Achetez le meilleur de l’art abstrait européen aujourd’hui

Depuis ses débuts dans les années 1900, l’art abstrait fut un phénomène véritablement européen qui annonçait d’abondantes possibilités issues du rejet de la représentation comme simple reflet passif des choses. Portée par l’avant-garde moderne et les tentatives audacieuses, notamment des Fauves, Cubistes et Futuristes, d’abandonner les éléments figuratifs, l’abstraction pure émergea triomphalement en se déployant dans de nombreuses directions divergentes. Cependant, les signes inquiétants de la montée du fascisme perturbèrent l’épanouissement de l’art abstrait européen. Classé comme art dégénéré, l’art abstrait fut vilipendé et ses artistes contraints de fuir une Europe bientôt détruite. Cela engendra une généalogie brisée de l’art abstrait européen qui ne fut jamais réparée. Lorsque, après la Seconde Guerre mondiale, l’expressionnisme abstrait commença à s’imposer, le critique d’art Clement Greenberg le décrivit comme la forme la plus avancée d’art abstrait, accomplissant ce que les Européens n’avaient pas réussi. Selon Greenberg, les peintures abstraites européennes donnaient l’impression d’un espace tridimensionnel sur la toile, imitant ainsi encore le monde extérieur naturel. Avec l’agenda de la Guerre froide dictant les politiques artistiques, l’art abstrait fit son retour en Europe en 1958/59 grâce à l’exposition The New American Painting du MoMA. Dans le monde globalisé d’aujourd’hui, les références géographiques semblent moins importantes que jamais. Pourtant, pour beaucoup, l’Europe est plus qu’un simple repère géographique : elle évoque un héritage, un style, un mouvement et/ou une source d’inspiration. Notre sélection hebdomadaire de l’art abstrait européen contemporain s’appuie sur cette fascinante lignée – pour en savoir plus, veuillez faire défiler ci-dessous !

Anthony Frost - Mirror Man

Mirror Man est la démonstration la plus habile du mélange unique de peinture et de collage de Frost. Il forme des formes abstraites à partir de toile de jute, de sacs, de tissu et de filet végétal ; les dispose en couches et peint ces formes avec des couleurs vives. Sa technique est rapide, spontanée et non orthodoxe, laissant son instinct et son intuition guider le processus créatif. Frost est un artiste abstrait anglais, fils du célèbre Sir Terry Frost, dont les peintures et gravures vibrantes et colorées expriment l’énergie brute et la liberté de la musique rock. Il vit et travaille en Cornouailles.

Anthony Frost - Mirror Man, 2011. Acrylique et techniques mixtes sur toile. 76,2 x 76,2 cm.

Daniel Göttin - Sans titre 3 (K3)

Cette œuvre fait partie d’un groupe de 12 objets muraux similaires composés de MDF laqué en couleur. Il s’agit d’une modification physique libre issue de la section de croisement de lignes de l’installation Network de Göttin – une structure en grille irrégulière qui tend dans différentes directions. Sans titre 3 (K3) révèle l’intérêt persistant de Göttin, inspiré par l’Art Minimal, l’Art Concret et l’Art Conceptuel, pour la subjectivité de la perception à travers laquelle il encourage le spectateur à déchiffrer la nature itérative de son travail. Daniel Göttin est un artiste suisse dont l’œuvre se partage entre créations in situ et objets colorés ou peints pour murs. Il vit et travaille à Bâle.

Daniel Göttin - Sans titre 3 (K3), 2011. Laque sur MDF. 54 x 55 x 10 cm.

Claude Tétot - Sans titre 1

Sans titre 1 illustre la franchise de Tétot qui perturbe notre pensée habituelle sur la réalité environnante et est provoquée par un contraste brutal entre ses éléments. Des formes issues de registres différents et souvent éloignés soulignent son langage visuel de contradictions complémentaires qui se résolvent en harmonies inattendues. Sa poétique de l’unité s’exprime par ces évidentes disharmonies alors qu’il s’immerge dans la contemplation de ce que chaos et ordre sont intrinsèquement. Tétot est un artiste abstrait français dont l’œuvre exprime l’harmonie dans la disharmonie. Né en 1960 à Angoulême, dans le sud-ouest de la France, il vit et travaille aujourd’hui à Savins, au sud de Paris.

Claude Tétot - Sans titre 1, 2017. Huile et acrylique sur papier. 35 x 50 cm.

Harald Kröner - Cut 39

Faisant partie de la série Cut, cette grande œuvre sur papier fait référence à la technique signature de Kröner inspirée par le montage cinématographique, chaque œuvre étant produite à partir de bandes de papier semblables à des pellicules. Deux feuilles peintes – une grande feuille de fond et une plus claire, semi-transparente, découpée en bandes – convergent dans un complet hasard. Naviguant à travers ce hasard, Kröner cherche à trouver l’équilibre entre hasard/contrôle et chaos/ordre et invite le spectateur à offrir sa propre interprétation. Kröner est un artiste allemand que l’on pourrait qualifier d’« artiste du papier », produisant essentiellement des œuvres sur papier et des collages. Son travail comprend également des installations publiques. Il vit et travaille à Pforzheim, en Allemagne.

Harald Kröner - Cut 39, 2018. Encre, laque, découpage, collage sur papier. 80 x 190 x 3 cm.

Martin Reyna - Le Bois

Faisant partie d’un polyptyque composé de neuf éléments, Le Bois incarne la fascination de Reyna pour le paysage, l’architecture et la lumière. L’encre diluée et les gestes saisissants permettent aux couleurs de se dissiper et de fusionner de manière erratique. Les coulures et les versés, ainsi que les coups de pinceau énergiques, ajoutent une nuance métaphysique tandis que les couleurs vibrantes créent une dichotomie de perspective spatiale clairement visible dans ses œuvres polyptyques comme Le Bois. Reyna est un peintre abstrait né en Argentine et vivant à Paris, France. Ses peintures abstraites gestuelles ravissent l’œil et stimulent l’esprit par leurs relations lumineuses de couleurs et leurs explorations habiles de la perspective et de l’espace.

Martin Reyna - Le Bois, 2015. Encre sur papier. 150 x 200 cm.

Jesús Perea - M271

Cette création numérique imprimée sur Hahnemuhle photo rag illustre l’exploration de Perea des structures rationnelles qui sous-tendent la nature imprévisible et affective de l’intelligence. M271 synthétise le monde de la raison et celui des émotions dans une abstraction graphique expressive et persuasive. Située entre le géométrique et le biomorphique, une beauté mathématique de la nature émerge, révélant les mystères à la fois de la structure et de l’expression. Perea est un artiste abstrait multidisciplinaire vivant et travaillant à Madrid, Espagne. Il est membre du collectif d’art abstrait contemporain Mother Universe.

Jesús Perea - M271, 2017. Création numérique, imprimée sur Hahnemuhle Photo Rag 308 g. 100 x 70 cm.

Jeremy Annear - Série Idées (Éclipse II)

La dernière œuvre de Annear, Série Idées (Éclipse II), s’inspire de la nature cornouaillaise avec les rythmes et contrastes en cascade du paysage et du littoral. L’harmonie apaisante émane de ses couches en relief et de ses textures de surface complexes, tandis que ses tons terreux calmants et ses couleurs primaires brutes renvoient avec conviction à la nature. La pureté de sa forme, de sa construction et de sa composition révèle sa précision unique et ses affinités esthétiques. Annear est un peintre anglais qui a été initié au modernisme de St Ives dès ses premières années formatrices. Il vit et travaille en Cornouailles.

Jeremy Annear - Série Idées (Éclipse II), 2020. Huile sur toile. 30 x 25 cm.

Daniela Schweinsberg - Un souffle d’été V

Cette œuvre, exclusive à IdeelArt et faisant partie de la série Un souffle d’été, est une peinture stratifiée galvanisante qui met en lumière la profondeur émotionnelle insondable de Schweinsberg. Elle applique différentes techniques pour souligner la nature à la fois chaotique et harmonieuse de la beauté. Son œuvre puissante résulte d’une approche intuitive et non précipitée, son coup de pinceau vigoureux et sa palette limitée révélant son processus créatif guidé par l’émotion. Schweinsberg est une artiste abstraite allemande dont les peintures lyriques tirent leur puissance tumultueuse d’un mélange d’émotion brute, de couleurs vibrantes et de couches de coups de pinceau énergiques. Elle vit et travaille à Francfort, Allemagne.

Daniela Schweinsberg - Un souffle d’été V, 2019. Acrylique/techniques mixtes sur lin. 100 x 100 x 2 cm.

Greet Helsen - Floraison précoce

Floraison précoce est la plus récente acrylique sur toile de Helsen qui capture la transparence de la peinture aquarelle dévoilant méticuleusement la complexité de la nature. Les zones de couleur scintillantes sont transparentes et mises en valeur par des lignes d’encre habiles et des champs de couleur blanche réfléchissante. Cette œuvre rayonne de son essence éthérée tandis que les pigments dilués et les détails séduisants des surfaces ajoutent à sa légèreté et son élégance. Helsen est une artiste belge inspirée par la nature, dessinant des paysages abstraits et utilisant l’acrylique comme l’aquarelle. Elle vit et travaille en Suisse.

Greet Helsen - Floraison précoce, 2020. Acrylique sur toile. 60 x 60 cm.

Pierre Muckensturm - 191J24019

191J24019 révèle la fascination de Muckensturm pour la constance et la temporalité, mise en lumière par une dichotomie troublante entre la nature répétitive et cyclique du temps et des événements singuliers et isolés qui perturbent cette harmonie. La gravure, qu’il a ajoutée à son œuvre en 2010, lui a permis d’explorer davantage le temps et la perspective, et cette gravure sur zinc matérialise le calme, la constance et la temporalité nourris par son talent supérieur et ses connaissances approfondies. Muckensturm est un peintre et graveur abstrait français dont le langage visuel est celui de l’harmonie, du calme et de l’intemporalité. Né à Strasbourg, France, il vit et travaille actuellement à Colmar.

Pierre Muckensturm - 191J24019, 2019. Gravure / carborundum sur zinc imprimée sur papier BKF 250 g. 56 x 76 cm.

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Image en vedette : Jesús Perea - M271, 2017, vue d’installation.
Par Jovana Vuković