Alain Clément : Le guide ultime du peintre du désir, de la couleur sculptée et de l’abstraction sensuelle

Peu d’artistes contemporains ont traversé les courants tumultueux de l’abstraction européenne d’après-guerre avec l’indépendance farouche, la rigueur structurelle et la vitalité physique de Alain Clément. Né en 1941, le maître français a consacré plus de six décennies à bâtir une œuvre monumentale qui embrasse avec élégance la peinture, l’estampe, les livres d’artiste et la sculpture en acier plié.

Alors que nombre de ses contemporains des années 1960 et 1970 cédaient au conceptualisme aride ou aux dogmes idéologiques rigides, Clément s’est forgé une voie profondément personnelle. Rejetant l’idée que la peinture abstraite doive être plate, dénuée d’émotion ou théorique, il a développé une esthétique radicale, centrée sur le corps, où s’entrechoquent de vastes rubans de couleur, une tension architecturale et une présence physique brute. Aujourd’hui, il se décrit explicitement comme un peintre du « désir », traduisant la tension érotique, la force vitale et la passion physique en métaphores abstraites de courbes féminines, de formes gonflées et d’arabesques ondulantes.

Qu’il travaille sur d’immenses toiles baignées de lumière méditerranéenne, découpe et plie des plaques d’acier de plusieurs tonnes dans des fonderies industrielles allemandes (jusqu’à récemment), ou imprime à la main de rares livres d’artiste, Alain Clément demeure l’un des plus grands maîtres vivants de France. Ce guide ultime explore sa vie, sa philosophie novatrice, son héritage sur le marché de l’art et son don historique au Centre Pompidou de Paris en 2025.

Alain Clément : l’essentiel

• Né : 1941 à Neuilly-sur-Seine, France

• Techniques principales : Huile sur toile, gouache sur papier, sculpture en acier découpé au laser et peint, gravure en taille-douce, monotypes

• Cercles et mouvements associés : Abstraction française d’après-guerre, Atelier 17, Éditions Fata Morgana, ABC Productions (indépendant et proche de Supports/Surfaces)

• Principaux lieux de travail : Nîmes, Paris, Berlin (jusqu’à récemment)

• Principales collections publiques : Centre Pompidou (Paris), CNAP / Palais Farnèse (Rome), Carré d’Art (Nîmes), Musée Fabre (Montpellier), Hamburger Kunsthalle (Allemagne), Kunsthalle Bremen (Allemagne), Nirox Foundation (Afrique du Sud)

• Concepts clés : Le « peintre du désir », le « faux geste » (Le faux geste) et le plan spatial déroulé

1. Genèse et racines intellectuelles (1941–1964)

Du dessin d’après modèle à Montparnasse à l’Atelier 17 de Hayter

Alain Clément passa ses premières années à Montrouge, près de Paris, dans un environnement métropolitain d’après-guerre avide de réinventer la culture visuelle. Lorsqu’il entreprit sa formation artistique officielle au début des années 1960, il contourna délibérément le cursus traditionnel, souvent étouffant, de l’École des Beaux-Arts. Il choisit plutôt deux institutions indépendantes légendaires qui privilégiaient la rigueur technique, le contact physique avec les matériaux et l’exploration sans entraves.

Tout d’abord, il perfectionna son dessin à Académie de la Grande Chaumière à Montparnasse. Réputée pour ses séances de dessin d’après modèle sans corrections et son affranchissement de la hiérarchie académique, la Grande Chaumière a appris à Clément à considérer le dessin non comme une esquisse préparatoire à la peinture, mais comme un langage autonome de tensions spatiales et d’arabesques fluides.

Ensuite, au début des années 1960, Clément rejoignit Atelier 17, le laboratoire de gravure de renommée mondiale situé à Paris et dirigé par le maître graveur britannique Stanley William Hayter. Célèbre pour avoir accueilli de grands artistes des années 1930 aux années 1950, tels que Pablo Picasso, Joan Miró, Max Ernst et Jackson Pollock, l’Atelier 17 demeura dans les années 1960 un creuset international d’innovations techniques, notamment dans l’impression en couleurs à viscosité simultanée et la gravure sur cuivre. Clément s’inscrivit dans cette lignée historique, maîtrisant la physique concrète de la presse d’imprimerie.

67M1P (produit en 1967 à l’Atelier 17) - Archives personnelles d’Alain Clément

La gravure comme matrice philosophique : analyse du « faux geste »

Pour Clément, apprendre la gravure allait bien au-delà de l’acquisition d’un savoir-faire : cela structura toute sa méthode créative, tout au long de sa vie.

Contrairement à l’action painting spontanée, la gravure en taille-douce exige une succession d’étapes, une résistance physique extrême et une anticipation calculée. L’artiste doit penser en étapes successives, calculer la manière dont l’acide mord la plaque de cuivre, dont la pression force l’encre à pénétrer dans le papier humide et dont les procédés mécaniques transforment les mouvements de la main. Comme Clément le rappellera plus tard, la résistance de la gravure oblige l’artiste à anticiper les résultats tout en acceptant que le processus physique fera inévitablement dévier l’intention purement conceptuelle, guidant la main vers des découvertes inattendues.

Cette dualité entre préparation architecturale et processus physique a conduit les critiques d’art et les historiens à analyser son œuvre à travers le concept interprétatif du « faux geste » (le faux geste). Bien que ses peintures de maturité paraissent éminemment spontanées, avec de larges rubans de peinture qui évoquent l’action painting, les critiques observent que chaque coup de pinceau est prémédité, calculé et architecturé. Ses gestes ne sont pas des accès de rage impulsifs, mais des structures hautement disciplinées, exécutées physiquement.

2. Mots, presses et espace public (1964–1977)

S’installer dans le Sud, Fata Morgana et Bulletin

En 1964, cherchant la lumière, l’espace et l’indépendance vis-à-vis du milieu artistique parisien, Clément s’installa dans le Sud de la France, près de Montpellier et de Sainte-Croix-de-Quintillargues. Se plongeant dans l’imprimerie traditionnelle, il acquit de lourds caractères en plomb et apprit la physique tactile de l’impression typographique et de la gravure sur cuivre.

En 1966, il cofonda la légendaire maison d’édition Éditions Fata Morgana aux côtés de Bruno Roy et de Claude Féraud.

Tourmente -  Michel Butor - Éditions Fata Morgana - 1968

Clément avait une opinion inflexible concernant les « livres d’artistes ». Il rejetait avec véhémence l’illustration traditionnelle, estimant que l’art visuel ne devait jamais se contenter de copier ou de paraphraser un texte écrit. Il considérait plutôt les estampes, les gouaches et les gravures comme des œuvres plastiques autonomes, qui dialoguent en parallèle avec la poésie. Fata Morgana publia des ouvrages monumentaux mettant à l’honneur des écrivains tels qu’André Breton, Roger Caillois et Michel Butor, accompagnés de contributions visuelles de Max Ernst, Joseph Sima et Pierre Alechinsky.

La relation littéraire de Clément avec le poète Frédéric Jacques Temple s’est étendue sur plus de cinq décennies, donnant naissance à des livres-objets radicaux comme L'Hiver (1966), un livre relié sur toile plié en accordéon, et se poursuivant jusqu’à Meschacebé (2020).

En 1971, élargissant ses activités théoriques et éditoriales, Clément a cofondé la revue d’art critique Bulletin (Pratique/Peinture/Théorie) aux côtés de l’artiste conceptuel légendaire Claude Rutault, publiant des essais consacrés aux protocoles et à la théorie de la peinture contemporaine.

Rejeter Supports/Surfaces et fonder ABC Productions

À la fin des années 1960, l’art français était dominé par la déconstruction politique. En 1967, Clément a exposé aux côtés des artistes qui allaient former le célèbre Supports/Surfaces mouvement (avec notamment Claude Viallat, Vincent Bioulès et Daniel Dezeuze), qui cherchait à réduire la peinture à ses composants bruts (toile non tendue, barres de bois, pigments bruts), sous la conduite d’une stricte théorie marxiste-maoïste.

Bien que Clément partage leur désir de contourner les galeries bourgeoises et les routines institutionnelles, il a fermement refusé de rejoindre Supports/Surfaces. Il rejetait leurs méthodes analytiques froides, répétitives et dépersonnalisées. Au contraire, Clément insistait sur la préservation de l’émotion individuelle, de la sensualité physique, de la joie chromatique et de l’énergie corporelle dans la peinture.

Exposition « 100 Artistes dans la Ville » (1970) – Photo d’archive d’Alain Clément lors de l’occupation artistique de l’espace public dans les rues de Montpellier, en mai 1970

Pour donner corps à sa vision d’un art public et immédiat, dénué d’idéologie dogmatique, Clément a cofondé ABC Productions en 1969 aux côtés de Tjeerd Alkema, Jean Azémard et Vincent Bioulès. En mai 1970, ABC Productions a organisé le légendaire événement de rue « 100 Artistes dans la Ville » à Montpellier. Le groupe s’est emparé des rues, des places et des façades historiques, transformant toute une ville en laboratoire à ciel ouvert. Cet événement historique fut si novateur qu’en 2019, le commissaire Nicolas Bourriaud et le musée MO.CO ont organisé une vaste commémoration internationale pour en célébrer l’héritage.

3. La percée nîmoise, l’expressionnisme et le peintre du désir (1977–1990)

L’appel de Nîmes et l’expressionnisme européen

En 1977, Clément a rejoint le corps enseignant de l’École des beaux-arts de Nîmes, s’installant définitivement dans cette ville romaine historique en 1979. Nîmes offrait un paysage baigné d’une lumière méditerranéenne éblouissante, entouré d’une architecture romaine antique (les Arènes, la Maison Carrée), qui a profondément influencé sa palette chromatique et son sens de l’échelle spatiale.

Clément a été directeur de l’École des beaux-arts de Nîmes de 1985 à 1990, la transformant en une institution internationale dynamique. Cependant, en 1990, il a démissionné de toutes ses fonctions universitaires et administratives pour se consacrer entièrement à son travail en atelier.

Alain Clément - Sans titre - 1979/1980

Au cours des années 1970 et 1980, Clément a synthétisé une gamme extraordinaire d’influences. Profondément marqué par l’expressionnisme abstrait américain (la sensualité charnelle de Willem de Kooning, les rythmes spatiaux de Jackson Pollock, les champs colorés de Barnett Newman et la géométrie de Frank Stella), il a également étudié les maîtres européens. Il s’est inspiré du Tintoret et d’Eugène Delacroix pour leur drame compositionnel tourbillonnant, ainsi que de Borromini et du Bernin pour leurs distorsions spatiales baroques. Son œuvre a suscité l’attention de grands critiques, notamment du philosophe Yves Michaud, qui a largement écrit sur l’œuvre de Clément (notamment sa monographie Pernod de 1988 et son ouvrage rétrospectif Actes Sud de 2001).

Refusant les peintures industrielles prémélangées, Clément a commencé à broyer lui-même ses pigments avec des huiles et des liants personnalisés dans son atelier, ajustant la densité et la viscosité de la peinture pour qu’elles répondent directement à la résistance physique de son pinceau.

L’architecture du désir : courbes féminines et sensualité organique

C’est dans cette synthèse entre intensité physique et calcul structurel qu’Alain Clément définit son impulsion créatrice fondamentale : Désir.

Lorsqu’il décrit la force motrice de son dévouement de toute une vie à la peinture et à la sculpture abstraites, Clément se définit fièrement comme un peintre du « Désir » (le peintre du désir). Pour Clément, le désir n’est pas un concept théorique abstrait ni un cliché romantique ; c’est le combustible brut et corporel qui pousse la main à marquer l’espace.

Bien que ses compositions soient non narratives et non mimétiques, sa grammaire visuelle est profondément charnelle. Les rubans de couleur broyée qui s’étirent, les boucles voluptueuses, les nœuds entrelacés et les arabesques élastiques fonctionnent comme des métaphores directes de courbes féminines, évoquant l’arc d’une hanche, la torsion d’un torse ou le rythme physique d’une étreinte. En insufflant à ses gestes abstraits le poids, le volume gonflé et la chaleur tactile de la température corporelle, Clément transforme l’espace abstrait en un champ vibrant de tension érotique et d’attraction vitale.

Alain Clement - 21 M6 P et 21 M11 P - 2021 - Vue d’exposition - Carré d’Art (Nîmes) 2026 - ©francis berthomier

La toile anti-greenbergienne : la couleur comme volume physique

Dans le domaine de la théorie de l’art, Alain Clément s’oppose directement à l’influent critique américain Clement Greenberg. Greenberg soutenait avec force que le destin ultime de la peinture moderne était la pureté absolue de la planéité en deux dimensions (planéité).

Clément, imprégné d’énergie baroque, de lumière méditerranéenne et de la métaphore de la sensualité féminine, a entièrement rejeté la planéité. Pour Clément, une toile doit posséder une profondeur spatiale, un poids physique et un volume vibrant.

Dans son langage visuel, la couleur n’est ni un aplat uniforme ni une brume atmosphérique comme chez Mark Rothko. Chaque couleur possède sa propre forme physique et son propre poids structurel. En opposant d’épaisses bandes lumineuses de couleur travaillée manuellement à l’espace négatif, il crée une illusion optique de profondeur : il creuse la toile vers l’arrière, jusqu’à l’infini, ou projette de lourds coups de pinceau en forme de rubans vers l’espace physique du spectateur.

4. Fuir la toile : la percée vers l’acier plié (1990 à aujourd’hui)

Des reliefs muraux à l’acier découpé

En 1990, après une exposition saluée à la Galerie Montenay à Paris, où ses formes peintes ont commencé à se fragmenter en réseaux translucides, Clément a ressenti le besoin physique de sortir du cadre bidimensionnel.

En 1994, il a créé ses premières œuvres tridimensionnelles à partir de douelles de fût en chêne courbées. En 1998, il est passé à des reliefs muraux complexes construits en MDF sculpté et polychrome.

Alain clement - Sans Titre - 2005 - Commanderie de Peyrassol

Cette évolution a atteint son apogée à la fin des années 1990 et au début des années 2000 avec sa percée tridimensionnelle emblématique : sculptures en acier découpé au laser et plié.

La sculpture comme peinture déroulée

Il est essentiel de comprendre que le passage de Clément à la sculpture ne constituait pas un abandon de la peinture, mais sa manifestation physique directe. Il ne sculpte pas en retirant de la pierre d’un bloc ni en modelant de l’argile à partir d’un noyau. Au contraire, il crée le volume en déployant un plan plat dans l’espace.

Son processus sculptural commence toujours sur papier par des dessins précis à la gouache. Ces motifs bidimensionnels en forme de rubans, qui font écho aux courbes féminines ondulantes de ses peintures, sont reportés grandeur nature sur de lourdes plaques d’acier industriel. Des lasers industriels haute puissance découpent le métal en suivant ses lignes tracées, tandis que des machines lourdes plient et tordent la tôle. Ce qui n’était qu’une ligne plane sur le papier devient un ruban d’acier aérien qui capte, enroule et structure l’espace atmosphérique.

La dialectique : comment la sculpture a transformé ses peintures

Le travail de l’acier lourd a eu un effet de rétroaction profond et inattendu sur ses peintures.

L’expérience concrète et physique du métal se déployant dans l’espace tridimensionnel a permis à Clément d’éliminer toute illusion décorative persistante de ses toiles. Lorsqu’il retournait à son chevalet, ses coups de pinceau peints devenaient plus audacieux, plus assurés et considérablement simplifiés. La maîtrise spatiale acquise en pliant l’acier a conféré à ses toiles à l’huile un impact frontal et une clarté architecturale sans précédent.

5. L’axe géographique : Nîmes, Paris et Berlin

Pendant des décennies, Alain Clément a travaillé selon un triangle géographique stratégique, entretenant des ateliers et des bases de production dans trois villes européennes : Nîmes, Paris et Berlin. Chaque lieu nourrissait une dimension spécifique de son travail :

Nîmes : l’atelier central et la lumière méditerranéenne

Nîmes demeure son ancrage émotionnel et physique. Situé dans le quartier Saint-Rémy, son vaste atelier principal abrite des décennies de toiles, d’études expérimentales sur papier et de prototypes en métal soudé. Baignée par le soleil méditerranéen intense, Nîmes est le lieu où ses couleurs atteignent leur clarté aveuglante, leur transparence et leur vitesse énergétique brute.

Alain Clément dans son atelier de sculpture – Nîmes – 2026 – ©Francis Berthomier

Atelier de peinture d’Alain Clément à Nîmes – 2026 – ©Francis Berthomier

Berlin : puissance industrielle et fabrication monumentale

L’Allemagne entretient depuis longtemps une profonde affinité intellectuelle et commerciale avec l’œuvre de Clément, admirant sa synthèse entre géométrie structurée et émotion picturale.

À Berlin et dans le cœur industriel rhénan, Clément a collaboré jusqu’à récemment avec de lourdes fonderies industrielles d’acier pour réaliser ses sculptures monumentales. Lorsque les plaques d’acier atteignaient 3 à 5 mètres de longueur, des grues industrielles, des découpeuses laser et des soudeurs chevronnés étaient nécessaires. Soutenu par de grandes galeries comme Die Galerie à Francfort et à Berlin, ces établissements allemands ont fourni la puissance d’ingénierie nécessaire pour transformer ses dessins sur papier de Nîmes en monuments d’acier de plusieurs tonnes.

Paris : Introspection et empreinte graphique

En réinstallant un atelier parisien permanent en 1997, la capitale lui offre un environnement concentré et introspectif. Sa production parisienne se caractérise souvent par une densité plus resserrée et plus graphique. Paris est également le centre de ses collaborations dans le domaine de l’estampe, notamment avec Galerie Catherine Putman, qui publie ses aquatintes complexes, ses monotypes et ses œuvres sur papier depuis 1993.

6. Héritage institutionnel et dons majeurs aux musées (Carré d’Art et Centre Pompidou)

Au cours d’une carrière de plus de 60 ans, Alain Clément s’est assuré une place permanente dans l’histoire internationale des musées.

Rétrospectives majeures dans les musées et espaces publics

• 1977: Musée Fabre, Montpellier (rétrospective majeure à mi-carrière)

• 1982: Galerie Jean Fournier, Paris (exposition majeure d’abstraction)

• 1984: Ludwig Museum, Aix-la-Chapelle, Allemagne (commande de plafond monumental)

• 1996 et 2017 : Musée d’Art Moderne de Céret (rétrospectives exhaustives)

• 1997 et 2001 : Carré d’Art – Musée d’Art Contemporain, Nîmes

• 2012: Hôtel des Arts, Toulon (présentation d’envergure de sculptures en acier et de toiles)

• 2012 et 2015 : Nirox Foundation Sculpture Park, Johannesburg, Afrique du Sud

• 2024: Halle des Sports de Nîmes (collaboration à l’échelle architecturale monumentale)

Sa présence publique est reconnue dans le monde entier : une toile monumentale de 1982 issue de la Collection nationale française (CNAP) est exposée à l’intérieur du prestigieux Palais Farnèse à Rome (l’ambassade de France en Italie), tandis que ses sculptures monumentales en acier ont orné le parvis du Grand Palais à Paris, la Commanderie de Peyrassol en Provence et des espaces publics dans toute l’Europe.

Les dons historiques : Carré d’Art de Nîmes et Centre Pompidou

La validation institutionnelle ultime pour un artiste vivant s’est concrétisée à travers deux dons majeurs ces dernières années :

Le don d’Élisabeth et Alain Clément au Carré d’Art (Nîmes) :

En 2024, Alain et Élisabeth Clément ont fait don de 16 œuvres majeures (peintures, sculptures en acier découpé au laser et gouaches sur papier) au Carré d'Art – Musée d'Art Contemporain de Nîmes. Destiné à compléter les collections existantes du musée couvrant sa carrière, ce don est mis à l’honneur dans une grande exposition dédiée au Carré d’Art, intitulée "Alain Clément : Exposition d'une donation" (juillet 2026 – mai 2027), plaçant son héritage artistique au cœur de sa patrie méditerranéenne d’adoption.

Collection permanente du Carré D'Art (Nîmes) - Certaines des œuvres données par Elisabeth et Alain Clément

Le don de 2025 au Centre Pompidou (Paris) :

Au début de 2025, Alain Clément a fait un don monumental et historique de 16 œuvres majeures au Centre Pompidou – Musée National d'Art Moderne à Paris. Sélectionnées pour représenter toute l’évolution de son œuvre, des années 1970 aux années 2020, ces œuvres comprennent 6 grandes huiles sur toile et 10 gouaches sur papier. Conservées aux côtés des grands noms de l’art moderne dans le musée national phare de la France, elles inscrivent définitivement Alain Clément dans l’historiographie officielle de l’art abstrait des XXe et XXIe siècles.

7. Collectionner Alain Clément : médiums, valeur et attrait du marché

Alain Clément offre aux collectionneurs un point d’entrée exceptionnel dans l’abstraction européenne de premier plan, avec un ensemble d’œuvres diversifié allant des œuvres graphiques sur papier accessibles aux sculptures en acier peint à l’échelle muséale.

Le catalogue d’Alain Clément en un coup d’œil

C Thomas (cofondateur d’IdeelArt) devant 77S1 P (1977) – Carré d’Art, Nîmes – 2026

Pourquoi les collectionneurs achètent aujourd’hui des œuvres d’Alain Clément 

1. Solidité institutionnelle : Avec des œuvres majeures conservées au Centre Pompidou, au CNAP (Rome) et dans de grands musées allemands, son héritage historique est assuré.

2. Synergie entre les médiums : Ses peintures, sculptures et œuvres sur papier partagent un langage visuel unifié. Une sculpture en acier placée à côté d’une toile à l’huile crée un dialogue saisissant entre l’ombre, le métal physique et le geste peint.

3. Polyvalence architecturale : Ses sculptures en acier peint résistent aux intempéries et sont conçues pour dialoguer de manière dynamique avec les intérieurs modernes minimalistes comme avec l’architecture extérieure historique.

8. Foire aux questions (FAQ)

1. Alain Clément était-il membre du mouvement Supports/Surfaces ?

Non. Bien qu’il ait exposé aux côtés de futurs fondateurs de Supports/Surfaces en 1967 et partagé leur volonté de dépasser les espaces d’exposition traditionnels, Clément a refusé de rejoindre le groupe. Il rejetait leur doctrine froide, analytique et politique, préférant préserver la sensualité, le geste émotionnel et l’intensité chromatique dans son œuvre.

2. Comment les critiques interprètent-ils le « faux geste » d’Alain Clément ?

Bien que ses larges rubans de peinture évoquent une peinture d’action spontanée, les critiques d’art observent qu’ils sont en réalité prémédités, calculés et planifiés de manière architecturale. Issu de sa formation initiale de graveur en taille-douce, Clément construit ses compositions mentalement et à travers des études sur papier avant de les exécuter sur toile avec une précision athlétique.

3. Pourquoi Alain Clément se décrit-il comme le peintre du « Désir » ?

Clément considère explicitement le désir comme la principale force physique qui anime la création artistique. Plutôt que de peindre des abstractions intellectuelles, il traduit la passion physique, la tension érotique et la vitalité corporelle en formes amples et organiques. Ses rubans ondulants de peinture et d’acier plié se déploient en métaphores abstraites des courbes féminines, des hanches et de l’intimité humaine.

4. Comment les sculptures en acier d’Alain Clément sont-elles réalisées ?

Clément conçoit ses sculptures sur papier sous forme de dessins plats à la gouache. Ces formes en 2D sont transférées numériquement sur de lourdes plaques d’acier, découpées au laser, puis pliées, torsadées et soudées mécaniquement dans des fonderies industrielles spécialisées. Les structures finales en acier sont recouvertes d’une peinture monochrome durable aux couleurs vives.

5. Où se trouvent les principaux ateliers d’Alain Clément ?

Clément a historiquement travaillé selon une triade entre Nîmes (son atelier principal, baigné de lumière méditerranéenne), Paris (axé sur la gravure, les œuvres sur papier et les liens avec les galeries) et Berlin (qui a récemment servi de centre de fabrication industrielle d’acier lourd).

6. Quelle est l’importance du don de 2025 au Centre Pompidou ?

Au début de 2025, Clément a fait don de 16 œuvres majeures (6 toiles monumentales et 10 gouaches), réalisées entre 1970 et 2023, au Centre Pompidou à Paris. Cette acquisition historique inscrit durablement son œuvre dans l’une des collections d’art moderne les plus prestigieuses au monde.

7. Où puis-je acheter des œuvres originales d’Alain Clément ?

Des peintures, sculptures et œuvres originales sur papier d’Alain Clément sont disponibles auprès des galeries d’art contemporain de premier plan mentionnées dans cet article. IdeelArt a accès à la majeure partie de l’inventaire du peintre. Si vous avez des besoins particuliers, n’hésitez pas à nous le faire savoir.

8. Comment la formation initiale d’Alain Clément à la gravure a-t-elle influencé son style pictural ?

Le travail des plaques de cuivre à l’Atelier 17 au début des années 1960 a appris à Clément à penser de manière séquentielle et à anticiper la résistance physique des outils. Cette discipline a empêché ses peintures de devenir une peinture d’action indisciplinée ; au contraire, la gravure a donné à ses coups de pinceau une structure architecturale et une conscience profonde de l’espace négatif.

9. Quel fut l’événement historique d’art urbain « 100 Artistes dans la Ville » ?

Organisé en mai 1970 par ABC Productions (cofondée par Clément), cet événement radical contournait les galeries bourgeoises en installant l’art contemporain directement dans les rues, les places et sur les façades de Montpellier. Son influence fut telle que le musée MO.CO a organisé en 2019 un grand hommage international pour son anniversaire.

10. Quel est le lien entre Alain Clément et Éditions Fata Morgana ?

Clément a cofondé la légendaire maison d’édition Éditions Fata Morgana en 1966 avec Bruno Roy et Claude Féraud. Il a créé des estampes, des gouaches et des gravures pour des livres d’artistes en édition limitée, établissant des dialogues visuels non illustratifs aux côtés de grands poètes tels que Frédéric Jacques Temple, André Breton et Michel Butor.

11. Comment Alain Clément crée-t-il l’illusion de la profondeur sans perspective 3D traditionnelle ?

Au lieu d’utiliser des lignes d’horizon classiques ou des points de fuite, Clément emploie des pigments à haute viscosité, broyés à la main, dans des tons chauds et froids contrastés. En superposant d’épais rubans de peinture sur des champs ouverts, il crée un effet optique de poussée et de retrait qui donne l’impression que les formes bombent vers l’extérieur ou s’enfoncent profondément dans la toile.

 

12. Quels textes critiques le philosophe Yves Michaud a-t-il écrits sur Alain Clément ?

Le philosophe et critique d’art français renommé Yves Michaud a abondamment écrit sur l’œuvre de Clément, notamment dans un catalogue majeur de Pernod Mécénat publié en 1988 et dans sa monographie complète Alain Clément, publiée par Actes Sud en 2001. Les écrits de Michaud explorent la maîtrise qu’a Clément de la profondeur spatiale, de la densité chromatique et de la présence physique de la touche.

F. Berthomier (cofondateur d’IdeelArt) et Alain Clément dans sa réserve (Nîmes, 2026). ©Francis Berthomier

Par Francis Berthomier
Image à la une : Alain Clément dans la réserve de son atelier de Nîmes, entouré de toiles peintes de grand format © Francis Berthomier