Alberto Burri et la transformation des matériaux

Si nous disons qu’une œuvre d’art a un sens, cela implique que nous croyons que le sens existe. Mais si le sens existe, la vie elle-même ne devrait-elle pas être la chose la plus significative ? Après tout, c’est seulement parce que nous sommes vivants que nous pouvons prendre plaisir à réfléchir au sens des autres choses. Alberto Burri est devenu artiste à une époque de paradoxe concernant le sens. Il a commencé à peindre alors qu'il était prisonnier de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale. Il avait été médecin avant la guerre et avait servi sur les lignes de front dans l'infanterie italienne. En tant que tel, il avait été témoin de la conclusion à laquelle la civilisation était évidemment parvenue concernant l'apparente insignifiance de la vie humaine. Pourtant, dans le même temps, les artistes d’Europe et d’Amérique se jetaient tête première dans des modes d’expression qui concernaient uniquement le sens personnel : le sens inconscient, le sens psychologique, le sens caché et le sens universel. D’une manière ou d’une autre, la société avait deux idées opposées : qu’un être vivant peut avoir si peu de sens qu’il peut être gaspillé dans une guerre, et qu’un objet inanimé peut posséder une telle signification qu’il peut devenir inestimable. Le travail de Burri, au moins en partie, aborde ses sentiments sur ce qui devrait avoir et a effectivement un sens. En y regardant de plus près, nous pourrons peut-être arriver à une partie de ce que cet artiste unique a découvert ; des vérités qui pourraient accroître notre compréhension de l’art abstrait et de nous-mêmes.

Les racines d’Alberto Burri

Dans un sens, sans la guerre, Alberto Burri ne serait peut-être pas devenu artiste. Il serait plutôt devenu médecin de campagne. Burri est né dans une petite ville de l'Ombrie, en Italie, en 1915, d'un père qui vendait du vin et d'une mère qui enseignait à l'école. La campagne de sa maison est idyllique. Son paysage servira finalement de sujet à bon nombre des premiers tableaux de Burri, ceux qu’il a appris lui-même à peindre alors qu’il était prisonnier de guerre américain au Texas. En 1940, Burri obtient son diplôme universitaire en médecine. Il venait tout juste de commencer à exercer la médecine lorsque, plus tard la même année, l'Italie entra dans la Seconde Guerre mondiale. Burri a été enrôlé dans l'infanterie. Pendant près de trois ans, il a combattu comme soldat de première ligne en Afrique du Nord, servant également comme médecin sur le terrain.

Lorsque l'unité de Burri a été capturée, il a été envoyé dans un camp de prisonniers de guerre à Hereford, au Texas. Là, Burri n'était pas autorisé à pratiquer la médecine. Comme beaucoup d'autres prisonniers de guerre, il s'est mis à peindre pour passer le temps. Manquant de toiles appropriées, il a peint sur des sacs en jute. Il a peint des paysages idylliques de ce qu'il voyait au Texas et de ce qu'il avait vu plus tôt dans sa vie, en Ombrie. Après la guerre, après avoir été rapatrié en Italie, Burri a abandonné la médecine pour toujours, se consacrant entièrement à son art. Mais il a pris son esthétique dans une direction très différente. Il a réduit son langage visuel, créant des images qui étaient entièrement abstraites. Il a continué à utiliser du jute, qui était en surplus dans l'Italie d'après-guerre, et a également incorporé d'autres matériaux, médiums et outils qui étaient bon marché et facilement disponibles. Sa palette et ses images ressemblaient au paysage dévasté de son pays d'origine et à la texture et à l'apparence de tant de choses qui avaient été gaspillées.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

La ruée vers le sens

Le fait que le style nouvellement abstrait de Burri incorporait des couleurs, textures, matériaux et formes rappelant la destruction et le carnage semble être une invitation pour les spectateurs à supposer qu'il faisait des œuvres sur ses expériences en tant que médecin et soldat. Mais Burri a affirmé tout au long de sa carrière qu'il n'y avait aucun sens à trouver dans ses choix, et qu'il n'y avait aucun sens du tout dans ses images. En 1994, il a déclaré en référence à l'ensemble de son œuvre, “Forme et Espace ! La fin. Il n'y a rien d'autre.”

C’est peut-être dans cette déclaration que réside la vérité la plus profonde découverte par Burri sur le sens et l’existence. La seule universalité partagée par toutes choses, y compris les humains, les peintures, les animaux et les bombes, est que tout n’est que matière prenant différentes formes dans l’espace. En philosophie, le réalisme matériel donne la priorité au monde physique par rapport au monde conscient. Parfois, les athées utilisent ce terme en référence à leur refus d’accéder au domaine spirituel. Parfois, les scientifiques l’utilisent pour séparer les observations objectives de leurs réactions personnelles à ces mêmes observations. Si l’on en croit ce qu’Alberto Burri lui-même dit de son travail (et pourquoi pas ?), ses œuvres illustrent le réalisme matériel. Il explore la réalité des propriétés formelles et physiques de ses matériaux, et rien de plus.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Les réalités matérielles de Burri

En ce qui concerne les qualités formelles de son œuvre, Burri était un innovateur d'une créativité folle. Il a été le pionnier d'une gamme de techniques pour créer son travail, et a incorporé une gamme tout aussi diversifiée de matériaux pour mettre en évidence l'impact de ces techniques. Empruntant le concept de collage, ses images prenaient une apparence superposée qui floutait la frontière entre peinture, relief et sculpture. Ses premières œuvres étaient des mélanges de peinture et de tissu superposé, qu'il cousait et assemblait. Plus tard, il a ajouté de la dimensionnalité en découpant, déchirant et en perçant des trous dans ses surfaces. Il a utilisé le feu pour brûler des éléments en bois de son travail, utilisant le processus de carbonisation pour créer ses formes. Il a utilisé la chaleur pour faire fondre le plastique, ajoutant une dimension et une texture étrangement organiques à ses compositions.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Dans un effort pour réitérer la nature formaliste de ses œuvres, plutôt que de donner à ses œuvres des noms poétiques, il les a simplement intitulées en fonction de leur nature physique, en utilisant les mots italiens pour leur couleur, leur matériau ou la technique qu'il a utilisée pour les fabriquer. Ses œuvres en goudron étaient appelées Catrami, ses œuvres en plastique fondu étaient Plastichi, ses œuvres en bois étaient appelées Legni. Il a appelé ses œuvres en toile de jute Sacchi, le mot italien pour sacs. Les œuvres qu'il réalisait avec le feu étaient appelées Cumbustiono, et ses œuvres emblématiques bombées, qu'il réalisait en insérant des obstructions étrangères derrière les surfaces ; il a nommé Gobbi, le mot italien pour les bossus.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

La grande fissure

L'un des accomplissements les plus emblématiques de la carrière de Burri est venu sous la forme d'une esthétique qu'il a pionnière et qu'il a appelée Cretto, un mot d'argot toscan pour fissure. Pour réaliser Cretto, il a exagéré les processus qui ont conduit à l'apparence naturelle de fines fissures capillaires dans divers médiums de peinture au fil du temps, un effet connu sous le nom de craquelure. Cet effet est normalement considéré comme quelque chose de néfaste pour une peinture. Par exemple, la peinture emblématique de Kazimir Malevich, Black Square, qui était autrefois une forme noire solide, a maintenant vieilli si mal qu'elle ressemble à l'une des peintures Cretto de Burri.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

À travers l'appropriation d'un processus normalement attribué à la décomposition, le transformant plutôt en un processus de création, Burri exprime à nouveau une dichotomie essentielle sur le sens des choses. Il crée par l'acte de destruction. Il trouve la beauté dans la décomposition. La manifestation ultime de cette expression est survenue en 1985 lorsque Burri l'a utilisée pour créer son œuvre la plus monumentale, Il Grande Cretto. L'une des plus grandes œuvres d'art terrestre connues, Il Grande Cretto a été construite sur l'ancien site d'une ville anéantie, la ville de Gibellina en Sicile, qui a été détruite lors d'un tremblement de terre en 1968. Il Grande Cretto se dresse au-dessus de ses ruines, un assemblage massif de formes de pierre et de crevasses mesurant environ 120 000 mètres carrés.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

Un héritage d'innovation

Burri n’était pas le seul artiste inspiré à se tourner vers ce type d’esthétique après la Seconde Guerre mondiale. Dans les années 1960, de nombreux artistes utilisaient dans leurs œuvres des matériaux mis au rebut et apparemment sans valeur. Le terme Arte Povera, ou art pauvre, a été inventé pour désigner leur style. Et le terme Art Informel a été inventé pour désigner les toiles sauvages et expressives que les peintres créaient grâce à leur intuition et à leur action émotionnelle. Bien que l'esthétique de Burri l'ait amené à être associé à la fois à l'Arte Povera et à l'Art Informel, il a eu une raison bien différente d'adopter cette esthétique que les autres qui sont venus dans son se réveiller.

L'Arte Povera était une réaction à quelque chose d'autre qui se passait dans l'art ; c'était un retour à une esthétique prolétarienne. L'Arte Informel était une expression personnelle et le pouvoir de créer une œuvre qui exprimait quelque chose de profond et de caché dans l'œuvre. Ce que Burri a fait n’était pas une réaction contre autre chose. Et aucun sens n’était caché dans son œuvre. Il a dit : « Ces mots ne signifient rien pour moi ; ils parlent autour de l'image. Ce que j’ai à exprimer apparaît dans l’image. Cette approche unique et confiante d'un examen complètement formel des matériaux, de la forme et de l'espace a laissé un exemple porteur d'espoir : les peintures ne sont que des peintures. C’est l’artiste qui détermine leur signification, et donc l’artiste – l’individu vivant, respirant et créatif – qui doit être valorisé.

Image de couverture : Alberto Burri - Ferro, 1954, crédits photo Musée Guggenheim
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio