Approches abstraites de l’art italien moderne

La plupart des personnes qui étudient l'histoire de l'art italien apprennent à connaître les maîtres classiques de la Haute Renaissance et des périodes baroques, tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Caravage. Moins nombreux sont ceux qui entendent parler des mouvements de l'art moderne italien comme Arte Povera et le Spacialisme, ou des maîtres contemporains italiens comme Ettore Spalletti. Pour comprendre l'histoire complète de l'art italien, il est essentiel d'étudier les nombreuses façons dont les artistes italiens ont contribué au modernisme. Certains mouvements modernistes italiens ont été de nature figurative, comme Arte Nucleare, qui affrontait les horreurs de la puissance atomique après la Seconde Guerre mondiale, et Transavantgarde, une version italienne du néo-expressionnisme apparue dans les années 1970. Et au moins un mouvement moderniste italien, Novecento Italiano, était régressif, embrassant le fascisme et prônant un retour aux styles anciens, réalistes et classiques. Mais l'Italie a aussi été le berceau de plusieurs mouvements d'art abstrait moderniste qui ont profondément influencé les tendances internationales de l'art contemporain. Bien que la liste des artistes associés à ces mouvements soit trop longue pour être couverte dans un seul article, voici une introduction à quelques-uns des principaux mouvements abstraits de l'art moderne italien, ainsi qu'à certains artistes qui les ont aidés à se définir.

Futurisme italien

Sur une route de campagne près de Milan en 1909, Filippo Tommaso Marinetti a eu un accident de voiture en déviant pour éviter un cycliste et a terminé dans un fossé. Marinetti s'est mis en colère à cause de cet incident. Il en voulait au vélo, qu'il trouvait trop lent. Il était fanatique de la vitesse et de la puissance et croyait que les routes devaient appartenir aux machines de la nouvelle ère. Il faisait partie de la génération audacieuse de jeunes artistes italiens qui allaient bientôt être connus sous le nom de futuristes.

Après son accident, Marinetti a écrit un essai publié dans des journaux en Italie et en France. Il est devenu connu sous le nom de Manifeste futuriste et décrivait avec passion la frustration que ces jeunes artistes ressentaient sous le poids de l'histoire. Il exprimait le désir de « libérer l'Italie de sa gangrène de professeurs, d'archéologues, de guides et d'antiquaires. » Il prônait la force mécanique, la violence et la guerre, et suggérait que les artistes modernes devaient embrasser le nouveau monde industrialisé et détruire toutes les traditions et institutions du passé.

Umberto Boccioni - Formes uniques de continuité dans l’espace, 1913, deux vues

Art futuriste italien

Dans leur art, les futuristes italiens s'efforçaient de représenter le mouvement et la vitesse. Ils dépeignaient le chaos de la ville et les visions d’un monde en rapide et violent changement. Un principe clé du futurisme italien était connu sous le nom de dynamisme, ou l'expérience combinée de la vitesse, du mouvement et du son. Giacomo Balla était l’un des maîtres du dynamisme. Ses premiers essais de cette technique étaient figuratifs, mais son style est rapidement devenu plus abstrait à mesure qu’il abordait le dynamisme à travers les qualités formelles de la peinture telles que la couleur, la ligne et la forme. Un exemple clé est la peinture Vitesse abstraite + Son, de 1914.

Umberto Boccioni fut un autre maître futuriste du dynamisme. Peintre accompli, Boccioni créa l’une des peintures futuristes les plus célèbres, intitulée La ville qui s’élève. Mais avec le temps, il s'intéressa au défi de présenter ce qu’il appelait la « succession », ou la sensation de mouvement dans l’espace physique, en trois dimensions. Il réalisa ce but de manière la plus célèbre dans sa sculpture abstraite Formes uniques de continuité dans l’espace, créée en 1913.

Lucio Fontana - Concept spatial, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milan

Spacialisme

Une génération après les futuristes, le mouvement majeur suivant de l’art abstrait moderniste italien débuta, initié par un artiste nommé Lucio Fontana. Originaire d’Argentine, Fontana s’intéressait principalement à exprimer les qualités et l’essence de l’espace. Il était fasciné par la manière dont la forme pouvait occuper l’espace, contenir l’espace et ouvrir l’accès à l’espace. On le qualifie souvent de peintre puisque ses œuvres les plus célèbres sont accrochées au mur. Mais Fontana fut formé à l’origine comme sculpteur, et il considérait ses soi-disant peintures comme défiant la définition de l’art bidimensionnel.

En 1946, il écrivit un essai appelé le Manifeste blanc, qui appelait ouvertement à la fin des définitions traditionnelles de l’art en deux et trois dimensions. Il encourageait plutôt la synthèse en art. Dans son manifeste, Fontana décrivait comment les définitions traditionnelles « statiques » de l’art telles que la peinture et la sculpture n’étaient plus adéquates pour une époque dominée par « le principe dynamique du mouvement à travers le temps et l’espace ». Grâce à cette vision transformatrice, Fontana créa de nombreuses innovations. Il réalisa certains des premiers exemples d’art d’installation et, à la fin des années 1940, atteignit la manifestation ultime de sa pensée lorsqu’il commença à construire des toiles qu’il entaillait ensuite au couteau. Son œuvre Concetto spaziale – Attesa, une toile monochrome rouge avec une seule entaille au centre, est considérée comme l’apogée de la pensée spacialiste, car elle réussit à créer la forme à partir de l’espace.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milan

Arte Povera

L’un des mouvements d’art abstrait moderniste les plus transformateurs du XXe siècle est né en Italie dans les années 1960. Il s’appelait Arte Povera, ou art pauvre, en raison de la tendance de ses praticiens à utiliser des matériaux communs et des sujets quotidiens. Le mouvement est initialement né en réaction à d’autres tendances modernistes telles que le minimalisme, qui mettait l’accent sur les procédés industriels et cherchait à éliminer la personnalité de l’artiste dans l’œuvre. Les artistes associés à Arte Povera voulaient reconnecter l’art à la vie quotidienne.

Pour se relier au banal, à l’ordinaire et au quotidien, ces artistes ont tenté de créer des moments uniques d’interaction entre les objets d’art qu’ils fabriquaient et les spectateurs qui les rencontraient. Ils faisaient de l’art qui, bien qu’abstrait, communiquait des messages simples et directs. Ils utilisaient des matériaux naturels, tactiles, préindustriels, faciles à comprendre, tels que la corde, la terre, le tissu et même des excréments. Au milieu de mouvements artistiques contemporains dédiés à éliminer l’émotion et l’individualisme de l’art, ces artistes soulignaient l’importance de l’humanité tant de l’artiste que du spectateur, et invitaient ouvertement le public à interagir directement avec leur art.

Pino Pascali - Vers à soies

Les artistes d’Arte Povera

Piero Manzoni est considéré comme le père d’Arte Povera, bien qu’il soit décédé à 29 ans en 1963, avant de pouvoir être inclus dans ses grandes expositions. Par son travail, Manzoni détruisit l’illusion que l’art et la vie sont séparés en impliquant directement les spectateurs dans son art. Dans une œuvre intitulée Consommation d’art dynamique par le public dévoreur d’art, Manzoni « signa » des œufs durs avec son empreinte digitale puis invita les spectateurs à les manger. Dans une œuvre appelée Magisk Sokkel, néerlandais pour Étagère magique, il invita les spectateurs à participer en se tenant debout sur un piédestal, les transformant en sculptures vivantes.

D’autres artistes d’Arte Povera n’impliquaient pas directement le public, mais créaient des œuvres conçues intentionnellement pour suggérer une interaction avec le spectateur. Pino Pascali créa de grandes sculptures appelées Vers à soies, faites de brosses à poils que les spectateurs étaient encouragés à toucher. Et en 1965, Michelangelo Pistoletto exprima peut-être la parfaite incarnation du mariage entre l’art et la vie quotidienne. Son œuvre Structure pour parler debout (sans objets) consistait en une rampe installée dans une galerie sur laquelle les spectateurs pouvaient s’appuyer et poser leur pied en parlant.

Michelangelo Pistoletto - Structure pour parler debout (sans objets)

Art moderne italien contemporain

Aujourd’hui, les traditions du modernisme italien sont bien vivantes. Ettore Spalletti est l’un des artistes abstraits majeurs travaillant en Italie aujourd’hui. Il est vaguement associé aux idées fondamentales d’Arte Povera, bien que son travail soit nettement différent de la plupart des membres de ce groupe. Artiste pluridisciplinaire, Spalletti crée des objets qui traitent de l’essence de la couleur. Il s’engage dans un processus laborieux impliquant l’application de multiples couches de peinture faite à la main jusqu’à ce que la nature essentielle de la couleur qu’il cherche se révèle. C’est à ce moment fugace où la couleur apparaît enfin qu’il arrête son processus.

Les objets que crée Spalletti projettent une luminosité éthérée. Ils semblent être des instants capturés d’un lever de soleil ou des reflets de lumière sur la surface de l’eau figés dans le temps. En plus d’exposer ses œuvres dans des galeries et musées, Spalletti a aussi créé des environnements intérieurs entiers dans des lieux tels qu’un funérarium et une chapelle. Peut-être est-ce à partir de telles expressions, qui se rapportent à la vie quotidienne, qu’il continue son association avec Arte Povera. Mais Spalletti est aussi une voix unique dans l’art abstrait contemporain italien. Lui et ses nombreux contemporains dans la communauté italienne de l’art abstrait d’aujourd’hui entretiennent un lien avec chacun des mouvements influents de l’art italien du passé. Et surtout, comme leurs prédécesseurs, ils continuent de maintenir vivante la tradition de placer l’art italien à l’avant-garde de la pensée moderniste innovante.

Image en vedette : Giacomo Balla - Vitesse abstraite + Son, 1913-1914. Huile sur carton non verni dans un cadre peint par l’artiste. 54,5 x 76,5 cm (21 1/2 x 30 1/8 po). Fondation Solomon R. Guggenheim Collection Peggy Guggenheim, Venise, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio