Découper la toile - L'histoire de Lucio Fontana

L'art abstrait crée des questions, pas des réponses. Ainsi, il invite à l’attaque. Tout le monde n’aime pas les questions. Les gens ne désirent souvent de l’art que le confort et la beauté. Mais de nombreux artistes abstraits ne sont pas tant des décorateurs-consolateurs que des philosophes-scientifiques : des gens qui cherchent à expérimenter et à interpréter l’univers, et pas seulement à l’habiller. Lucio Fontana était l'un de ces artistes. En tant que fondateur d'une technique révolutionnaire appelée Spazialismo, ou Spatialisme, Fontana était profondément préoccupé par les manières pratiques de créer de l'art qui confrontaient les propriétés mystérieuses de l'espace. Il était curieux de savoir comment les formes habitaient l'espace, comment elles pouvaient contenir l'espace et comment, en éliminant la masse, l'espace pouvait être créé. Il était particulièrement fasciné par la façon dont un trou dans une forme pouvait créer un vide à travers lequel l'expérience de l'espace pouvait s'étendre. Mais le Spazialismo ne se limitait pas à ces questions académiques. Comme l'a dit Fontana en 1967, en référence au fait que les humains voyageaient alors régulièrement dans l'espace à bord de fusées : « Maintenant, dans l'espace, il n'y a plus aucune mesure. Maintenant vous voyez l'infini… voici le vide, l'homme est réduit à néant… Et mon art aussi est tout basé sur cette pureté, sur cette philosophie du rien, qui n'est pas un rien destructeur, mais un rien créateur. »

Lucio Fontana et l'art multidisciplinaire

C'est une erreur historique que Lucio Fontana soit principalement considéré comme un peintre. Il a été formé en tant que sculpteur. Il est né en Argentine en 1899 d'un père sculpteur qui a d'abord appris à Lucio les bases de son métier. Après des décennies de travail aux côtés de son père, Lucio a déménagé à Milan en 1927 et s'est inscrit en tant qu'étudiant en sculpture à l'Académie de Brera. Il a eu sa première exposition sculpturale à l'âge de 31 ans dans une galerie milanaise. Se qualifiant de sculpteur abstrait, il a rejoint l'association d'artistes Abstraction-Création en 1935, et dans les années 1940, il est retourné en Argentine où il a enseigné la sculpture et a continué à réaliser des œuvres tridimensionnelles.

En vérité, Fontana a travaillé presque exclusivement dans le domaine de la sculpture jusqu'en 1948. Et même alors, lorsqu'il a commencé à fabriquer des objets ressemblant à des peintures, il a insisté sur le fait qu'il ne s'agissait pas de peintures mais plutôt de « une nouveauté en sculpture. ». Mais même ainsi, si nous étions fidèles aux intentions de Fontana en tant qu'artiste, nous ne le qualifierions pas non plus de sculpteur. Nous l’appellerions simplement un artiste, et peut-être un explorateur de l’espace.

Lucio Fontana - Personnage dans le miroir. Céramique. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Le Manifeste Blanc

En 1946, Fontana avait décidé que les définitions de la sculpture et de la peinture n'étaient plus suffisantes pour s'adapter à la nature théorique de son travail. Il a dirigé un groupe d'artistes et d'étudiants dans la création de ce qu'il a appelé le Manifeste blanc, le premier d'une série de documents que Fontana contribuerait à rédiger et qui, espérait-il, répondraient à la nécessité d'une nouvelle approche de l'art. Le Manifeste blanc a attiré l'attention sur la nécessité pour l'art d'être en phase avec les autres activités intellectuelles de l'époque. Il a souligné que les développements scientifiques et philosophiques récents étaient axés sur l'idée de synthèse, selon laquelle différentes idées devaient être combinées pour former un point de vue unifié.

Fontana a préconisé une approche « synthétique » similaire à la création artistique, une approche qui synthétiserait ce qu'il appelle les « formes d'art « statiques » traditionnelles » afin de créer une méthode complète d'expression esthétique qui « implique le principe dynamique du mouvement à travers le temps et l'espace. Avec les idées exprimées dans le Manifeste Blanc, Fontana a essentiellement inventé l'art multidisciplinaire : la perspective selon laquelle un artiste devrait être capable de travailler sur tous les supports, en utilisant la méthode la mieux adaptée à une idée particulière.

Lucio Fontana - Environnement spatial, éclairé. © Lucio Fontana

Aventures dans l'espace

Plus tôt dans sa carrière, Fontana avait été critiqué pour avoir peint ses formes sculpturales abstraites dans des couleurs vives et apparemment aléatoires. Il a répondu qu'il tentait d'utiliser la couleur pour engager les œuvres dans leur environnement, pour combler l'espace entre l'objet et le spectateur. Il a continué à répondre à cette préoccupation tout au long de sa carrière. Il voulait que l'espace lui-même se manifeste sous forme de forme et devienne le sujet de son art. Mais il ne peut pas savoir comment cela pourrait être réalisé. Comme il l’a écrit un jour dans son journal, « aucune forme n’est spatiale ».

Lucio Fontana - Concept spatial, 1949. © Lucio Fontana

Mais en 1949, Fontana connut des avancées qui le rapprochèrent de son objectif. Le premier s'est manifesté sous la forme d'une œuvre intitulée Spatial Environment. Pour cet effort révolutionnaire, Fontana a assombri une pièce dans laquelle les murs étaient peints en noir et pendaient au plafond des formes abstraites en papier mâché peintes dans des couleurs néon qui brillaient lorsqu'elles étaient exposées à la lumière ultraviolette. Il a transformé l'espace d'exposition en une partie de l'œuvre d'art, créant une œuvre antérieure de plus d'une décennie à l'art de l'installation et au mouvement Lumière et Espace, tout en incarnant bon nombre de leurs concepts. Mais le sujet de l’œuvre n’était toujours pas l’espace, puisque l’accent était mis sur l’expérience du spectateur sur les formes sculpturales lumineuses.

Lucio Fontana - Concept spatial, 1950. Acrylique sur toile. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Concepts spatiaux

La percée suivante de Fontana a amené son travail dans une direction totalement opposée. Plutôt que de transformer une pièce entière en espace vide puis de la remplir d'un objet, il décide de prendre un objet et de l'utiliser comme point d'entrée dans l'espace. Il a tendu la toile sur des châssis comme pour réaliser une peinture traditionnelle, puis a percé des trous dans la toile avec un couteau avant d'appliquer une couche de peinture monochrome.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, avec perles de verre et pierres ajoutées. © Lucio Fontana

Bien qu'il s'agisse techniquement d'une peinture, les trous agissaient comme des vides dans la forme offrant un accès à l'espace derrière la toile. Ce simple geste a transformé le tableau en sculpture. Mais même si cela était en soi révolutionnaire et démontrait ses idées sur l’art multidisciplinaire, il pensait toujours que cela ne créait pas de forme à partir de l’espace. Fontana expérimente donc différentes expressions de la pensée générale. Il a percé des trous de manière à créer des cercles, des triangles et d'autres formes à la surface. Il a également ajouté des pierres, du verre et des cristaux à certaines toiles, étendant ainsi la surface vers l'extérieur dans l'espace tout en ouvrant l'espace au-delà.

Lucio Fontana - Concept spatial – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Une seule barre oblique

Dans les années 1950, Fontana a eu une révélation. Il a commencé à découper ses toiles, des œuvres qu'il appelait Tagli, ou coupes. Il a progressivement fait évoluer cette idée jusqu'à ce qu'en 1959, il arrive à ce qu'il considérait comme la manifestation ultime de l'expression : une seule entaille à travers une toile autrement monochromatique. C'est avec ce geste qu'il a accompli son objectif de créer une forme à partir de l'espace, disant en 1968 : "Ma découverte était le trou et c'est tout. Je suis heureux d'aller à la tombe après une telle découverte."

Fontana a donné le même nom à tous ses objets découpés : Concetto Spaziale, ou Space Concept. Lorsqu'il découvrit enfin la simplicité et l'élégance des longues barres obliques, il donna à ces peintures le sous-titre supplémentaire de attesa. En italien, attesa signifie attente ou attente pleine d'espoir. Comme il est clair, Fontana ne s’intéressait pas seulement à la façon dont les gens percevaient et concevaient l’espace. Il s'intéressait à la façon dont les gens se percevaient et se concevaient. En utilisant le vide, il a non seulement manifesté une forme hors de l'espace, mais il a également manifesté autre chose, quelque chose à la fois abstrait et concret : les attentes pleines d'espoir de ce qui se trouve au-delà d'une œuvre d'art.

Image présentée : Lucio Fontana - Corrida, 1948. Céramique peinte. © Lucio Fontana
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio