6 sculptures inspirées de la nature que vous pourrez voir cet été

Une exposition à venir à Londres cet été promet aux visiteurs une occasion unique d'examiner l'intersection de la figuration et de l'abstraction dans la sculpture contemporaine, à travers un assortiment de sculptures inspirées de la nature . Intitulée Renaturing Nature et montée par la Hignell Gallery, l'exposition se déroulera dans deux espaces distinctement différents : l'intérieur de la Hignell Gallery sur Shepherd Street à Mayfair et les environs luxuriants du jardin de Saint James's Square, à un kilomètre et demi de là. Les six sculptures ont été sélectionnées précisément pour leur capacité à exploiter un lieu intérieur ou extérieur, même si certaines auraient certainement pu être placées dans l'un ou l'autre environnement et ont suscité des types de réactions très différents. Par exemple, une paire de grues massives de l'artiste germano-canadienne Vanessa Paschakarnis habitera l'intérieur de la galerie, donnant aux spectateurs le sentiment d'être horriblement piégés à l'intérieur avec quelque chose qui appartient clairement à la nature. Pourtant, si ces mouches étaient dehors, nous réagirions très différemment. Leur présence à l’intérieur les objective et accentue les aspects contre nature de leur présence. Au dehors, ce seraient des concrétions ; monuments à la nature. À l’intérieur, ils deviennent des abstractions ; monuments à la fétichisation de la nature. Chacune des autres œuvres présentées dans cette exposition fonctionne en fait avec ce même type de dichotomie conceptuelle. Ils déploient chacun une imagerie ou un contenu narratif qui nous entraîne dans une réaction immédiate selon laquelle nous regardons simplement une représentation simple et concrète de quelque chose que nous reconnaissons – une sorte de monument dédié à ceci ou à cela. Cependant, plus nous contemplons ces œuvres et plus nous les regardons de près, plus nous prenons conscience du monde d'informations cachées et de significations invisibles qui se cachent sous nos yeux.

En vue sur la place

Peut-être que l'œuvre la plus trompeusement figurative qui sera exposée à Saint James’s Square sera "Te Danzante" (2018), de l'artiste portugaise Joana Vasconcelos. La sculpture en fer forgé de grande taille semble n'être guère plus qu'une réplique ornementale d'une théière. Cependant, les œuvres seront recouvertes de plantes de jasmin, qui sont souvent utilisées pour ajouter de l'arôme au thé vert. À l'intérieur de ce détail, ainsi qu'à l'intérieur du nom, se cachent des secrets. La traduction espagnole du titre est thé dansant. La traduction portugaise est quelque chose de plus proche de vous dansant. L'œuvre fait référence à l'histoire du commerce du thé, qui est liée à l'histoire coloniale du Portugal et de l'Europe. Cette cage en métal ne contient pas tant la nature qu'elle la manipule et l'embellit, en profitant d'elle avec ou sans son consentement.

Joana Vasconcelos - Te Danzante, 2018. Photo © União Infinita Projetos

A proximité se cache une autre sculpture trompeusement narrative de l'artiste britannique Sophie Ryder, intitulée « Aussie Earl » (1996). À première vue, cette œuvre ressemble à un monument à un lapin. Debout de façon comique sur ses hanches robustes, la bête regarde devant elle avec ses yeux perçants et sa petite tête, surveillant d'un air vide son domaine herbeux. Cependant, en y regardant de plus près, nous constatons que la chair même du lièvre est composée d'un collage d'objets plus petits : pièces de machines, jouets et d'innombrables autres objets souvenirs reflétant la culture contemporaine. Alors que la véritable nature de cet objet se révèle, nous ne pouvons nous empêcher de contempler la relation entre les animaux, la nature et le monde moderne d’une manière beaucoup plus sombre et abstraite. Pour ceux qui connaissent les habitudes des lapins, une autre lecture se présente, concernant la luxure et la reproduction – une allusion symbolique au lien que ces émotions entretiennent avec la propagation des humains et de leur monde fabriqué.

Sophie Ryder - Aussie Earl, 1996.

« Capricorne 1 & 2 » (2017), une autre œuvre de Vanessa Paschakarnis, sera également visible à l'extérieur de la place. Composée de deux crânes de chèvre à cornes désincarnés, cette œuvre utilise l'échelle et le matériau pour remettre en question notre compréhension du lien entre la nature humaine et animale. Notre adhésion à cette bête – le Capricorne – en tant qu’entité mystique et céleste est remise en question par son apparente mortalité. Qu’est-ce que la forme monumentalise réellement ? Évoque-t-il la mort ou évoque-t-il l’agrandissement de la nature à des fins humaines ? D'un point de vue formel et abstrait, il y a beaucoup à admirer ici en termes de lignes, de formes, de couleurs et de forme. Mais est-ce que nous objectivessons davantage la nature en pensant en ces termes ?

Vanessa Paschakarnis - Capricorne 1 & 2, 2017. Photo © James Brittain

À voir dans la galerie

Comme déjà mentionné, deux canneflies massives de Paschakarnis seront exposées à l'intérieur des murs de la Hignell Gallery. A leurs côtés, deux autres sculptures contribueront chacune à leur manière à l'atmosphère inquiétante de l'environnement intérieur. Le plus obsédant sera peut-être une masse fluide et biomorphique intitulée « Slick » (2010), de la sculptrice britannique Kate MccGwire. Fabriquée à partir des plumes irisées des ailes de pie, la forme suintante semble jaillir de l’architecture elle-même. Des parties du corps de créatures mortes se sont rassemblées pour former une nouvelle force apparemment vivante, coincée quelque part entre le pays des vivants et celui des morts. Cette œuvre amène le monde naturel à l’intérieur, mais d’une manière des plus troublantes. Esthétiquement, c’est une merveille abstraite à regarder. Toutefois, lorsque le contenu émerge, des niveaux d’inconfort apparaissent également de manière changeante et inquiétante.

Peter Randall-Page RA - Rain Cloud Screen I & II, 2015. Photo © Aislinn McNamara

Également exposée à l'intérieur de la galerie, une installation intitulée « Rain Cloud Screen I & II » (2015), par le sculpteur britannique Peter Randall-Page RA, un artiste dont le travail est inspiré par la géométrie de la nature. Évocatrice d'un paravent de vestiaire, l'œuvre se compose de quatre grands dessins conjointe. Lorsqu'on les admire de près, chaque dessin est une abstraction—un assortiment de lignes sombres sur un fond clair. Lorsqu'ils sont réunis et vus de loin, les espaces positifs et négatifs collaborent à la formation d'une forme de nuage. L'effet est subtil et fantaisiste, offrant un commentaire réfléchi sur l'abstraction inhérente qui se cache dans notre interaction avec le monde naturel, et les histoires inhérentes qui se cachent dans nos réactions subjectives même aux créations humaines les plus abstraites. Renaturing Nature sera exposée du 21 juin au 21 juillet 2019 à la Hignell Gallery et dans le jardin de St James’s Square à Londres.

Image en vedette : Kate MccGwire-Slick, 2010. Photo © Tessa Angus
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio