Victor Vasarelyn Muotojen Muokkaus Centre Pompidou Pariisissa
Yli 50 vuoteen ensimmäistä kertaa suuri Victor Vasarelyn retrospektiivi on esillä ranskalaisessa museossa. Centre Pompidou avasi helmikuussa näyttelyn Vasarely: Sharing Forms, joka kokoaa yhteen yli 300 esinettä, mukaan lukien taideteoksia ja ephemera-aineistoa, dokumentoiden yhden 1900-luvun modernismin jättiläisen täydellisen esteettisen kehityksen. Näyttely vahvistaa Vasarelyn aseman paitsi suurena taiteilijana myös suurena idealistina, joka uskoi, ettei taiteen ja arkipäivän välillä ole rajaa. Vuonna 1907 Pécsissä, Itävalta-Unkarissa syntynyt Vasarely aloitti opintonsa Műhely-koulussa, paikallisessa Budapestin Bauhaus-versiossa, vuonna 1918. Koulua johti taiteilija ja graafinen suunnittelija Sándor Bortnyik. Kahden vuoden opiskelun jälkeen Bortnyikin johdolla Vasarely muutti Pariisiin ja aloitti uransa graafisena suunnittelijana. Hänen tavoitteensa oli soveltaa modernismin visuaalisia oppeja massaviestinnän maailmaan. Yksi hänen kuuluisimmista varhaisista teoksistaan, ”Zebra” (1937), ilmentää rajatilaa, jossa taiteen ja muotoilun näennäisesti erilliset alat sulautuvat yhdeksi. Mustavalkoinen, lineaarinen sommitelma esittää kahta seepraa, jotka ovat kietoutuneet toisiinsa, mahdollisesti taistellen, mahdollisesti rakastuneina. Kuvassa Vasarely osoittaa mestarillisuutensa perspektiivissä muuntamalla tasaisen pinnan liikkuvaksi, kolmiulotteiseksi kentäksi. Vielä tänä päivänä kriitikot kamppailevat kysymyksen kanssa, tulisiko tämän ja hänen muiden varhaisten teostensa luokitella taiteeksi vai muotoiluksi. Itse asiassa viimeksi suuri katsaus hänen töihinsä järjestettiin Ranskassa vuonna 1963, kun taiteilija oli vasta 57-vuotias, Musée des Arts Décoratifs -museossa – ei kuvataiteen museossa, vaan koriste- ja muotoilutaiteen museossa. Vain kaksi vuotta myöhemmin Vasarely kuitenkin kuului The Responsive Eye -näyttelyyn, joka oli merkittävä Museum of Modern Artin näyttely ja joka nosti esiin Op-taiteen johtavat taiteilijat. Vasarely: Sharing Forms kokoaa hänen työnsä kaikki puolet universaalilla tavalla. Sen sijaan, että se pakottaisi määritelmiä, tämä näyttely kunnioittaa hänen näkemyksensä monimutkaisuutta ja vivahteita, tarjoten kaivattua laajennusta Vasarelyn tarinaan.
Ikuinen uudistaja
Kun Vasarely aloitti uransa graafisena suunnittelijana, hän piti mainontaa kaikkein yleisimpänä visuaalisen kulttuurin muotona, joten hän ryhtyi muuttamaan sitä soveltamalla siihen kubismin, De Stijlin, suprematismin ja muiden varhaisten modernististen suuntien visuaalisia kieliä. Toisen maailmansodan jälkeen hän kuitenkin muutti suuntaa ja päätti, ettei käyttäisi taidetta muotoilun uudistamiseen, vaan etsisi todellisesta maailmasta vihjeitä taiteen muuttamiseen. Hän kiinnitti huomiota kaikkeen visuaalisessa ympäristössään, arkkitehtonisista rakenteista luonnonmuotoihin varjojen ja valon kuvioissa sekä kristallipintojen rakenteisiin. Hän ymmärsi, että esteettinen tila, jossa geometrisen abstraktion periaatteet elävät rinnakkain luonnon ja rakennetun maailman periaatteiden kanssa, on olemassa. Teokset kuten ”Kiruna” (1952) osoittavat, miten hän purki visuaalisen maailman sen olennaisimpiin rakennusosiin, kuten ympyröihin ja neliöihin, ja yksinkertaisimpaan mahdolliseen väripalettiin.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Näyttelykuva Centre Pompidousta, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.
Vaikka hän oli alkanut kehittää omaa ainutlaatuista visuaalista kieltään, Vasarely pysyi aina uudistajana. Hän näki, että hänen geometriset sommitelmansa eivät olleet vielä täydellisiä. Niistä puuttui yksi lisäulottuvuus – liikkeen vaikutelma. Mutta sen sijaan, että hän olisi luonut varsinaista liikkuvaa taidetta, kuten Alexander Calderin mobiileja, Vasarely oli kiinnostunut siitä, miten aivot havaitsevat liikkeen. Hän tarkkaili, miten veden pinnan aallot tai auringon kuumuus luovat illuusion tilan vääristymisestä ja kiinteiden esineiden muuttumisesta nesteeksi. Hän sovelsi tätä ajattelua sommitelmiinsa, tuoden aaltoilevia kuvioita geometrisiin sommitelmiinsa ja näyttäen pinnat vääristyvän. Maalauksissa kuten ”Re.Na II A” (1968) pinta näyttää pullistuvan ulospäin. Toisissa maalauksissa pinta näyttää romahtavan. Hämmästyttävintä on, että heti kun silmä havaitsee nämä aaltoilevat kuviot, kuva näyttää liikkuvan, antaen sekä kolmiulotteisen tilan illuusion että liikkeen vaikutelman.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Näyttelykuva Centre Pompidousta, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.
Yleismaailmallinen visuaalinen kieli
Yksi Vasarelyn perinnön idealistisimmista puolista oli hänen luomansa ”muoviyksikkö”: perusvisuaalinen työkalu, jota voidaan soveltaa loputtomiin visuaalisiin sommitelmiin. Vasarelyn muoviyksikkö koostuu yhdestä geometrisesta muodosta yhdessä värissä, jonka sisällä on toinen, erilainen geometrinen muoto toisessa värissä – esimerkiksi sininen neliö, jonka sisällä on punainen ympyrä, tai päinvastoin. Nykykielellä muoviyksikkö on kuin pikseli. Vasarely yhdisti muoviyksiköt erilaisiin geometrisiin yhdistelmiin ja käytti viivaa ja väriä tuodakseen aaltoja sommitelmiin. Tämä yksinkertainen visuaalinen kieli oli todella demokraattinen, koska kuka tahansa pystyi helposti kopioimaan sen. Tyylin universaalius sai Vasarelyn jälleen pohtimaan, miten hän voisi käyttää luomaansa positiivisesti kansalaisten jokapäiväisessä elämässä.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, noin 1973. Painos 23/50. Forme 1008 décor 5105, noin 1973. Painos 75. Forme 1008 décor 5104, noin 1973. Painos 17/75. Forme 1009 décor 5108, noin 1973. Painos 22/50. Forme 1007 décor 5101, noin 1973. Painos 27/100. Forme 1008 décor 5106, noin 1973. Painos 61/75. Forme 1010 décor 5112, noin 1973. Painos 31/100. Forme 1007 décor 5100, noin 1973. Painos 6/100. Näyttelykuva Centre Pompidousta, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.
Kuten Vasarely: Sharing Forms kauniisti osoittaa, Vasarely kehitti lukuisia keinoja tuoda taiteensa julkiseen tilaan. Hän loi lukuisia muraaleja, julisteita ja jopa teollisia muotoiluja, kuten Rosenthalille suunnittelemansa 21-osaisen kahvi- ja jälkiruokasarjan. Hän suunnitteli logoja yrityksille, kuten Renaultille ja Musee de Cinemalle, muiden muassa. Hän omistautui kaikenlaisen taiteen luomiseen julkisissa tiloissa. Hän kuvitteli niin kutsutun ”monivärisen onnellisuuskaupungin”, jossa hänen eloisat, värikkäät ja geometriset julkiset teoksensa herättäisivät ”synkät ja harmaat esikaupungit” eloon. Koko tämän näyttelyn ajan näemme, miten muovautuvuus on yhteistä kaikille visuaalisen kulttuurin muodoille. Vasarely osoitti, että se on olennainen osa kuvataidetta, tietenkin. Mutta hän näki muovautuvuuden myös olennaisena osana kaupungin rakennuskiviä sekä luonnon valon ja varjon värejä ja sävyjä. Taiteen, muotoilun, muodin, elokuvan, arkkitehtuurin ja jopa mainonnan keinotekoiset rajat sulavat pois, kun näemme koko visuaalisen kulttuurin tällä tavalla. Tämä on Vasarelyn opetus: taide on kaikkialla. Vasarely: Sharing Forms on esillä Centre Pompidoussa 6. toukokuuta 2019 asti.
Kuvassa: Victor Vasarely - Alom, 1968. Näyttelykuva Centre Pompidousta, Pariisi, 2019. Kuva: IdeelArt.
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
