L’importance de la texture dans l’art abstrait

De manière générale, il existe deux catégories de texture en art, tout comme dans la vie : rugueuse et lisse. Les deux peuvent être dures ou douces, humides ou sèches, organiques ou synthétiques, etc. Et des gradations infinies de rugosité et de douceur sont possibles. Mais une différence clé sépare la fonction que la texture remplit dans la vie de celle qu’elle remplit en art. Dans la vie, la texture peut être une question de survie. Notre perception de quelque chose de glissant, visqueux, écailleux ou duveteux peut faire la différence entre la vie et la mort. La texture en art est moins grave. La plupart des œuvres ne sont même pas destinées à être touchées. Et même lorsqu’une œuvre peut être touchée, sa texture se rapporte davantage à notre expérience esthétique qu’à notre survie. Néanmoins, la texture est une part importante de notre interaction avec l’art. C’est l’un des sept éléments formels artistiques, avec la ligne, la couleur, la forme, le volume, la valeur et l’espace. Elle peut influencer l’humeur, évoquer des associations psychologiques, attirer l’attention sur un médium ou détourner notre regard vers les matériaux utilisés dans une œuvre. Utilisée habilement, la texture peut même remettre en question notre perception de ce qui est réel.

Drame et lumière

L’une des premières façons dont les peintres abstraits ont expérimenté la texture est par un procédé appelé empâtement. Quand on dit qu’un tableau est en empâtement, cela signifie que le peintre a appliqué la peinture en couches épaisses sur la surface. Une œuvre en empâtement est considérée comme picturale, car elle met en avant les marques physiques laissées par le peintre. Des peintres post-impressionnistes comme Van Gogh ont utilisé l’empâtement pour créer du drame et influencer la manière dont la lumière interagit avec la surface de leurs images, puisque les couches en empâtement créent des ombres et des reflets. Des peintres expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock utilisent des couches épaisses de peinture pour attirer l’attention sur l’acte de peindre et révéler la personnalité et la technique individuelle de l’artiste.

L’opposé de la texture en empâtement est la platitude. Des artistes comme Helen Frankenthaler et Kenneth Noland ont teint leurs toiles, versant de la peinture diluée directement sur des toiles non apprêtées pour fusionner la surface avec la peinture. Leurs textures plates détournaient l’attention des gestes physiques de l’artiste, encourageant la contemplation d’autres éléments comme la couleur, la surface et l’espace. Les premiers artistes abstraits tels que Kazimir Malevich peignaient aussi des images plates, non picturales. Fait intéressant, beaucoup des tableaux plats emblématiques peints par Malevich, comme le Carré noir, ont, avec le temps, acquis des textures très différentes de ce que l’artiste avait prévu. Il est fascinant de réfléchir à la question de savoir si le sens que les spectateurs perçoivent dans ces œuvres a été modifié par ce changement de texture.

Kazimir Malevich - Carré noir, 1915. Huile sur lin. 79,5 x 79,5 cm. Galerie Tretiakov, Moscou

Texture physique vs. texture visuelle

La texture en art peut être perçue de deux manières au moins : par le toucher (texture physique) et par la vue (texture visuelle). La texture physique donne à une œuvre un sens d’objet concret. Elle l’associe au monde physique tangible. L’artiste italien Alberto Burri utilisait des matériaux trouvés afin de créer des textures physiques dans ses œuvres qui pouvaient susciter des réactions émotionnelles primaires chez les spectateurs. Les artistes coréens Dansaekhwa et les artistes associés à l’avant-garde japonaise Groupe Gutai mettaient aussi l’accent sur la matérialité, croyant, comme il est dit dans le Manifeste Gutai, « qu’en fusionnant les qualités humaines et les propriétés matérielles, nous pouvons comprendre concrètement l’espace abstrait ».

D’autres artistes s’intéressent davantage aux potentialités de la texture visuelle. Les peintures de l’artiste britannique d’Op Art Bridget Riley sont complètement plates, mais trompent l’œil en lui faisant percevoir des vagues texturées et des couches dimensionnelles. Les photographes abstraits jouent aussi avec la texture visuelle. La photographe abstraite née au Canada Jessica Eaton construit des objets en trois dimensions puis les photographie avec plusieurs filtres. Ses tirages plats semblent sans texture, mais à y regarder de plus près, les textures physiques des objets qu’elle a construits apparaissent, troublant l’œil quant à savoir s’il perçoit des textures réelles ou imaginaires.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Tirage pigmentaire. © Jessica Eaton (Gauche) / Bridget Riley - Descending, 1966. Émulsion sur panneau. © Bridget Riley (Droite)

La texture dans la sculpture abstraite

Les artistes abstraits travaillant dans l’espace tridimensionnel bénéficient d’opportunités supplémentaires pour traiter l’élément de la texture car leur travail est plus souvent destiné à être touché. Jesús Rafael Soto crée de grandes sculptures tridimensionnelles appelées Penetrables, que les spectateurs traversent, permettant à la texture lisse et synthétique des filaments de les envelopper comme partie intégrante de leur expérience esthétique. Et des artistes tels que Henry Moore, qui a réalisé de nombreuses sculptures publiques en plein air, ont la possibilité de montrer comment le temps, les mains humaines et les éléments transforment le caractère essentiel d’une œuvre au fil du temps.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Sculpture cinétique. © Jesús Rafael Soto

La texture est d’une importance capitale pour notre compréhension de l’art abstrait. Que signifieraient pour nous les Objets Spécifiques créés par Donald Judd sans leur texture industrielle lisse, brillante et satinée, qui était essentielle à leur statut d’œuvres minimales et modernes ? Et comment le fameux Objet, un service à café recouvert de fourrure par l’artiste germano-suisse Meret Oppenheim, serait-il devenu une icône du surréalisme sans sa texture étrange ? Qu’elle soit destinée à être vue, touchée, ou les deux, en contemplant la texture de l’art abstrait, nous pouvons nous y relier à de nouveaux niveaux, ce qui peut influencer notre compréhension, approfondir notre appréciation et transformer le sens que nous percevons dans l’œuvre.

Donald Judd - Sans titre, (91-2 Bernstein), 1991. Acier inoxydable et Plexiglas rouge, en dix parties. © Donald Judd

Image en vedette : Alberto Burri - Cretto (détail), 1975. Acrovinyle sur cellotex. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio