Une interview avec Jeremy Annear

Jeremy Annear (né en 1949) est un artiste abstrait très respecté et accompli basé à Cornwall, en Angleterre. Son travail est détenu par l'Ionian Trust et la Royal Holloway Collection, entre autres, et il a exposé à l'international au Canada, en Amérique, en Allemagne, en France et aux Pays-Bas ; tous des lieux qui ont eu leur propre influence unique sur son travail. Sa dernière exposition à la Lemon Street Gallery à Truro, une exposition conjointe avec sa femme, Judy Buxton, a servi de retour aux sources pour l'artiste, pour qui le paysage cornouaillais est une grande source d'inspiration et de contemplation. Nous avons parlé à Jeremy de l'exposition, de sa carrière et de sa vision de l'abstraction.

Pouvez-vous nous parler de la récente exposition « Twofold : in Art and Life » à la Lemon Street Gallery ?

La galerie Lemon Street est une galerie leader en Cornouailles et jouit d’une très bonne réputation à l’échelle nationale. Il est réparti sur trois étages et Judy, ma femme, était censée exposer dans toute la galerie, mais lorsqu'elle a senti qu'elle ne voulait pas occuper les trois étages, Louise Jones, la galeriste, nous a persuadés d'exposer toutes les deux. J'ai eu une exposition personnelle au sous-sol de la galerie, qui est un bel espace white cube, très minimal, très contemporain, qui convient très bien à mon travail. J'avais environ 30 pièces dans l'exposition.

C'était la première fois que vous partagiez une exposition avec votre femme, y avait-il une interaction entre vos œuvres ?

Non, notre travail est vraiment très différent et probablement le secret de notre partenariat artistique réussi depuis trente ans. J'ai un énorme respect pour Judy en tant que peintre figuratif expressif et je pense qu'elle a un œil incroyable. Je viens d'un endroit très différent, d'une tradition moderniste avec mes racines remontant à la peinture d'icônes et ensuite à la peinture italienne du Quattrocento, donc je passe par ce type d'image vers le modernisme du XXe siècle et des artistes comme Picasso et Paul Klee. Il y a une sensibilité très différente dans le travail.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Huile sur toile. 80 x 100 cm.

Vous décrivez une approche ludique de la peinture : pouvez-vous développer cet aspect de votre pratique ?

Je pense qu'il y a une signification plus profonde au jeu que le sens généralement compris du jeu – comme si vous jouez alors vous ne faites rien de sérieux –, mais je pense qu'il existe une approche, en particulier dans la créativité et la réflexion, où le jeu est une approche légère et vous reconnaissez des choses comme l'ironie et la métaphore et même des aspects de méfait et de farce, comme dans « le fou » en littérature. Quand je parle de jeu, j'en parle dans ce sens ; c’est un endroit où l’on s’affranchit d’un sérieux pédant, mais il y a un autre sérieux qui est terriblement productif.

Pouvez-vous décrire vos expériences de travail et d’exposition dans d’autres pays ?

J'ai toujours eu de bonnes relations avec les expositions en Allemagne et en Suisse. J'ai vécu à Worpswede, en Allemagne, pendant un an. C'est un endroit absolument incroyable qui propose de nombreuses résidences d'artistes, de musiciens et d'écrivains – la mienne était une bourse très généreuse du DAAD –, et c'était très intéressant d'être en Allemagne, d'y travailler et de rencontrer d'autres artistes, dont beaucoup viennent d'Europe de l'Est. , mais aussi un certain nombre d'artistes allemands, et ressentir en Allemagne ce sentiment un peu envahissant que les choses doivent être très bien exécutées et très claires. Le paysage reflète cela car il s’agit des tourbières récupérées du nord de l’Allemagne. Il y a beaucoup de landes qui sont constituées d’eau récupérée donc, même si je n’étais pas près de la mer, j’avais l’impression d’être assis sur la mer. C'est une tourbière et des digues noires sont creusées dans le paysage pour l'apprivoiser, créant des lignes droites bien ordonnées sur des kilomètres, mais en même temps la végétation commence à prendre le dessus et une partie de l'ordre est perturbée par une vie naturelle indisciplinée. . C’est un paysage magnifique mais il m’a fallu beaucoup de temps pour m’y plonger car je le trouvais presque intimidant tant il était strict et rigide. Une fois que je me suis lancé, j'ai vraiment apprécié ça. J'ai également beaucoup travaillé en Australie, en Espagne et en France, j'aime donc beaucoup travailler dans la chaleur. J'aime la culture qui s'articule souvent autour des endroits chauds : la possibilité d'être un peu plus libre physiquement dans un pays chaud, plutôt que dans la vieille Cornouaille humide !

Jeremy Annear - Breaking Contour (Carré Rouge) II, 2018. Huile sur toile. 100 x 80 cm. 

Tous ces différents lieux ont-ils amené votre travail dans des directions différentes ?

Ils m’ont donné la possibilité de voir le travail plus largement. En Allemagne, j'étais très intéressé par l'idée du collage, à la fois philosophiquement et par la pratique du collage, et par l'idée de superposer un concept ou une idée sur une autre idée ; une approche de travail à plusieurs niveaux. En Australie, j'ai été époustouflé par le sentiment toxique d'un paysage qui se dégrade mais se renouvelle, comme s'il était constamment mis à l'épreuve par le feu. En France et, particulièrement en Espagne, j’ai adoré le courage des Espagnols – c’est un pays chaud et sanglant, l’Espagne, ils ont ce sentiment de vivre dans un endroit légèrement dangereux en termes de politique et j’aime cette nervosité ; J’aime l’obscurité créée par l’extrême luminosité : la sensation de clair-obscur. J'aime les rouges créés par la chaleur. Certaines choses dans différents pays ont vraiment eu un impact sur ma façon de travailler.

Pourquoi avoir choisi Abstraction ?

La réponse simple est que Abstraction m'a choisi. Les questions spirituelles, philosophiques et les grandes questions m'ont toujours attiré, même au cours de mes années de formation. Cela a toujours existé dans l’art et concerne le pourquoi et le comment : la forme et le concept derrière le récit et la figuration.

Jeremy Annear - Musique de la mer., 2018. Huile sur toile. 60 x 40 cm.

Pensez-vous que la peinture abstraite a connu une renaissance ces dernières années ?

En fait, pas du tout. J'ai des sentiments assez forts, en particulier à l'égard de l'approche britannique de l'abstraction, car je pense que, dans l'ensemble, les Britanniques trouvent l'abstraction très difficile. Je pense que la sensibilité britannique est de trouver une narration dans les choses. Nous avons donc une très forte tradition littéraire et musicale en Grande-Bretagne, mais j’ai l’impression que la tradition artistique n’a pas été aussi forte en termes d’abstraction. Dans un pays comme l’Allemagne, on est bien plus à même de gérer des concepts et des pensées abstraits. Il y a une tendance, de manière anecdotique, dans le monde de l’art pour une perfection artistique photo-réelle, impeccablement finie, qui n’est pas nécessairement abstraite mais qui a des couches de sens, une approche post-moderne : un collage à la fois d’abstraction et de figuration. J’aime l’abstraction pure même si je n’ai pas toujours été un pur abstractionniste ; J'ai probablement traversé une étape d'abstraction d'objets pour aboutir à ce que je considère maintenant comme un lieu de pure abstraction.

Avez-vous déjà retravaillé des pièces ou revisité des productions précédentes ?

Je suis revenu au travail et j'ai retravaillé dessus. Je ne travaille jamais sur une seule pièce à la fois ; Je travaille sur un ensemble d'œuvres. J'ai un certain nombre de peintures sur lesquelles je peux travailler en atelier. Je pense aussi que ma vie de peintre ne se résume pas à des peintures individuelles, mais à la recherche de la déclaration la plus essentielle que je puisse faire, aussi simplement et de manière minimale. Ma peinture idéale serait un espace complètement vide, mais une surface à la fois convaincante, mais c’est comme une perfection que je sais que je n’atteindrai jamais ! Je suppose que je recherche vraiment l'essentiel de la langue que je parle ; la peinture est mon langage et j'essaie de trouver la meilleure façon de dire ce que je veux dire de la manière la plus succincte possible.

Y a-t-il eu récemment une exposition qui vous a particulièrement marqué ?

J'ai récemment vu une exposition de Louise Bourgeois à Malaga au musée Picasso qui était absolument incroyable et j'aime vraiment son travail. J'ai également apprécié une visite récente au musée Miró à Barcelone. Braque, je l'ai toujours considéré comme mon père en peinture, il y a quelque chose que je trouve terriblement captivant dans son œuvre. En regardant la vie de Braque, ses hauts et ses bas en peinture et l'homme qu'il était : je trouve sa vie fascinante. Je suis un amoureux du modernisme, sous toutes ses formes, musique, architecture et art. Et je suis un grand amateur de brutalisme en architecture et de minimalisme en musique.

Image à la une : Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Huile sur toile. 70 x 90 cm.