Lee Krasner au Barbican - Un regard sur une artiste à part entière

Cet été, la Galerie d'Art du Barbican à Londres présentera Lee Krasner : Couleur Vivante, la première rétrospective européenne de l'œuvre de Lee Krasner depuis plus d’un demi-siècle. L’exposition réunira près de 100 œuvres couvrant cinq décennies, suivant Krasner alors qu’elle évolue d’une peintre figurative dans les années 1930, à travers son influence croissante en tant que figure majeure de la première génération d’Expressionnistes Abstraits, jusqu’à son émergence ultime comme l’une des voix les plus accomplies et appréciées de l’art abstrait américain du XXe siècle. Au cours de sa carrière, Krasner a réalisé plus de 600 œuvres d’art, devenant l’une des rares artistes féminines de sa génération à voir son œuvre faire l’objet d’un catalogue raisonné. Malgré ses réalisations, Krasner est souvent évoquée uniquement en fonction de sa relation avec son mari, la légende redoutable Jackson Pollock. Certains historiens ont même osé suggérer que ce n’est qu’après la mort de Pollock en 1956 que Krasner s’est pleinement épanouie en artiste mature. Comme cela devrait être clairement visible à travers les différentes séries présentées dans cette rétrospective, Krasner a toujours été une peintre innovante et expérimentale avec une vision qui lui est propre. Peut-être la seule différence notable, en fait, que la mort de Pollock a eue sur son travail concerne la question de l’échelle. Le couple partageait une ferme dans une propriété à East Hampton appelée The Springs. Krasner était cantonnée à deux petites pièces intérieures de la maison comme atelier — d’abord un salon sombre, puis une chambre à l’étage après que Pollock ait déplacé son atelier hors de cette pièce vers la grange inachevée sur la propriété. À la mort de Pollock, Krasner s’installa dans la grange, se permettant enfin de travailler sur des toiles de taille monumentale, dont certaines seront exposées dans cette rétrospective. Pourtant, comme tout visiteur chanceux de cette exposition le constatera sans doute, l’échelle n’est qu’un aspect de son œuvre — et elle a peu à voir avec la perspicacité qui a fait de Krasner une pionnière dès le départ, et une maîtresse jusqu’à la fin.

Trouver son chemin

Lena Krasner est née le 27 octobre 1908. Sa première inclination vers une carrière artistique est apparue mystérieusement à l’âge de 13 ans, lorsqu’en postulant pour le secondaire, elle a griffonné le mot « art » lorsqu’on lui a demandé son domaine d’études préféré. Bien qu’elle ait plus tard avoué ne pas savoir ce qu’elle pensait en choisissant cette voie, cela l’a néanmoins propulsée vers un destin des plus épanouissants — un destin pour lequel elle était parfaitement faite. Une chose pour laquelle elle n’était cependant pas faite, c’était de suivre ce qu’elle percevait comme des ordres insensés. Tout au long de ses études au secondaire, à Cooper Union, à l’Académie Nationale de Design, à la Ligue des Étudiants en Art, et même lors de ses études avec Hans Hofmann, elle fut à plusieurs reprises réprimandée, et même expulsée une fois, pour être ce qu’un professeur décrivait comme « toujours une source d’ennuis », quelqu’un qui « insiste pour faire à sa manière malgré les règles de l’école ».

Lee Krasner - Imperative, 1976. Galerie Nationale d’Art, Washington D.C. © The Pollock-Krasner Foundation. Avec l’aimable autorisation de la Galerie Nationale d’Art, Washington D.C.

Sa persévérance a pu contrarier ses professeurs, mais elle l’a poussée sans peur vers la découverte de sa propre voix unique. Lorsque le Musée d’Art Moderne ouvrit en 1929, elle le décrivit comme « un bouleversement pour moi ». Elle prit conscience pour la première fois des tendances de l’art européen vers l’abstraction et le formalisme, et sut immédiatement que le régionalisme américain n’était pas pour elle. Elle adopta le Cubisme et les leçons des enseignants du Bauhaus, et se tourna vers toutes les positions avant-gardistes qu’elle pouvait absorber, cherchant toujours cependant sa propre voix. Lorsqu’elle rencontra Pollock, elle s’efforça d’absorber ses théories, les ajoutant au tourbillon d’idées dans sa propre tête. Pourtant, comme le montre une peinture intitulée « Igor » de 1943, alors que Pollock gagnait en notoriété pour son travail révolutionnaire, Krasner s’affirmait avec force. Les formes biomorphiques tourbillonnantes et les lignes gestuelles dans « Igor » se combinent pour créer une composition inspirée par la nature, mais énergiquement abstraite. Contrairement à tout ce que faisaient les autres artistes de sa génération à l’époque, elle annonce le travail brillant et mature que Krasner réalisera des décennies plus tard.

Lee Krasner - Palingenesis, 1971. Collection Pollock-Krasner Foundation. © The Pollock-Krasner Foundation. Avec l’aimable autorisation de la Galerie Kasmin, New York.

Se retrouver

À certains égards, on pourrait soutenir que Krasner a produit son travail le moins intéressant durant son mariage avec Pollock. En imitant son style « all-over », elle s’éloigna des instincts qu’elle commençait à découvrir en elle-même avec des peintures comme « Igor ». Durant leurs années les plus difficiles financièrement, Krasner gratta même la peinture de ses toiles pour que Pollock ait plus de surfaces à peindre — un fait qui scandalisa ses amis, mais ne dérangea pas Krasner du tout. Les toiles qu’elle ne gratta pas, elle les déchira elle-même plus tard, les utilisant comme matériaux bruts pour de nouveaux collages. Après la mort de Pollock, Krasner retourna à sa propre vision antérieure. L’œuvre intitulée à juste titre « Re-echo » (1957), peinte l’année suivant la mort de Pollock, renvoie directement au langage esthétique de « Igor ». D’autres compositions de cette année-là comme « Listen » et la monumentale « The Seasons » donnent vie pleinement à cette vision unique et singulière.

Lee Krasner - Icarus, 1964. Collection Thomson Family, New York. © The Pollock-Krasner Foundation. Avec l’aimable autorisation de la Galerie Kasmin, New York. Photographie par Diego Flores.

Au cours des 30 années suivantes, Krasner explora méticuleusement et avec ferveur tous les aspects de son style personnel. Elle le simplifia dans une série éblouissante de sérigraphies dans les années 1970 ; elle le combina avec des positions modernistes précoces comme le Futurisme dans des œuvres telles que « Imperative » (1976) ; elle l’ouvrit à l’effet de nouveaux médiums dans sa série « Water » (1969) ; et elle le boucla enfin tard dans sa vie avec un chef-d’œuvre néo-cubiste sans titre créé en 1984, qui synthétise peinture, dessin au fusain et collage en une composition exprimant presque toutes les évolutions stylistiques de sa vie en une seule déclaration profonde et élégante. Une photographie prise de Krasner devant cette œuvre — la dernière connue qu’elle ait créée — la montre souriante avec fierté, les lignes joyeuses de son visage magnifiquement mûr faisant écho aux lignes dynamiques de la peinture accrochée derrière elle. Cette image d’une véritable pionnière et maîtresse souriante, satisfaite de ses accomplissements singuliers, est ce que Lee Krasner : Couleur Vivante espère enfin faire vivre. Lee Krasner : Couleur Vivante sera visible à la Galerie d’Art du Barbican, Londres, Royaume-Uni, du 30 mai au 1er septembre 2019.

Image en vedette : Lee Krasner - Another Storm, 1963. Collection privée. © The Pollock-Krasner Foundation. Avec l’aimable autorisation de la Galerie Kasmin, New York.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio