Une « artiste aux formes vives » – Elizabeth Murray

Au cours de sa carrière de 40 ans, Elizabeth Murray a construit un héritage esthétique unique — à la fois indéniablement sérieux, et pourtant impossible à regarder sans sourire. En tant qu'artiste, elle incarnait la vision, l'humour et la curiosité. Je la place dans la tradition de Jean Dubuffet, Nikki St. Phalle, Keith Haring et Alexander Calder — des artistes qui comprenaient l'importance du jeu. Et en tant qu’être humain, elle incarnait la débrouillardise et la sympathie, dégageant une nature apparemment sans effort, décontractée et amicale. Sa conscience d’elle-même s’est forgée dans sa jeunesse, alors qu’elle était souvent presque sans domicile fixe. Elle a appris tôt les leçons de l’autonomie et du travail acharné. Elle a aussi très tôt montré un éclat pour l’art, se rappelant qu’en cinquième année elle vendait déjà ses dessins à ses camarades. Son style visuel captivant et mature a d’abord été nourri dans sa ville natale de Chicago, puis plus tard à Oakland, deux villes réputées, surtout dans les années 1960, pour engendrer des artistes singuliers et indépendants porteurs de grandes idées. Juste avant sa mort, Murray a été célébrée par une rétrospective au Museum of Modern Art de New York. Elle présentait environ 75 œuvres couvrant toute sa carrière. Avec toute son évolution enfin exposée d’un seul coup, la profondeur de son imagination, l’intensité de sa concentration, ainsi que la fantaisie et l’élégance de sa contribution à l’art abstrait se sont révélées en couleurs vives.

L’Imaginiste Plein d’Espoir

Une idée générale de l’évolution esthétique que Murray a cultivée au fil de sa carrière peut être tirée de son site internet. Un aperçu de sa production totale y est présenté, classé chronologiquement de 1976 à 2007. Cela montre clairement que les germes de son style pictural mature étaient déjà présents dans ses premières œuvres. Sont également visibles les influences des deux villes où elle a appris son métier. Pour son diplôme de premier cycle, Murray a fréquenté l’Institut d’Art de Chicago (AIC). Elle y était à une époque où les artistes associés au Monster Roster, au Hairy Who et aux Imagistes de Chicago atteignaient leur apogée dans cette ville. Elle partageait le lien avec les formes surréalistes et les couleurs vives pour lesquelles ces groupes étaient connus. Comme beaucoup de ces artistes, Murray créait des œuvres personnelles. Elle ne dialoguait pas avec la culture commerciale plus large, comme les artistes Pop de sa génération avaient tendance à le faire, mais plutôt avec quelque chose d’interne.

Elizabeth Murray - Who Wants, 2003, De la série Une série de 6 œuvres uniques, lithographie/sérigraphie tridimensionnelle multicolore, découpée, collée et peinte à la main par l’artiste, 127 × 120,7 × 15,2 cm, Édition de 6, Gemini G.E.L. chez Joni Moisant Weyl, New York, © Elizabeth Murray

Ces premières peintures révèlent aussi que Murray ne partageait pas le désenchantement souvent associé aux mouvements figuratifs de Chicago des années 1960. Cela a peut-être été ce qui l’a attirée en Californie après avoir obtenu son diplôme à l’AIC. Elle est entrée au Mills College à Oakland en 1962, où elle a obtenu sa maîtrise. La région de la Baie était alors l’épicentre de l’Art Funk. Murray était en phase avec l’esprit, l’ambiguïté et la sensualité décalée qui définissaient ce mouvement. Ses expériences à l’ouest lui ont donné la force de poursuivre sans retenue sa propre voix. Lorsqu’elle s’est installée à New York en 1967, elle possédait une position esthétique singulière et assurée, et savait qu’elle ne devait pas se soucier de ce que faisaient les autres artistes. Il lui a fallu un certain temps pour s’imposer à New York, mais sa première exposition fut de grande envergure — l’Exposition annuelle 1972 du Whitney Museum of American Art : Peinture américaine contemporaine. Des œuvres de Murray rejoindraient finalement la collection permanente de cette institution, ainsi que celles du MoMA, du Guggenheim, du Walker, du Met et de plus de 50 autres musées d’art renommés dans le monde.

Elizabeth Murray - Sans titre, 1991, encre de Chine, crayon de couleur et gouache sur papier avec collage, 26,4 × 27,3 cm, Galerie Pace, © Elizabeth Murray

De la Surface à la Forme

Ce pour quoi Murray est le plus souvent reconnue aujourd’hui est son dernier ensemble d’œuvres — de grandes configurations complexes et interconnectées de toiles découpées. Son parcours jusqu’à ce point, rétrospectivement, semble presque inévitable. Dès le début, elle s’intéressait à la force vitale des formes. À propos de sa peinture de 1976 Beginner, elle disait qu’elle « voulait traiter une forme organique qui pouvait être lue de plusieurs manières visuelles. Je pensais à la petite spirale mars violet comme la voix ou le cœur ou la vraie partie intérieure de la forme. » C’est à peu près à cette époque qu’elle a commencé à peindre ses compositions sur des toiles de formes inhabituelles, comme des triangles et des losanges. Peu de temps après, elle a commencé à fabriquer des toiles qui étaient elles-mêmes des formes — des formes abstraites, biomorphiques de sa propre invention. Cela a littéralement donné vie à ses compositions. À propos d’une telle œuvre, intitulée Yikes, issue de sa série de tasses à café, Murray se rappelait : « Je pensais aux premiers paysages cubistes ; imaginez-vous marcher à l’intérieur d’un de ces paysages de Braque. »

Elizabeth Murray - vue d’installation, Museum of Modern Art New York, © Archives du Museum of Modern Art, New York

La pleine maturité de sa vision est visible dans des œuvres architectoniques majeures comme Everybody Knows (2007), la dernière peinture que Murray a réalisée avant sa mort. Le processus compliqué et long de leur création a été capturé dans un épisode de 2003 d’Art 21. Comme on le voit, elle commençait par dessiner une composition sur papier puis construisait une toile pour chaque forme. Enfin, elle assemblait les toiles découpées et leur donnait vie avec des couches de peinture. Ses œuvres finales témoignent du talent magistral que Murray a cultivé dans son atelier. Néanmoins, certains dans le monde de l’art minimisent ses efforts, qualifiant sa production de « basse culture » et se moquant de la joie qu’elle suscite. Ces critiques ne font que révéler leur propre incapacité à comprendre le sérieux sous-jacent d’une artiste passionnée par l’histoire de l’art, le pouvoir inhérent de la couleur et de la forme, ainsi que les relations entre les objets. De toute façon, ces critiques n’ont eu aucun effet durable. Malgré son humilité et son sens de l’humour, Murray a fermement tenu sa position. Sa résilience légendaire face à ceux qui voulaient la diminuer a fait d’elle une icône du féminisme. Elle a laissé un héritage non seulement d’art abstrait remarquable, mais aussi d’humanité et de force. Elle a prouvé, comme beaucoup avant elle, que les artistes ont le droit de créer ce qu’ils veulent ; et qu’un corpus d’œuvres fort, assuré et magistral survivra toujours à ses détracteurs.

Elizabeth Murray - vue d’installation, Museum of Modern Art New York, © Archives du Museum of Modern Art, New York

Image en vedette : Elizabeth Murray - vue d’installation, Museum of Modern Art New York, © Archives du Museum of Modern Art, New York

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Par Phillip Barcio