En voyage avec Antoni Tàpies
Lorsque Antoni Tàpies est décédé en 2012, il a laissé un énorme vide dans la culture espagnole. Il était de loin l’artiste visuel espagnol le plus influent de sa génération et, à bien des égards, il est difficile d’imaginer l’avant-garde espagnole de l’après-Seconde Guerre mondiale sans lui. En fait, on peut même affirmer que sans Tàpies, l’art du XXe siècle aurait été très différent partout dans le monde. À un moment critique de l’histoire de sa nation, Tàpies s’éloigne de son confortable destin bourgeois et se consacre à se forger une vie d’artiste incertaine. Il fut l'un des six fondateurs de Dau al Set, un collectif d'art d'avant-garde extrêmement influent, actif entre 1948 et 1956. Après avoir quitté le groupe en 1952, Tàpies a créé un langage visuel qui reliait les éléments les plus radicaux de Surréalisme et Dada, avec les fondamentaux de l'abstraction formelle et les tendances mondiales émergentes de l'informalisme. À partir des racines du mysticisme et de la métaphysique, il a formé une philosophie esthétique universelle basée sur l'appréciation des matériaux naturels et un lien avec la Terre et ses éléments. Son travail a culminé dans ce qui est désormais connu sous le nom de ses « peintures de matière » – des œuvres d'art formées, composées et célébrant les matériaux trouvés au quotidien avec lesquels il s'est retrouvé entouré. Laissant derrière lui une vaste collection d’essais et de conférences, il fut finalement connu autant pour sa vision philosophique de l’art que pour son travail lui-même. Il a résumé sa vision fondamentale de l'art et de la vie dans cette déclaration : « La perfection ne peut pas provenir simplement d'idées nobles, mais doit aller de pair avec une relation avec la terre. »
Le Septième Côté
Lorsque la guerre civile espagnole s'est terminée en 1939, le pays est passé fermement entre les mains d'un régime fasciste et nationaliste. Dirigé par le général Francisco Franco, le régime prêchait que tous les éléments de la culture espagnole devaient être orientés vers la diffusion et le maintien du pouvoir politique du gouvernement. Parmi d'autres agendas, Franco plaidait pour que tout l'art soit réalisé dans le style du réalisme fasciste. Il a également interdit l'utilisation de la langue catalane. Cela était agonisant pour la génération de jeunes artistes qui avaient grandi en idolâtrant des géants de l'avant-garde espagnole comme Pablo Picasso, Joan Miró et Salvador Dali. La peur s'est rapidement répandue parmi les jeunes artistes que la culture espagnole moderne était condamnée. Mais au moins six révolutionnaires culturels avaient d'autres plans. Le poète catalan Joan Brossa s'est organisé avec Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, le philosophe Arnau Puig et un éditeur indépendant nommé Joan-Josep Tharrats en 1948 pour créer un groupe déterminé à subvertir l'agenda nationaliste. Ils espéraient semer les graines d'une nouvelle culture avant-gardiste anti-fasciste. En hommage à leurs héros les surréalistes et les dadaïstes, ils se sont appelés Dau al Set—un terme pour le côté sept non existant d'un dé à six faces.
Antoni Tàpies - Chaises, 1981. Carborundum. Composition : 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Feuille : 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Editeur : Galerie Lelong, Paris. Imprimeur : Joan Barbarà, Barcelone. Édition 30. Collection MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
Puisque les mots étaient catalans, le nom Dau al Set était automatiquement controversé, et ses connotations quasi mystiques indiquaient une adhésion à l'idée selon laquelle la logique élitiste n'avait jamais conduit le monde qu'à la guerre. Dau al Set diffuse ses idées et son langage visuel unique à travers un magazine du même nom, publié sur l'imprimerie personnelle de Tharrats. Ses articles étaient également écrits dans la langue catalane interdite, et les images montraient un mélange de mysticisme, de fantaisie et de pure abstraction, le tout en opposition directe avec le régime fasciste de Franco. Des trois artistes du groupe, Tàpies était le plus abstrait. Il était autodidacte, ses images étaient inspirées de la philosophie et ses méthodes étaient fondées sur la pure joie des médiums et des matériaux. Il a expérimenté en mélangeant des additifs inhabituels avec ses peintures à l'huile et a rapidement commencé à ajouter des matériaux et des objets trouvés à ses peintures. En 1952, il était tellement plongé dans la quête de sa propre voie artistique qu’il quitta Dau al Set. Dès lors, Tàpies se consacre entièrement à l'abstraction informelle et à l'exploration des techniques mixtes comme position esthétique à part entière.
Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 aquatintes (y compris la couverture) avec carborundum, collagraphie et/ou aquatinte, et 1 eau-forte et carborundum ; et suite supplémentaire. Irrégulièrement. page 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Tirages : diverses dimensions. Éditeur : Maeght Éditeur, Paris. Imprimeur : Atelier Morsang, Paris. Édition 195+. Mme Gilbert W. Chapman Fonds et don de la Galerie Maeght Collection MoMA © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
La matière de la peinture
En plus d'être un artiste autodidacte, Tàpies était un théoricien de l'art autodidacte. C’est en fait dans ses écrits que l’on trouve de nombreux aperçus de la substance de son art. Deux de ses citations les plus révélatrices sont : « Si je ne peux pas changer le monde, je veux au moins changer la façon dont les gens le regardent » ; et : « La profondeur n’est pas située dans un endroit éloigné et inaccessible. C’est ancré dans la vie de tous les jours. » Nous voyons ces deux affirmations jouer dans des œuvres telles que « Great Painting » (1958), un collage en carton couleur terre. La surface de l’œuvre semble carbonisée, meurtrie et tachée. Il est fabriqué à partir des matériaux les plus simples, avec les techniques les plus brutes, par la main d'un artiste sans formation esthétique formelle. Pourtant, au sein de la composition, nous rencontrons un équilibre parfait, une harmonie chromatique et une multitude de textures et de teintes. Nous passerions devant ces matériaux dans la rue, mais ici nos yeux peuvent se perdre dans une carte au trésor exotique d'une profondeur infinie et d'un gribouillage mystique.
Antoni Tàpies- Saint Gall, 1962. Lithographie. Don de Paul F. Walter. Collection du MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
Tàpies a également étendu sa réflexion au domaine de la sculpture. L'une de ses œuvres les plus célèbres, « Desk with Straw » (1970), est aussi simple que son titre l'indique : il s'agit d'un assemblage d'un véritable bureau en bois recouvert de paille. La combinaison de matériaux semble absurde au premier abord, et pourtant l'embellissement parfait de leur juxtaposition confère à la pièce une aura d'inévitable, la rendant parfaitement rationnelle, non pas en tant que meuble, mais en tant qu'art. Pendant ce temps, « Open Bed » (1986) adopte l’approche inverse. Lit en argile réfractaire grandeur nature coloré avec de la peinture émail, le sens de la forme est en opposition directe avec les matériaux. Mais il ne faut pas longtemps au spectateur pour se rendre compte que l’absurdité de dormir sur de l’argile disparaît si l’on considère la terre comme notre lit. Comme dans toutes les œuvres créées par Tàpies, la profondeur est là, dans la banalité de la pensée quotidienne ; tout dépend de la façon dont vous le regardez.
Image en vedette : Antoni Tàpies - Grande peinture, 1958. Huile avec sable sur toile. 78 1/2 x 103 pouces (199,3 x 261,6 cm). Musée Solomon R. Guggenheim, New York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio
