Une interview avec Jeremy Annear

Jeremy Annear (né en 1949) est un artiste abstrait très respecté et accompli, basé en Cornouailles, en Angleterre. Ses œuvres font partie des collections de l’Ionian Trust et de la Royal Holloway Collection, entre autres, et il a exposé à l’international au Canada, aux États-Unis, en Allemagne, en France et aux Pays-Bas ; tous ces lieux ont exercé une influence unique sur son travail. Sa plus récente exposition à la Lemon Street Gallery de Truro, une exposition conjointe avec son épouse, Judy Buxton, a été une sorte de retour aux sources pour l’artiste, pour qui le paysage cornouaillais est une grande source d’inspiration et de réflexion. Nous avons parlé avec Jeremy de l’exposition, de sa carrière et de sa vision de l’Abstraction.

Pouvez-vous nous parler de la récente exposition « Twofold : in Art and Life » à la Lemon Street Gallery ?

La galerie Lemon Street est une galerie de premier plan en Cornouailles et elle jouit d’une très bonne réputation au niveau national. Elle s’étend sur trois étages et Judy, ma femme, devait y exposer seule sur toute la galerie, mais lorsqu’elle a décidé de ne pas occuper les trois étages, nous avons été convaincus par Louise Jones, la galeriste, d’exposer tous les deux. J’ai eu une exposition personnelle au sous-sol de la galerie, un bel espace en cube blanc, très minimaliste, très contemporain, qui convient parfaitement à mon travail. J’y ai présenté environ 30 œuvres.

C’était la première fois que vous partagiez une exposition avec votre épouse, y a-t-il eu des interactions entre vos œuvres ?

Non, nos travaux sont vraiment très différents et c’est sans doute le secret de notre partenariat pictural réussi depuis trente ans. J’ai un immense respect pour Judy en tant que peintre figurative expressive et je pense qu’elle a un œil incroyable. Je viens d’un tout autre univers, d’une tradition moderniste avec des racines dans la peinture d’icônes puis la peinture italienne du Quattrocento, donc je passe par ce type d’image jusqu’au modernisme du XXe siècle et des artistes comme Picasso et Paul Klee. Il y a une sensibilité très différente dans le travail.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Huile sur toile. 80 x 100 cm.

Vous décrivez une approche ludique de la peinture : pouvez-vous développer cet aspect de votre pratique ?

Je pense que le jeu a une signification plus profonde que celle généralement comprise – c’est-à-dire que si vous jouez, vous ne faites rien de sérieux –, mais je crois qu’il existe une approche, surtout dans la créativité et la réflexion, où le jeu est une manière légère d’aborder les choses et où l’on reconnaît des éléments comme l’ironie, la métaphore et même des aspects de malice et de facétie, comme le « fou » en littérature. Quand je parle de jeu, c’est dans ce sens ; c’est un lieu où l’on est libéré d’un sérieux pédant, mais qui possède un autre type de sérieux, terriblement productif.

Pouvez-vous décrire vos expériences de travail et d’exposition dans d’autres pays ?

J’ai toujours eu de bonnes relations pour exposer en Allemagne et en Suisse. J’ai vécu à Worpswede, en Allemagne, pendant un an. C’est un endroit absolument incroyable qui offre de nombreuses résidences pour artistes, musiciens et écrivains – la mienne était une bourse DAAD très généreuse –, et c’était très intéressant d’être en Allemagne, d’y travailler et de rencontrer d’autres artistes, beaucoup venant d’Europe de l’Est, mais aussi plusieurs artistes allemands, et de ressentir ce sentiment un peu écrasant en Allemagne que tout doit être très bien exécuté et très clair. Le paysage reflétait cela car il s’agit de terres marécageuses récupérées du nord de l’Allemagne. C’est beaucoup de landes qui sont des terres asséchées, donc, bien que je ne sois pas près de la mer, j’avais l’impression d’être assis sur la mer. C’est une tourbière et des digues noires sont creusées dans le paysage pour le dompter, créant des lignes droites bien ordonnées sur des kilomètres, mais en même temps la végétation commence à reprendre ses droits et une partie de l’ordre est perturbée par une vie naturelle indisciplinée. C’est un paysage magnifique mais il m’a fallu longtemps pour m’y habituer car je le trouvais presque intimidant, tellement il était strict et rigide. Une fois que je m’y suis plongé, j’ai vraiment apprécié cela. J’ai aussi beaucoup travaillé en Australie, en Espagne et en France, donc j’aime vraiment travailler sous la chaleur. J’apprécie la culture souvent présente dans les régions chaudes : la possibilité d’être un peu plus libre physiquement dans un pays chaud, plutôt que dans la Cornouailles humide et ancienne !

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Huile sur toile. 100 x 80 cm. 

Tous ces lieux différents ont-ils orienté votre travail dans des directions variées ?

Ils m’ont donné la capacité de voir le travail de manière plus large. En Allemagne, j’étais très intéressé par l’idée du collage, à la fois philosophiquement et dans la réalisation de collages, et par l’idée de superposer un concept ou une idée à une autre ; une approche en couches du travail. En Australie, j’ai été frappé par le sentiment toxique d’un paysage qui se décompose mais se renouvelle, comme s’il était constamment éprouvé par le feu. En France et, particulièrement, en Espagne, j’ai aimé le sens du courage des Espagnols – c’est un pays chaud et ardent, l’Espagne, qui donne cette impression de vivre un peu dans un lieu dangereux sur le plan politique, et j’aime cette tension ; j’aime l’obscurité créée par la lumière extrême : le sens du clair-obscur. J’aime les rouges créés par la chaleur. Certains éléments de différents pays ont vraiment influencé ma manière de travailler.

Pourquoi avez-vous choisi l’Abstraction ?

La réponse simple est que c’est l’Abstraction qui m’a choisi. Le spirituel, le philosophique et les grandes questions m’ont toujours attiré, même dans mes années de formation. Cela a toujours existé dans l’art et concerne le pourquoi et le comment : la forme et le concept derrière le récit et la figuration.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Huile sur toile. 60 x 40 cm.

Pensez-vous que la peinture abstraite a connu une Renaissance ces dernières années ?

Pas vraiment. J’ai des sentiments assez forts, notamment à propos de l’approche britannique de l’Abstraction, car je pense que, dans l’ensemble, les Britanniques trouvent l’Abstraction très difficile. Je crois que la sensibilité britannique est de chercher un récit dans les choses, nous avons une très forte tradition littéraire et musicale en Grande-Bretagne, mais je sens que la tradition artistique n’a pas été aussi forte en ce qui concerne l’Abstraction. Un pays comme l’Allemagne est beaucoup plus capable de traiter des concepts et des pensées abstraits. Il y a une tendance, anecdotique, dans le monde de l’art à un réalisme photographique, une finition immaculée, une perfection dans l’art, qui n’est pas nécessairement abstraite mais qui possède des couches de sens, une approche postmoderne : un collage d’abstraction et de figuration. J’aime l’abstraction pure même si je n’ai pas toujours été un abstractionniste pur ; j’ai probablement traversé une phase d’abstraction d’objets vers ce que je ressens maintenant comme un lieu d’abstraction pure.

Retravaillez-vous parfois certaines œuvres ou revisitez-vous des productions antérieures ?

Je suis revenu sur des œuvres et j’y ai travaillé à nouveau. Je ne travaille jamais sur une seule pièce à la fois ; je travaille sur un ensemble d’œuvres. J’ai plusieurs tableaux sur lesquels je peux travailler en atelier. Je pense aussi que ma vie de peintre ne concerne pas des tableaux individuels, mais la recherche de l’énoncé le plus essentiel que je puisse faire, aussi simplement et minimalement que possible. Mon tableau idéal serait un espace complètement vide, mais une surface qui soit aussi captivante en même temps, mais c’est comme la perfection que je sais ne jamais atteindre ! Je suppose que je cherche vraiment l’essentiel du langage que je parle ; la peinture est mon langage et j’essaie de trouver la meilleure façon de dire ce que je veux dire aussi succinctement que possible.

Y a-t-il eu une exposition récente qui vous a particulièrement marqué ?

J’ai récemment vu une exposition de Louise Bourgeois à Malaga, au musée Picasso, qui était absolument incroyable et j’aime beaucoup son travail. J’ai aussi apprécié une visite récente au musée Miró à Barcelone. Braque, je l’ai toujours considéré comme mon père pictural, il y a quelque chose que je trouve terriblement captivant dans son œuvre. En regardant la vie de Braque, ses hauts et ses bas dans la peinture et l’homme qu’il était : je trouve sa vie fascinante. Je suis un amoureux du modernisme, sous toutes ses formes, musique, architecture et art. Et je suis un grand admirateur du brutalisme en architecture et du minimalisme en musique.

Image à la une : Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Huile sur toile. 70 x 90 cm.