L’importance de la texture dans l’art abstrait

D’une manière générale, il existe deux catégories de textures dans l’art, comme dans la vie : rugueuse et lisse. Les deux peuvent être durs ou mous, humides ou secs, organiques ou synthétiques, etc. Et des gradations infinies de rugosité et de douceur sont possibles. Mais une différence clé sépare la fonction que remplit la texture dans la vie de la fonction de la texture dans l’art. Dans la vie, la texture peut être une question de survie. Notre perception du caractère glissant, visqueux, écailleux ou flou d'une chose pourrait faire la différence entre la vie et la mort. La La texture dans l'art est moins désastreuse. La plupart des œuvres d’art ne sont même pas destinées à être touchées. Et même lorsqu’une œuvre d’art peut être touchée, sa texture est davantage liée à notre expérience esthétique qu’à notre existence continue. Néanmoins, la texture joue un rôle important dans notre interaction avec l’art. C'est l'un des sept éléments artistiques formels, avec la ligne, la couleur, la forme, la valeur et l'espace. Cela peut affecter l’humeur, évoquer des associations psychologiques, attirer l’attention sur un médium ou détourner notre attention vers les matériaux utilisés dans une œuvre. Utilisée à bon escient, la texture peut même remettre en question notre perception de la réalité.

Drame et Lumière

L'une des premières façons dont les peintres abstraits ont expérimenté avec la texture est à travers un processus appelé impasto. Quand nous disons qu'une peinture est impasto, nous voulons dire que le peintre a appliqué la peinture à la surface en couches épaisses. Une œuvre impasto est considérée comme picturale, car elle met en avant les marques physiques faites par le peintre. Des peintres post-impressionnistes comme Van Gogh ont utilisé impasto pour créer du drame et pour influencer la façon dont la lumière interagissait avec la surface de leurs images, puisque les couches impasto créent des ombres et des reflets. Des peintres expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock utilisent de la peinture en couches épaisses pour attirer l'attention sur l'acte de peindre et pour révéler la personnalité et la technique individuelle de l'artiste.

L'opposé de la texture impasto est la planéité. Des artistes comme Helen Frankenthaler et Kenneth Noland ont teint leurs toiles, versant de la peinture diluée directement sur des toiles non préparées pour fusionner la surface avec la peinture. Leurs textures plates détournaient l'attention des gestes physiques de l'artiste, encourageant la contemplation d'autres éléments comme la couleur, la surface et l'espace. Les premiers artistes abstraits tels que Kazimir Malevich ont également peint des images plates et non picturales. Fait intéressant, beaucoup des peintures plates emblématiques que Malevich a réalisées, comme Black Square, ont, avec le temps, acquis des textures très différentes de ce que l'artiste avait prévu. Il est fascinant de contempler si le sens que les spectateurs perçoivent dans de telles œuvres a été altéré par le changement de texture.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915. Oil on linen. 79.5 x 79.5 cm. Tretyakov Gallery, Moscow

Texture physique et texture visuelle

La texture dans l'art peut être perçue de deux manières au moins : par le toucher (texture physique) et par la vue (texture visuelle). La texture physique donne à une œuvre d'art un sens d'objectivité. Elle l'associe au monde physique concret. L'artiste italien Alberto Burri a utilisé des matériaux trouvés afin de créer des textures physiques dans ses œuvres qui pouvaient évoquer des réponses émotionnelles primales chez les spectateurs. Les artistes coréens Dansaekhwa et les artistes associés à l'avant-garde japonaise Gutai Group mettent également l'accent sur la matérialité, croyant, comme il a été déclaré dans le Manifeste Gutai, « qu'en fusionnant les qualités humaines et les propriétés matérielles, nous pouvons comprendre concrètement l'espace abstrait ».

D'autres artistes s'intéressent davantage aux potentialités de la texture visuelle. Les peintures de la peintre britannique d'Op Art Bridget Riley sont complètement plates, mais trompent l'œil en lui faisant percevoir des vagues texturées et des couches dimensionnelles. Les photographes abstraits jouent également avec la texture visuelle. La photographe abstraite d'origine canadienne Jessica Eaton construit des objets tridimensionnels puis les photographie avec plusieurs filtres. Ses impressions plates semblent dépourvues de texture, mais à y regarder de plus près, les textures physiques des objets qu'elle a construits se révèlent, confondant l'œil sur la question de savoir s'il perçoit des textures réelles ou imaginaires.

Jessica Eaton - cfaal 72r, 2001. Pigment print. © Jessica Eaton (Left) / Bridget Riley - Descending, 1966. Emulsion on board. © Bridget Riley (Right)

Texture dans la sculpture abstraite

Les artistes abstraits travaillant dans l'espace tridimensionnel bénéficient d'opportunités supplémentaires pour traiter l'élément de texture, car leur travail est plus souvent destiné à être touché. Jesús Rafael Soto crée des sculptures tridimensionnelles à grande échelle appelées Penetrables, que les spectateurs traversent, permettant à la texture lisse et synthétique des vrilles de les envelopper dans le cadre de leur expérience esthétique. Et des artistes tels que Henry Moore, qui a réalisé de nombreuses sculptures publiques en plein air, ont la possibilité de démontrer comment le temps, les mains humaines et les éléments transforment le caractère essentiel d'une œuvre d'art au fil du temps.

Jesús Rafael Soto - Penetrable de Chicago, 1971. Kinetic sculpture. © Jesús Rafael Soto

La texture est d'une importance capitale pour notre compréhension de l'art abstrait. Que signifieraient les Objets Spécifiques réalisés par Donald Judd pour nous si ce n'était pour leur texture lisse, brillante et industrielle, qui était intégrale à leur statut d'œuvres minimal et modernes ? Et comment l'infâme Objet, un service à café recouvert de fourrure par l'artiste suisse d'origine allemande Meret Oppenheim, serait-il devenu une icône du surréalisme sans sa texture étrange ? Que ce soit pour être vu, touché, ou les deux, en contemplant la texture de l'art abstrait, nous pouvons nous y relier à de nouveaux niveaux, ce qui peut influencer notre compréhension, approfondir notre appréciation et transformer la signification que nous percevons dans l'œuvre.

Donald Judd - Untitled, (91-2 Bernstein), 1991. Stainless steel and red Plexiglas, in ten parts. © Donald Judd

Image en vedette : Alberto Burri - Cretto (détail), 1975. Acrovinyle sur cellotex. © 2019 Société des Droits des Artistes (ARS), New York / SIAE, Rome
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio