Approches abstraites de l’art italien moderne

La plupart des personnes qui étudient l'histoire de l'art italien apprennent à connaître les maîtres classiques de la Haute Renaissance et des périodes baroques, tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Caravage. Moins de gens entendent parler des mouvements d'art moderne italien comme l'Arte Povera et le Spatialisme, ou des maîtres contemporains italiens comme Ettore Spalletti. Pour comprendre l'histoire complète de l'art italien, il est essentiel d'étudier les nombreuses façons dont les artistes italiens ont contribué au modernisme. Certains mouvements modernistes italiens ont été de nature figurative, comme l'Arte Nucleare, qui a confronté les horreurs de l'énergie atomique dans l'après-guerre, et Transavantgarde, une version italienne du néo-expressionnisme qui est apparue dans les années 1970. Et au moins un mouvement moderniste italien, Novecento Italiano, était régressif, embrassant le fascisme et plaidant pour un retour aux styles anciens, réalistes et classiques. Mais l'Italie a également été le berceau de plusieurs mouvements d'art moderne abstrait qui ont profondément influencé les tendances de l'art contemporain international. Bien que la liste des artistes associés à ces mouvements puisse être trop longue pour être couverte dans un seul article, voici un primer de départ sur quelques-uns des principaux mouvements d'art moderne abstrait italien, et certains des artistes qui ont contribué à les définir.

Le futurisme italien

En 1909, sur une route de campagne à l'extérieur de Milan, Filippo Tommaso Marinetti a percuté sa voiture dans un fossé après avoir fait un écart pour éviter un cycliste. Marinetti est devenu furieux de l'incident. Il n'aimait pas le vélo lent. Il était fanatique de vitesse et de puissance et pensait que les routes devraient appartenir aux machines du nouvel âge. Il faisait partie de la génération impétueuse de jeunes artistes italiens qui seraient bientôt connus sous le nom de futuristes.

À la suite de son accident de voiture, Marinetti a écrit un essai qui a été publié dans des journaux italiens et français. Il est devenu connu sous le nom de Manifeste futuriste et décrit avec passion et détail la frustration ressentie par ces jeunes artistes sous le poids de l’histoire. Il parlait de vouloir « délivrer l'Italie de sa gangrène de professeurs, d'archéologues, de guides et d'antiquaires. » Il épousait la force mécanique, la violence et la guerre, et suggérait que les artistes modernes devraient adopter le nouveau monde industrialisé et détruire toutes les traditions et institutions du passé.

Umberto Boccioni - Formes uniques de continuité dans l'espace, 1913, deux vues

L'art futuriste italien

Dans leur art, les Futuristes italiens s'efforçaient de représenter le mouvement et la vitesse. Ils dépeignaient le chaos de la ville et des visions d'un monde en changement rapide et violent. Un principe clé du Futurisme italien était connu sous le nom de Dynamisme, ou l'expérience combinée de la vitesse, du mouvement et du son. Giacomo Balla était l'un des maîtres du Dynamisme. Ses premiers efforts dans cette technique étaient figuratifs, mais son style est rapidement devenu plus abstrait alors qu'il évoluait pour aborder le Dynamisme à travers les qualités formelles de la peinture telles que la couleur, la ligne et la forme. Un exemple clé est le tableau Vitesse Abstraite + Son, de 1914.

Umberto Boccioni était un autre maître futuriste du dynamisme. Peintre accompli, Boccioni a créé l'une des peintures futuristes les plus célèbres, intitulée La ville s'élève. Mais au fil du temps, il s’est intéressé au défi de présenter ce qu’il appelle la « succession », ou la sensation de mouvement à travers l’espace physique, dans un espace tridimensionnel. Il a notamment réalisé cet objectif dans sa sculpture abstraite Formes uniques de continuité dans l'espace, créée en 1913.

Lucio Fontana - Concept spatial, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milan

Spatialisme

Une génération après les Futuristes, le prochain grand mouvement artistique moderne abstrait italien a commencé, initié par un artiste nommé Lucio Fontana. Originaire d'Argentine, Fontana s'intéressait principalement à l'expression des qualités et de l'essence de l'espace. Il était intrigué par la façon dont la forme pouvait occuper l'espace, contenir l'espace et ouvrir l'accès à l'espace. Il est souvent considéré comme un peintre puisque ses œuvres les plus célèbres sont accrochées au mur. Mais Fontana a été formé à l'origine comme sculpteur, et il considérait ses soi-disant peintures comme défiant la définition de l'art bidimensionnel.

En 1946, il écrit un essai intitulé Le Manifeste blanc, qui appelle ouvertement à la fin des définitions traditionnelles de l’art à deux et trois dimensions. Il a plutôt encouragé la synthèse dans l’art. Dans son manifeste, Fontana décrit comment les définitions traditionnelles « statiques » de l'art telles que la peinture et la sculpture n'étaient plus adaptées à une époque dominée par « le principe dynamique du mouvement à travers le temps et l'espace ». Grâce à cette perspective transformatrice, Fontana a créé de nombreuses innovations. Il a réalisé certains des premiers exemples d'installations artistiques et, à la fin des années 1940, a atteint la manifestation ultime de sa pensée lorsqu'il a commencé à construire des toiles qu'il a ensuite découpées avec un couteau. Sa pièce Concetto spaziale – Attesa, une toile rouge monochrome avec une seule entaille de couteau au centre de celle-ci, est considérée comme l'incarnation de la pensée spatialiste, car elle réussit à créer une forme à partir de l'espace.

Lucio Fontana - Concept spatial – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milan

Mauvais art

L'un des mouvements artistiques abstraits modernistes les plus transformateurs du 20ème siècle est né en Italie dans les années 1960. Il s'appelait Arte Povera, ou art pauvre, en raison de la tendance de ses praticiens à s'appuyer sur des matériaux courants et des sujets quotidiens. Le mouvement est initialement né d'une résistance à d'autres tendances artistiques modernistes telles que le minimalisme, qui mettait l'accent sur les processus industriels et tentait d'éliminer la personnalité de l'artiste de l'œuvre. Les artistes associés à l'arte povera voulaient reconnecter l'art à la vie quotidienne.

Afin de se connecter avec le banal, le banal et le quotidien, ces artistes ont tenté de créer des moments uniques d'interaction entre les objets d'art qu'ils ont fabriqués et les spectateurs qui les ont rencontrés. Ils ont créé des œuvres d’art qui, bien qu’abstraites, communiquaient des messages directs simples. Ils utilisaient des matériaux préindustriels faciles à comprendre, naturels, tactiles, tels que de la corde, de la terre, du tissu et même des excréments. Au milieu de mouvements artistiques concurrents voués à éliminer l'émotion et l'individualisme de l'art, ces artistes ont souligné l'importance de l'humanité de l'artiste et du spectateur, et ont ouvertement invité le public à interagir directement avec leur art.

Pino Pascali - Vers à poils

Les artistes de l'Arte Povera

Piero Manzoni est considéré comme le père de l'Arte Povera, bien qu'il soit décédé à 29 ans en 1963, avant de pouvoir participer à ses grandes expositions. À travers son travail, Manzoni a détruit l'illusion selon laquelle l'art et la vie sont séparés en impliquant directement les spectateurs dans son art. Dans une pièce intitulée Consommation de l'art dynamique par le public dévoreur d'art, Manzoni a « signé » des œufs durs avec son empreinte de pouce, puis a invité les spectateurs à manger les œufs. Dans une œuvre intitulée Magisk Sokkel, néerlandais pour Magic Shelf, il a invité les spectateurs à participer en se tenant debout sur un piédestal, les transformant en sculptures vivantes.

D'autres artistes de l'Arte Povera n'impliquaient pas directement le public, mais créaient plutôt des œuvres intentionnellement conçues pour suggérer une interaction avec le spectateur. Pino Pascalo a créé des Bristleworms à grande échelle, qui étaient des sculptures ressemblant à des vers faites de brosses à poils que les spectateurs étaient encouragés à toucher. Et en 1965, Michelangelo Pistoletto exprime ce qui est peut-être l'itération parfaite du mariage de l'art et de la vie quotidienne. Son œuvre Structure for Talking While Standing (Minus Objects) consistait en une balustrade installée dans une galerie sur laquelle les spectateurs pouvaient s'appuyer et poser le pied tout en parlant.

 Michelangelo Pistoletto - Structure pour parler debout (moins les objets)

Art italien moderne contemporain

Aujourd’hui, les traditions du modernisme italien sont bien vivantes. Ettore Spalletti est l'un des principaux artistes abstraits travaillant aujourd'hui en Italie. Il est vaguement associé aux idées fondamentales de l’Arte Povera, bien que son travail soit résolument différent de celui de la plupart des membres de ce groupe. Artiste multidisciplinaire, Spalletti fabrique des objets qui traitent de l'essence de la couleur. Il s'engage dans un processus laborieux impliquant l'application de plusieurs couches de peinture faite à la main jusqu'à ce que la nature essentielle de la couleur recherchée se révèle. C’est à cet instant fugace où la couleur apparaît enfin qu’il arrête son processus.

Les objets que Spalletti réalise projettent une luminosité éthérée. Ils ressemblent à des moments capturés lors d’un lever de soleil ou à des lueurs de lumière sur la surface de l’eau figée dans le temps. En plus d'exposer ses œuvres dans des galeries et des musées, Spalletti a également créé des environnements intérieurs entiers dans des lieux tels qu'une morgue et une chapelle. C'est peut-être à partir de ces expressions, liées à la vie quotidienne, qu'il poursuit son association avec l'Arte Povera. Mais Spalletti est aussi une voix unique dans l’art abstrait contemporain italien. Lui et ses nombreux contemporains de la communauté italienne de l’art abstrait d’aujourd’hui entretiennent des liens avec chacun des mouvements artistiques italiens influents du passé. Et surtout, comme leurs prédécesseurs, ils continuent de perpétuer la tradition de placer l’art italien à l’avant-garde de la pensée moderniste innovante.

Image en vedette : Giacomo Balla - Vitesse abstraite + son, 1913-1914. Huile sur carton non vernis dans un cadre peint par l'artiste. 21 1/2 x 30 1/8 po (54,5 x 76,5 cm). Fondation Solomon R. Guggenheim Collection Peggy Guggenheim, Venise, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio