Découper la toile - L'histoire de Lucio Fontana

L’art abstrait suscite des questions, non des réponses. Il invite donc à la critique. Tout le monde n’aime pas les questions. Souvent, les gens attendent de l’art seulement du réconfort et de la beauté. Mais beaucoup d’artistes abstraits ne sont pas tant des décorateurs-consolateurs que des philosophes-scientifiques : des personnes cherchant à vivre et interpréter l’univers, pas seulement à l’habiller. Lucio Fontana fut un de ces artistes. En tant que fondateur d’une technique révolutionnaire appelée Spazialismo, ou Spatialisme, Fontana s’intéressait profondément aux moyens pratiques de créer un art confrontant les propriétés mystérieuses de l’espace. Il s’interrogeait sur la manière dont les formes occupent l’espace, comment elles peuvent contenir l’espace, et comment en éliminant la masse, l’espace pouvait être créé. Il était particulièrement fasciné par la façon dont un trou dans une forme pouvait créer un vide à travers lequel l’expérience de l’espace pouvait s’étendre. Mais le Spazialismo ne se limitait pas à ces questions académiques. Comme le disait Fontana en 1967, en référence au fait que les humains voyageaient alors régulièrement dans l’espace extra-atmosphérique à bord de fusées, « Maintenant dans l’espace il n’y a plus aucune mesure. Maintenant tu vois l’infini… voici le vide, l’homme est réduit à rien… Et mon art aussi repose entièrement sur cette pureté, sur cette philosophie du rien, qui n’est pas un rien destructeur, mais un rien créateur. »

Lucio Fontana et l’art pluridisciplinaire

C’est une erreur historique que de considérer Lucio Fontana principalement comme un peintre. Il a été formé comme sculpteur. Il est né en Argentine en 1899 d’un père sculpteur qui lui a d’abord enseigné les bases de son métier. Après des décennies passées à travailler aux côtés de son père, Lucio s’installa à Milan en 1927 et s’inscrivit comme étudiant en sculpture à l’Académie de Brera. Il présenta sa première exposition de sculptures à 31 ans dans une galerie milanaise. Se qualifiant lui-même de sculpteur abstrait, il rejoignit l’association d’artistes Abstraction-Création en 1935, et dans les années 1940 il retourna en Argentine où il enseigna la sculpture et continua à créer des œuvres en trois dimensions.

En vérité, Fontana travailla presque exclusivement dans le médium de la sculpture jusqu’en 1948. Et même lorsqu’il commença à créer des objets ressemblant à des peintures, il insista sur le fait qu’il ne s’agissait pas de peintures mais plutôt d’« une nouvelle chose en sculpture. » Pourtant, si l’on veut être fidèle aux intentions complètes de Fontana en tant qu’artiste, on ne devrait pas non plus l’appeler sculpteur. On devrait simplement l’appeler artiste, et peut-être explorateur de l’espace.

Lucio Fontana - Figura allo specchio. Céramique. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Le Manifeste Blanc

En 1946, Fontana avait décidé que les définitions de la sculpture et de la peinture n’étaient plus suffisantes pour accueillir la nature théorique de son travail. Il mena un groupe d’artistes et d’étudiants dans la création de ce qu’il appela le Manifeste Blanc, le premier de plusieurs documents que Fontana contribua à rédiger et qui, espérait-il, répondraient au besoin d’une nouvelle approche de l’art. Le Manifeste Blanc soulignait la nécessité que l’art soit en accord avec les autres recherches intellectuelles de l’époque. Il mettait en lumière que les développements scientifiques et philosophiques récents se concentraient sur l’idée de synthèse, que différentes idées devaient être combinées pour former un point de vue unifié.

Fontana prônait une approche « synthétique » similaire pour la création artistique, une approche qui synthétiserait ce qu’il appelait les « formes d’art ‘statiques’ traditionnelles » afin de créer une méthode complète d’expression esthétique qui « impliquerait le principe dynamique du mouvement à travers le temps et l’espace ». Avec les idées exprimées dans le Manifeste Blanc, Fontana inventa essentiellement l’art pluridisciplinaire : la perspective selon laquelle un artiste devrait pouvoir travailler dans tous les médiums, en utilisant la méthode la mieux adaptée à une idée particulière.

Lucio Fontana - Environnement spatial, éclairé. © Lucio Fontana

Aventures dans l’espace

Au début de sa carrière, Fontana avait été critiqué pour peindre ses formes sculpturales abstraites avec des couleurs vives, apparemment aléatoires. Il répondit qu’il tentait d’utiliser la couleur pour engager les œuvres avec leur environnement, pour faire le lien entre l’objet et le spectateur. Il continua à s’intéresser à cette question tout au long de sa carrière. Il voulait que l’espace lui-même se manifeste comme forme et devienne le sujet de son art. Mais il ne savait pas comment cela pourrait être accompli. Comme il l’écrivit un jour dans son journal, « aucune forme n’est spatiale. »

Lucio Fontana - Concept spatial, 1949. © Lucio Fontana

Mais en 1949, Fontana connut des percées qui le rapprochèrent de son but. La première se manifesta sous la forme d’une œuvre appelée Environnement spatial. Pour cette réalisation novatrice, Fontana assombrit une pièce dont les murs étaient peints en noir et suspendit au plafond des formes abstraites en papier mâché peintes en couleurs néon qui brillaient sous la lumière ultraviolette. Il transforma l’espace d’exposition en partie intégrante de l’œuvre d’art, créant une œuvre qui précéda l’art d’installation et le Mouvement Lumière et Espace de plus d’une décennie, tout en incarnant nombre de leurs concepts. Mais le sujet de l’œuvre n’était toujours pas l’espace, puisque l’attention portée à l’expérience du spectateur se concentrait sur les formes sculpturales lumineuses.

Lucio Fontana - Concept spatial, 1950. Acrylique sur toile. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Concepts spatiaux

La percée suivante de Fontana prit son travail dans une direction totalement opposée. Plutôt que de transformer une pièce entière en espace vide puis de la remplir d’un objet, il décida de prendre un objet et de l’utiliser comme point d’entrée dans l’espace. Il tendit une toile sur des châssis comme pour faire une peinture traditionnelle, puis perça des trous dans la toile avec un couteau avant d’appliquer une couche monochrome de peinture.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, avec perles de verre et pierres ajoutées. © Lucio Fontana

Bien que techniquement une peinture, les trous agissaient comme des vides dans la forme offrant un accès à l’espace derrière la toile. Ce simple geste transforma la peinture en sculpture. Mais bien que cela fût en soi révolutionnaire et démonstratif de ses idées sur l’art pluridisciplinaire, il estimait encore que cela ne créait pas la forme à partir de l’espace. Fontana expérimenta donc différentes expressions de cette idée générale. Il perça des trous de manière à créer des cercles, des triangles et d’autres formes à la surface. Il ajouta aussi des pierres, du verre et des cristaux à certaines toiles, étendant la surface vers l’extérieur dans l’espace tout en ouvrant aussi l’espace au-delà.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Une seule entaille

Dans les années 1950, Fontana eut une révélation. Il commença à trancher ses toiles, des œuvres qu’il appela Tagli, ou coupures. Il fit évoluer cette idée jusqu’à ce qu’en 1959 il arrive à ce qu’il considérait comme la manifestation ultime de cette expression : une seule entaille dans une toile par ailleurs monochrome. C’est avec ce geste qu’il accomplit son but de créer la forme à partir de l’espace, déclarant en 1968, « Ma découverte fut le trou et c’est tout. Je suis heureux d’aller à la tombe après une telle découverte. »

Fontana donna à tous ses objets entaillés le même nom : Concetto Spaziale, ou Concept spatial. Lorsqu’il découvrit enfin la simplicité et l’élégance des longues entailles, il donna à ces peintures le sous-titre supplémentaire d’attesa. En italien, attesa signifie attente, ou espérance pleine d’espoir. Comme il est clair, Fontana ne s’intéressait pas seulement à la manière dont les gens percevaient et concevaient l’espace. Il s’intéressait à la manière dont les gens percevaient et concevaient eux-mêmes. Par l’usage d’un vide, il manifesta non seulement la forme à partir de l’espace, mais aussi autre chose, quelque chose à la fois abstrait et concret : les attentes pleines d’espoir de ce qui se trouve au-delà d’une œuvre d’art.

Image en vedette : Lucio Fontana - Corrida, 1948. Céramique peinte. © Lucio Fontana
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio