Une « artiste aux formes vives » – Elizabeth Murray

Au cours de sa carrière de 40 ans, Elizabeth Murray a construit un héritage esthétique unique—un héritage qui était indéniablement sérieux, et pourtant impossible à ne pas sourire. En tant qu'artiste, elle a exemplifié la vision, l'humour et la curiosité. Je la place dans la tradition de Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring et Alexander Calder—des artistes qui ont compris l'importance du jeu. Et en tant qu'être humain, elle a exemplifié le bon sens et la sympathie, dégageant une nature apparemment sans effort, décontractée et amicale. Son sens d'elle-même s'est établi dans sa jeunesse, lorsqu'elle était fréquemment presque sans-abri. Elle a appris jeune les leçons de l'autonomie et du travail acharné. Elle a également brillé tôt dans l'art, se rappelant qu'aussi tôt qu'en cinquième année, elle vendait ses dessins à ses camarades de classe. Son style visuel captivant et mature a d'abord été nourri dans sa ville natale de Chicago, puis plus tard à Oakland, deux villes ayant la réputation, surtout dans les années 1960, de donner naissance à des artistes idiosyncratiques et indépendants avec de grandes idées. Juste avant sa mort, Murray a été célébrée avec une rétrospective au Museum of Modern Art de New York. Elle présentait environ 75 œuvres couvrant sa carrière. Avec toute son évolution enfin exposée en une seule fois, la profondeur de son imagination, l'intensité de son attention, et le caprice et l'élégance de sa contribution à l'art abstrait ont été révélés en couleurs vives.

L'imagiste plein d'espoir

Un aperçu fondamental de l'évolution esthétique favorisée par Murray au cours de sa carrière peut être recueilli sur son site Web. Un aperçu de sa production totale est là, classé chronologiquement de 1976 à 2007. Cela montre clairement que les graines de son style de peinture mature étaient présentes dans ses premières œuvres. Les influences des deux villes où elle a appris son métier sont également évidentes. Pour son diplôme de premier cycle, Murray a fréquenté l'Art Institute of Chicago (AIC). Elle était là à une époque où les artistes associés à The Monster Roster, The Hairy Who et les Chicago Imagists faisaient leur chemin dans cette ville. Elle partageait le lien avec les formes surréalistes et les couleurs vives pour lesquelles ces groupes étaient connus. Comme beaucoup de ces artistes, Murray a réalisé un travail personnel. Elle n’était pas en conversation avec la culture commerciale plus large, comme avaient tendance à l’être les artistes pop de sa génération, mais plutôt avec quelque chose d’interne.

Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, From the series One series of 6 unique works, 3-dimensional multi-colored lithograph/screenprint, cut, collaged, and hand-painted by the artist, 50 × 47 1/2 × 6 in, 127 × 120.7 × 15.2 cm, Edition of 6, Gemini G.E.L. at Joni Moisant Weyl, New York, © Elizabeth Murray

Ces premières peintures révèlent également que Murray manquait du désenchantement si souvent associé aux mouvements figuratifs de Chicago des années 1960. C’est peut-être ce qui l’a attirée vers la Californie après avoir obtenu son diplôme de l’AIC. Elle entre au Mills College d'Oakland en 1962, où elle obtient sa maîtrise. La Bay Area était à cette époque l’épicentre du Funk Art. Murray était en phase avec l'esprit, l'ambiguïté et la sensualité décalée qui définissaient ce mouvement. Ses expériences dans l’Ouest lui ont permis de poursuivre sans vergogne sa propre voix. Au moment où elle a déménagé à New York en 1967, elle était armée d’une position esthétique idiosyncrasique et confiante et savait ne pas se soucier de ce que faisaient les autres artistes. Il lui a fallu un certain temps pour s'établir à New York, mais sa première exposition a été importante : l'exposition annuelle de 1972 du Whitney Museum of American Art : Peinture américaine contemporaine. Les œuvres de Murray rejoindront éventuellement la collection permanente de cette institution, aux côtés de celles du MoMA, du Guggenheim, du Walker, du Met et de plus de 50 autres musées d'art de premier plan à travers le monde.

Elizabeth Murray - Untitled, 1991, India ink, colored pencil and gouache on paper with collage, 10 2/5 × 10 7/10 in, 26.4 × 27.3 cm, Pace Gallery, © Elizabeth Murray

De la surface à la forme

Ce pour quoi Murray est le plus souvent rappelée aujourd'hui est son dernier corpus de travail—des configurations interconnectées, complexes et à grande échelle de toiles façonnées. Son parcours jusqu'à ce point, avec le recul, semble presque inévitable. Dès le départ, elle s'est intéressée à la force vitale des formes. À propos de sa peinture de 1976 Beginner, elle a déclaré qu'elle "voulait traiter une forme organique qui pouvait être lue de beaucoup de manières visuelles différentes. Je pensais à la petite spirale violette mars comme la voix ou le cœur ou la véritable partie intérieure de la forme." C'est à peu près à cette époque qu'elle a commencé à peindre ses compositions sur des toiles de formes inhabituelles, comme des triangles et des diamants. Peu de temps après, elle a commencé à créer des toiles qui étaient les formes—des formes abstraites, biomorphiques de sa propre invention. Cela a donné vie à ses compositions de manière littérale. À propos d'une telle œuvre, intitulée Yikes, de sa série de tasses à café, Murray se souvient : "Je pensais à la peinture de paysage cubiste précoce ; imaginez marcher à l'intérieur de l'un de ces paysages de Braque."

Elizabeth Murray - installation view, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York

La pleine maturité de sa vision est visible dans des œuvres architectoniques comme Everybody Knows (2007), la dernière peinture que Murray a réalisée avant sa mort. Le processus compliqué et long de leur création a été capturé dans un épisode de Art 21 en 2003. Comme il le montre, elle a commencé par dessiner une composition sur papier puis à construire une toile pour chaque forme. Enfin, elle a assemblé les toiles en forme et leur a donné vie avec des couches de peinture. Ses œuvres finales sont des témoignages du talent magistral que Murray a cultivé dans son studio. Néanmoins, certains dans le monde de l'art minimisent ses efforts, qualifiant sa production de "low art" et se moquant de la joie qu'elle inspire. De tels critiques ne révèlent que leur propre incapacité à comprendre le sérieux sous-jacent d'une artiste envoûtée par l'histoire de l'art, le pouvoir inhérent de la couleur et la forme, et les relations entre les objets. Une telle critique n'a de toute façon eu aucun effet durable. Malgré son humilité et son sens de l'humour, Murray a fermement défendu ses positions. Sa résilience légendaire face à ceux qui chercheraient à la diminuer a fait d'elle une icône du féminisme. Elle a laissé un héritage non seulement d'un grand art abstrait, mais aussi d'humanité et de force. Elle a prouvé, comme beaucoup l'ont prouvé avant elle, que les artistes ont le droit de créer ce qu'ils veulent ; et qu'un corpus d'œuvres fort, confiant et magistral survivra toujours à ses critiques.

Elizabeth Murray - installation view, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York

Image en vedette : Elizabeth Murray - vue de l'installation, Museum of Modern Art New York, © The Museum of Modern Art Archives, New York

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Par Phillip Barcio