Victor Vasarelyn Muotojen Muokkaus Centre Pompidou Pariisissa

Ensimmäistä kertaa yli 50 vuoteen merkittävä Victor Vasarely -retrospektiivi on esillä ranskalaisessa museossa. Centre Pompidou avasi Vasarely: Sharing Forms -näyttelyn tänä helmikuussa, tuoden yhteen yli 300 esinettä, mukaan lukien taideteoksia ja ephemera, jotka dokumentoivat yhden 1900-luvun modernismin jättiläisen täydellistä esteettistä kehitystä. Näyttely vakiinnuttaa Vasarelyn paitsi suurena taiteilijana, myös suurena idealistina, joka uskoi, ettei taiteen ja arjen välillä ole rajaa. Vasarely syntyi vuonna 1907 Pécsissä, Itävalta-Unkarissa, ja hän liittyi Műhely (työpaja) kouluun, paikalliseen Budapestin Bauhaus-versioon, vuonna 1918. Koulua johti taiteilija ja graafinen suunnittelija Sándor Bortnyik. Kahden vuoden opiskelun jälkeen Bortnyikin kanssa Vasarely muutti Pariisiin ja aloitti uran graafisena suunnittelijana. Hänen kunnianhimonsa oli soveltaa modernismin visuaalisia opetuksia massaviestinnän maailmaan. Yksi hänen tunnetuimmista varhaisista teoksistaan, "Zebra" (1937), ilmentää liminaalista tilaa, jossa näennäisesti erilliset taiteen ja muotoilun alat sulautuvat yhdeksi. Musta-valkoinen, lineaarinen kompositio esittää kahta zebraa kietoutuneena toisiinsa, mahdollisesti taistelussa, mahdollisesti rakastuneina. Kuvassa Vasarely julistaa itsensä perspektiivin mestariksi osoittamalla kykynsä muuttaa tasainen pinta kineettiseksi, kolmiulotteiseksi kentäksi. Silti tähän päivään asti kriitikot kamppailevat kysymyksen kanssa siitä, tulisiko tämä ja hänen muut varhaiset teoksensa luokitella taiteeksi vai muotoiluksi. Itse asiassa viimeksi merkittävä katsaus hänen työhönsä järjestettiin Ranskassa vuonna 1963, jolloin taiteilija oli vain 57-vuotias, Musée des Arts Décoratifs -museossa – ei kaunotaiteen museo, vaan koriste- ja muotoilutaiteen museo. Vain kaksi vuotta myöhemmin Vasarely kuitenkin sisällytettiin The Responsive Eye -näyttelyyn, joka oli merkittävä Museum of Modern Art -näyttely, joka vakiinnutti Op Art -liikkeen johtavat taiteilijat. Vasarely: Sharing Forms kokoaa yhteen kaikki hänen työnsä näkökulmat universaalilla tavalla. Sen sijaan, että se pakottaisi määritelmiä, tämä näyttely kunnioittaa hänen visionsa monimutkaisuutta ja vivahteita, tarjoten kaivattua laajennusta Vasarelyn tarinalle.

Ikuinen Uudistaja

Kun Vasarely aloitti uransa graafisena suunnittelijana, hän piti mainontaa kaikkein yleisimpänä visuaalisen kulttuurin muotona, joten hän päätti muuttaa sitä soveltamalla sitä kubismin, De Stijlin, suprematismin ja muiden aikaisen modernismin suuntausten visuaalisiin kieliin. Toisen maailmansodan jälkeen hän kuitenkin muutti suuntaansa ja päätti, että sen sijaan, että hän käyttäisi taidetta muotoilun uudistamiseen, hän etsisi todellisesta maailmasta vihjeitä siitä, miten taidetta voisi muuttaa. Hän kiinnitti huomiota kaikkeen visuaalisessa maisemassaan, arkkitehtonisista rakenteista luonnollisten muotojen päälle putoavien varjojen ja valon kuvioihin, kristallien pintoihin. Hän ymmärsi, että on olemassa esteettinen tila, jossa geometrisen abstrahoinnin periaatteet ovat rinnakkain luonnollisten ja rakennettujen maailmojen periaatteiden kanssa. Teokset kuten "Kiruna" (1952) osoittavat, kuinka hän purki visuaalisen maailman sen kaikkein olennaisimmiksi rakennuspalikoiksi, kuten ympyröiksi ja neliöiksi, ja yksinkertaisimmaksi mahdolliseksi väriasteikoksi.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Asennusnäkymä Centre Pompidou'ssa, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.

Vaikka hän oli alkanut kehittää omaa todella ainutlaatuista visuaalista kieltään, Vasarely pysyi aina uudistajana. Hän havaitsi, että hänen geometriset kompositionsa eivät olleet vielä valmiita. Ne tarvitsivat yhden lisäulottuvuuden - liikkeen ilmeen. Mutta sen sijaan, että hän olisi luonut todellista kineettistä taidetta, kuten Alexander Calderin mobiilit, Vasarely oli kiinnostunut siitä, miten aivot havaitsevat liikettä. Hän havaitsi, kuinka aallot veden pinnalla tai auringon lämmössä luovat illuusion siitä, että tila on vääristynyt ja että kiinteät esineet ovat nestemäisiä. Hän sovelsi tätä ajattelua kompositionsa, tuoden aaltoilevia kuvioita geometrisiin kompositionsa ja näennäisesti vääristäen teosten pintoja. Maalauksissa kuten "Re.Na II A" (1968) pinta näyttää pullistuvan ulospäin. Muissa maalauksissa pinta näyttää romahtavan. Hämmästyttävintä on, että heti kun silmä kiinnittää huomiota siihen, mitä se näkee näissä aaltokuvioissa, kuva näyttää siirtyvän, antaen sekä kolmiulotteisen tilan illuusion että liikkeen vaikutelman.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Asennusnäkymä Centre Pompidou'ssa, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.

Yleinen visuaalinen kieli

Yksi Vasarelyn perinnön idealistisimmista näkökohdista oli hänen luomansa "plastinen yksikkö": perusvisuaalinen työkalu, jota voidaan mukauttaa luomaan äärettömiä visuaalisia kompositioita. Vasarelyn plastinen yksikkö koostuu yhdestä geometrisesta muodosta yhdellä värillä, joka sisältää toisen, erilaisen geometrisen muodon toisella värillä sen sisällä – esimerkiksi sininen neliö, joka ympäröi punaista ympyrää, tai päinvastoin. Nykykielellä plastinen yksikkö on kuin pikseli. Vasarely yhdisteli plastisia yksiköitä erilaisiin geometrisiin yhdistelmiin ja käytti sitten viivaa ja väriä tuodakseen aaltoja kompositioihin. Tämä yksinkertainen visuaalinen kieli oli todella demokraattinen, sillä sitä pystyi helposti kopioimaan kuka tahansa. Tyylin universaalisuus inspiroi jopa Vasarelyä miettimään uudelleen, kuinka käyttää luomaansa positiivisesti vaikuttaakseen kansalaisten arkeen.

Victor Vasarely - Muoto 1009 koriste 5110, noin 1973. Painos 23/50. Muoto 1008 koriste 5105, noin 1973. Painos 75. Muoto 1008 koriste 5104, noin 1973. Painos 17/75. Muoto 1009 koriste 5108, noin 1973. Painos 22/50. Muoto 1007 koriste 5101, noin 1973. Painos 27/100. Muoto 1008 koriste 5106, noin 1973. Painos 61/75. Muoto 1010 koriste 5112, noin 1973. Painos 31/100. Muoto 1007 koriste 5100, noin 1973. Painos 6/100. Näyttelynäkyvyys Centre Pompidou'ssa, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.

Vasarely: Sharing Forms kauniisti osoittaa, että Vasarely kehitti lukuisia strategioita tuodakseen taiteensa julkiseen tilaan. Hän loi lukemattomia seinämaalauksia, julisteita ja jopa teollisia muotoiluja, kuten 21-osaisen kahvi- ja jälkiruokasarjan, jonka hän suunnitteli Rosenthalille. Hän loi logoja yrityksille, kuten Renault ja Musee de Cinema, muiden muassa. Ja hän omistautui kaikenlaisen taiteen luomiseen julkisissa tiloissa. Hän kuvitteli niin sanotun "monivärisen onnellisuuden kaupungin", jossa hänen elävät, värikkäät, geometriset julkiset teoksensa herättäisivät "synkät ja harmaat esikaupungit" eloon. Koko tämän näyttelyn ajan näemme, kuinka plastisuus on yhteistä kaikille visuaalisen kulttuurin muodoille. Vasarely osoitti, kuinka se on olennainen osa kaunotaidetta, tietenkin. Mutta hän näki myös plastisuuden olennaisena osana itse kiviä, joista kaupunki on rakennettu, sekä luonnon valon väreissä ja sävyissä. Taiteen, muotoilun, muodin, elokuvan, arkkitehtuurin ja jopa mainonnan kenttien väliset keinotekoiset erottelut sulavat pois, kun näemme kaiken visuaalisen kulttuurin tällä tavalla. Tämä on oppi, jonka Vasarely opetti: että taide on kaikkialla. Vasarely: Sharing Forms on esillä Centre Pompidou'ssa 6. toukokuuta 2019 asti.

Esittelykuva: Victor Vasarely - Alom, 1968. Asennusnäkymä Centre Pompidou'ssa, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Phillip Barcio mukaan