6 sculptures inspirées de la nature que vous pourrez voir cet été

Une exposition à venir à Londres cet été offre aux spectateurs une occasion unique d’examiner l’intersection entre la figuration et l’abstraction dans la sculpture contemporaine, à travers un assortiment de sculptures inspirées par la nature. Intitulée Renaturing Nature, et organisée par la galerie Hignell, l’exposition se déroulera dans deux espaces nettement différents — l’intérieur de la galerie Hignell dans Shepherd Street à Mayfair, et le cadre verdoyant du jardin de Saint James’s Square à un kilomètre et demi de là. Les six sculptures ont été choisies précisément pour leur capacité à exploiter soit un lieu intérieur, soit un lieu extérieur, bien que certaines auraient certainement pu être placées dans l’un ou l’autre environnement, suscitant des réactions très différentes. Par exemple, une paire de grandes tipules de l’artiste germano-canadienne Vanessa Paschakarnis occupera l’intérieur de la galerie, serrant les spectateurs dans une sensation d’enfermement terrifiant avec quelque chose qui appartient clairement à la nature sauvage. Pourtant, si ces tipules étaient à l’extérieur, nous réagirions très différemment à leur présence. Leur présence à l’intérieur les objectifie et accentue les aspects non naturels de leur présence. Dehors, elles seraient des concrétions ; des monuments à la nature. À l’intérieur, elles deviennent des abstractions ; des monuments à la fétichisation de la nature. Chacune des autres œuvres exposées dans cette exposition fonctionne en fait avec ce même type de dichotomie conceptuelle. Elles déploient chacune une imagerie ou un contenu narratif qui nous berce dans une réaction immédiate, comme si nous regardions simplement une représentation directe et concrète de quelque chose que nous reconnaissons — une sorte de monument à ceci ou cela. Plus nous contemplons ces œuvres, cependant, et plus nous les regardons de près, plus nous prenons conscience d’un monde d’informations cachées et de sens invisibles qui se cachent juste devant nos yeux.

Exposées dans le Square

Peut-être que l’œuvre la plus trompeusement figurative qui sera exposée à Saint James’s Square sera « Te Danzante » (2018), de l’artiste portugaise Joana Vasconcelos. La grande sculpture en fer forgé semble n’être guère plus qu’une réplique ornementale d’une théière. Cependant, la pièce sera couverte de plants de jasmin, souvent utilisés pour parfumer le thé vert. Dans ce détail, ainsi que dans le nom, se cachent des secrets. La traduction espagnole du titre est thé dansant. La traduction portugaise est plutôt quelque chose comme toi dansant. L’œuvre fait référence à l’histoire du commerce du thé, qui est liée à l’histoire coloniale du Portugal et de l’Europe. Cette cage métallique ne contient pas tant la nature qu’elle ne la manipule et l’embellit, en tirant profit avec ou sans son consentement.

Joana Vasconcelos - Te Danzante, 2018. Photo © Unidade Infinita Projectos

Non loin se trouve une autre sculpture trompeusement narrative de l’artiste britannique Sophie Ryder, intitulée « Aussie Earl » (1996). À première vue, cette œuvre ressemble à un monument à un lapin. Debout de manière comique sur ses pattes arrière robustes, la bête fixe devant elle avec ses yeux perçants et sa petite tête, scrutant sans expression son domaine herbeux. À un examen plus attentif, cependant, on voit que la chair même du lièvre est composée d’un collage de petits objets — pièces de machines, jouets, et d’innombrables autres souvenirs reflétant la culture contemporaine. À mesure que la véritable nature de cet objet se révèle, on ne peut s’empêcher de réfléchir à la relation entre les animaux, la nature et le monde moderne d’une manière beaucoup plus sombre et plus abstraite. Pour ceux qui connaissent les habitudes des lapins, une autre lecture s’impose, concernant le désir et la reproduction — une allusion symbolique au lien que ces émotions entretiennent avec la propagation des humains et de leur monde fabriqué.

Sophie Ryder - Aussie Earl, 1996.

Également exposée à l’extérieur dans le Square, « Capricorno 1 & 2 » (2017), une autre œuvre de Vanessa Paschakarnis. Composée de deux crânes de chèvres cornues désincarnés, cette œuvre utilise l’échelle et le matériau pour remettre en question notre compréhension du lien entre la nature humaine et animale. Notre adoration de cette bête — le Capricorne — en tant qu’entité mystique et céleste est mise en doute par sa mortalité apparente. Que monumentalise réellement cette forme ? Évoque-t-elle la mort, ou bien l’exaltation de la nature à des fins humaines ? D’un point de vue formel et abstrait, il y a beaucoup à admirer ici en termes de lignes, formes, couleurs et volumes. Mais ne sommes-nous pas en train d’objectiver davantage la nature en pensant en ces termes ?

Vanessa Paschakarnis - Capricorno 1 & 2, 2017. Photo © James Brittain

Exposées dans la Galerie

Comme déjà mentionné, deux grandes tipules de Paschakarnis seront exposées à l’intérieur des murs de la galerie Hignell. À leurs côtés, deux autres sculptures contribueront chacune à leur manière à l’atmosphère étrange de l’environnement intérieur. La plus troublante, peut-être, sera une masse biomorphique fluide intitulée « Slick » (2010), de la sculptrice britannique Kate MccGwire. Faite de plumes irisées d’ailes de pie, la forme visqueuse semble s’écouler de l’architecture elle-même. Des parties du corps de créatures mortes se sont assemblées pour former une nouvelle force apparemment vivante, prise quelque part entre le monde des vivants et celui des morts. Cette œuvre introduit le monde naturel à l’intérieur, mais d’une manière des plus inquiétantes. Esthétiquement, c’est une merveille abstraite à contempler. Lorsque le contenu émerge, cependant, des niveaux d’inconfort apparaissent aussi, de façon changeante et troublante.

Peter Randall-Page RA - Rain Cloud Screen I & II, 2015. Photo © Aislinn McNamara

Également exposée à l’intérieur de la galerie, une installation intitulée « Rain Cloud Screen I & II » (2015), du sculpteur britannique Peter Randall-Page RA, un artiste dont le travail s’inspire de la géométrie de la nature. Évoquant un paravent de vestiaire, l’œuvre se compose de quatre grands dessins reliés. Lorsqu’on les admire de près, chaque dessin est une abstraction — un assortiment de lignes sombres sur un fond clair. Lorsqu’ils sont assemblés et vus de loin, les espaces positifs et négatifs collaborent à la formation d’une forme de nuage. L’effet est subtil et fantaisiste, offrant un commentaire réfléchi sur l’abstraction inhérente qui se cache dans notre interaction avec le monde naturel, et sur les histoires cachées dans nos réactions subjectives même aux créations humaines les plus abstraites. Renaturing Nature sera visible du 21 juin au 21 juillet 2019 à la galerie Hignell et dans le jardin de St James’s Square à Londres.

Image en vedette : Kate MccGwire - Slick, 2010. Photo © Tessa Angus
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio