En voyage avec Antoni Tàpies
Lorsque Antoni Tàpies est décédé en 2012, il a laissé un vide immense dans la culture espagnole. Il était sans conteste l'artiste visuel espagnol le plus influent de sa génération, et à bien des égards, il est difficile d'imaginer l'avant-garde espagnole d'après-guerre sans lui. En fait, on peut même affirmer sans risque que sans Tàpies, l'art du XXe siècle aurait été très différent partout dans le monde. À un moment crucial de l'histoire de son pays, Tàpies a renoncé à son destin bourgeois confortable pour se consacrer à la création d'une vie incertaine en tant qu'artiste. Il fut l'un des six fondateurs de Dau al Set, un collectif d'avant-garde extrêmement influent actif entre 1948 et 1956. Après avoir quitté le groupe en 1952, Tàpies a créé un langage visuel qui faisait le lien entre les éléments les plus radicaux du surréalisme et du dadaïsme, avec les fondements de l'abstraction formelle et les tendances mondiales émergentes de l'informel. Puisant ses racines dans le mysticisme et la métaphysique, il a forgé une philosophie esthétique universelle fondée sur l'appréciation des matériaux naturels et une connexion à la Terre et à ses éléments. Son œuvre a culminé dans ce que l'on appelle ses « Peintures de Matière » — des œuvres formées à partir de matériaux trouvés du quotidien, qu'elles célèbrent et dont elles sont constituées. Laissant derrière lui une importante collection d'essais et de conférences, il fut finalement connu autant pour sa vision philosophique de l'art que pour son œuvre elle-même. Il résumait sa vision fondamentale de l'art et de la vie par cette phrase : « La perfection ne peut venir simplement d'idées nobles, mais doit s'accompagner d'une relation à la terre. »
Le Septième Côté
Lorsque la guerre civile espagnole s'est terminée en 1939, le pays est passé fermement entre les mains d'un régime fasciste et nationaliste. Dirigé par le général Francisco Franco, le régime prêchait que tous les éléments de la culture espagnole devaient être orientés vers la diffusion et le maintien du pouvoir politique du gouvernement. Parmi d'autres objectifs, Franco prônait que toute œuvre d'art soit réalisée dans le style du réalisme fasciste. Il interdit également l'usage de la langue catalane. Cela fut une épreuve pour la génération de jeunes artistes qui avait grandi en idolâtrant les géants de l'avant-garde espagnole tels que Pablo Picasso, Joan Miró et Salvador Dali. La peur se répandit rapidement parmi les jeunes artistes que la culture espagnole moderne était condamnée. Mais au moins six révolutionnaires culturels avaient d'autres projets. Le poète catalan Joan Brossa s'est organisé avec Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, le philosophe Arnau Puig et un éditeur indépendant nommé Joan-Josep Tharrats en 1948 pour fonder un groupe déterminé à subvertir l'agenda nationaliste. Ils espéraient semer les graines d'une nouvelle culture d'avant-garde contre le fascisme. En hommage à leurs héros, les surréalistes et les dadaïstes, ils se nommèrent Dau al Set — un terme désignant le côté inexistant sept d'un dé à six faces.
Antoni Tàpies - Chaises, 1981. Carborundum. Composition : 92 x 139 cm (36 1/4 x 54 3/4 pouces) ; Feuille : 93 x 139 cm (36 5/8 x 54 3/4 pouces). Éditeur : Galerie Lelong, Paris. Imprimeur : Joan Barbarà, Barcelone. Édition 30. Collection MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
Puisque les mots étaient en catalan, le nom Dau al Set fut automatiquement controversé, et ses connotations quasi mystiques signalaient une adhésion à l'idée que la logique élitiste n'avait conduit le monde qu'à la guerre. Dau al Set diffusait ses idées et son langage visuel unique par le biais d'un magazine du même nom, publié sur la presse personnelle de Tharrats. Ses articles étaient également rédigés en catalan interdit, et les images montraient un mélange de mysticisme, de fantaisie et d'abstraction pure — tout cela en opposition directe au régime fasciste de Franco. Parmi les trois artistes du groupe, Tàpies était le plus abstrait. Autodidacte, ses images s'inspiraient de la philosophie, et ses méthodes reposaient sur la pure joie des médiums et des matériaux. Il expérimentait en mélangeant des additifs inhabituels à ses peintures à l'huile, et commença bientôt à incorporer des matériaux et objets trouvés dans ses peintures. En 1952, il était tellement absorbé par la quête de sa propre voie artistique qu'il quitta Dau al Set. Dès lors, Tàpies se consacra entièrement à l'abstraction informelle et à l'exploration des techniques mixtes comme position esthétique à part entière.
Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 aquatintes (y compris la couverture) avec carborundum, collagraphie et/ou aquatinte, et 1 gravure et carborundum ; et suite complémentaire. Page irrégulière 52 x 41 cm (20 1/2 x 16 1/8 pouces). Tirages : dimensions variées. Éditeur : Maeght Éditeur, Paris. Imprimeur : Atelier Morsang, Paris. Édition 195+. Fonds Mrs. Gilbert W. Chapman et don de la Galerie Maeght. Collection MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
La Matière de la Peinture
En plus d'être un artiste autodidacte, Tàpies était un théoricien de l'art autodidacte. C'est dans ses écrits, en fait, que l'on trouve beaucoup d'éclaircissements sur la substance de son art. Deux de ses citations les plus révélatrices sont : « Si je ne peux pas changer le monde, je veux au moins changer la façon dont les gens le regardent » ; et, « La profondeur ne se trouve pas dans un lieu lointain et inaccessible. Elle est enracinée dans la vie quotidienne. » Nous voyons ces deux affirmations à l'œuvre dans des œuvres telles que « Grande Peinture » (1958), un collage en carton de la couleur de la terre. La surface de l'œuvre semble carbonisée, meurtrie et tachée. Elle est faite des matériaux les plus simples, avec les techniques les plus brutes, par la main d'un artiste sans formation esthétique formelle. Pourtant, dans la composition, nous rencontrons un équilibre parfait, une harmonie chromatique et une multitude de textures et de nuances. Nous passerions à côté de ces matériaux dans la rue, mais ici nos yeux peuvent se perdre dans une carte au trésor exotique d'une profondeur infinie et d'écritures mystiques.
Antoni Tàpies - Saint Gall, 1962. Lithographie. Don de Paul F. Walter. Collection MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
Tàpies a également étendu sa réflexion au domaine de la sculpture. L'une de ses pièces les plus célèbres, « Bureau avec paille » (1970), est aussi simple que son titre l'indique — un assemblage d'un véritable bureau en bois recouvert de paille. La combinaison des matériaux semble d'abord absurde, et pourtant la beauté parfaite de leur juxtaposition confère à l'œuvre une aura d'inéluctable, la rendant parfaitement rationnelle, non pas comme meuble, mais comme art. Par ailleurs, « Lit ouvert » (1986) adopte une approche opposée. Un lit en argile réfractaire de taille réelle, coloré à la peinture émaillée, la signification de la forme s'oppose directement aux matériaux. Mais il ne faut pas longtemps à un spectateur pour comprendre que l'absurdité de dormir sur de l'argile s'efface si l'on considère la terre comme notre lit. Comme pour toutes les œuvres créées par Tàpies, la profondeur est là, dans la banalité de la pensée quotidienne ; tout dépend de la façon dont on regarde.
Image en vedette : Antoni Tàpies - Grande Peinture, 1958. Huile avec sable sur toile. 199,3 x 261,6 cm (78 1/2 x 103 pouces). Musée Solomon R. Guggenheim, New York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
