta okran, sinisten ja valkoisten vuorovaikutus saa mustan jotenkin loistamaan entistä enemmän.
Joan Mitchell - Nimettömänä, 1957. Öljy kankaalle. 69 x 58 1/2 tuumaa (175,2 x 148,5 cm). Yksityiskokoelma, Santa Barbara. © Joan Mitchellin perintö.
Värisuhteet olivat myös äärimmäisen tärkeitä Joan Mitchelle, jonka neljä teosta on tässä näyttelyssä. Kaikki neljä—jotka todennäköisesti ovat uusia useimmille vierailijoille, sillä ne on koottu täysin yksityisistä kokoelmista—osoittavat mestarillista kykyä, jonka Mitchellilla oli välittää emotionaalista sävyä väripaletin kautta. Se, mitä näemme hänen teoksissaan, on selvästi jotain "luonnosta", huolimatta siitä, että kuvat ovat täysin abstrakteja. Tämä luonnollisuuden tunne korostuu vain lisää, kun otetaan huomioon lähes ekstaattinen gesturaalinen tyyli, jonka Mitchell kehitti usein vieraillessaan ja lopulta muuttaessaan Ranskaan—tyyli, jota edustavat kauniisti tämän näyttelyn teokset. Hänen kompositionsa ovat löysimmät ja vapaimmat kaikista näyttelyn teoksista: todistus hänen halustaan kadota itseensä maalatessaan ja vangita jotain henkilökohtaista perustuen hänen omiin muistoihinsa luonnon maailmasta.
Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Öljy kankaalle. 80 3/4 x 76 tuumaa (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University in St. Louis. Herra ja rouva Richard K. Weil lahjoittama, 1962. © Sam Francis Foundation, California / DACS 2019.
Impulssin koko kirjo
Jean Paul Riopelle:n näyttelyssä esillä olevat teokset osoittavat dramaattisen muutoksen, joka tapahtui hänen menetelmissään 1950-luvun alussa. Näyttelyssä tunnetuin teos on "Abstraktio (Oranssi)" (1952). Yksi näyttelyn suuremmista teoksista, sen hermostunut, ilmeikäs toiminta vetää välittömän vertauksen roiskemaalausten kanssa, joita useimmiten liitetään abstraktin ekspressionismin taiteilijoihin, kuten Jackson Pollockiin. Myöhemmissä teoksissa, kuten "Vaakasuora, Musta ja Valkoinen" (1955), näemme Riopellen rakentavan paljon harkitumpaa tekniikkaa, jossa on tiukkoja, mitattuja, ahdistuneita siveltimen vetoja, samalla kun se kuitenkin säilyttää impulsiivisen energian, joka elävöittää hänen työtään. Melkein impulssin asteikon vastakkaisessa päässä näemme kolme ylevää maalausta Zao Wou-Kilta. Niiden hillityt värit ja tasapainoiset komposition harmoniat osoittavat taiteilijaa, joka löytää upean, kummittelevaan tasapainon vapaan ilmaisun ja mitatun rauhan välillä.
Jean Paul Riopelle - Horisontaalinen, mustavalkoinen, 1955. Öljy kankaalle. 28 3/4 x 36 1/4 tuumaa (73 x 92 cm). Valokuva: Øystein Thorvaldsen. Henie Onstad Kunstsenterin kokoelma, Høvikodden, Norja. © SODRAC, Montreal ja DACS, Lontoo, 2019.
Näyttelystä vähiten tuntemani taiteilija on Sam Francis. Kun näin viisi esimerkkiä hänen töistään näyttelyssä, tuntuu siltä, että hänestä on vielä paljon opittavaa. Nimettömän, oranssin, keltaisen ja sinisen sävyisen teoksen eteerinen keveys herätti minussa ajatuksia Hellen Frankenthalerista, kun taas hänen "Blue Series No. 1" (1960) viittasi välittömästi Yves Kleiniin. Kaksi muuta teosta—"Composition" (n. 1957-58) ja "Untitled" (1959)—tarjosivat jotain erilaista: lähes sähköistä jännitystä, ikään kuin katsoisin kirjaimellisesti kuvia vaihtelusta ja virtauksesta. Nämä käsitteet ovat itse asiassa tämän näyttelyn ytimessä, kun se puhuu "toisesta taiteesta", joka syntyi Pariisissa 1950- ja 60-luvuilla. On vaikeaa määritellä tarkasti, ja vaikeaa nimetä, mutta se oli taidetta, jota määritteli sen kyky muuttua ja sen halukkuus päästää irti. Un Art Autre on esillä Levy Gorvy London -galleriassa 5. heinäkuuta 2019 asti.
Esittelykuva: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Öljy kankaalle. 31 7/8 x 51 3/16 tuumaa (81 x 130 cm). Yksityiskokoelma. © DACS 2019.
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Phillip Barcio mukaan
